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ACCIOLY, Cecília Bastos da Costa. Por uma Reconciliação de Saberes nas Licenciaturas das Artes da Cena. Salvador: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia; Doutoranda; Lúcia Fernandes Lobato. Professora, Dançarina, Bailarina e Coreógrafa.

RESUMO
Este artigo apresenta e analisa as recorrências emergentes das formas de inserção das noções de Territorialidades e Saberes Locais nos atuais currículos das Licenciaturas em Dança e em Teatro da Universidade Federal da Bahia – campo de observação escolhido por serem as primeiras escolas específicas destas artes no Ensino Superior no país – vinculando-as ao percurso histórico das instituições em questão, ao Ensino Superior no Brasil, e às hierarquizações de saberes a partir da construção da tradição Ocidental. Ressalta a necessidade de uma revisão da concepção de universidade e da formação do professor a partir de propostas para uma reformulação da Dança e do Teatro no ambiente da graduação sem hierarquização dos saberes. Aponta estas artes como elementos passíveis e constitutivos do conhecimento humano e, ainda, um local privilegiado de religação dos saberes formadores da cultura para a efetivação e construção da complexidade. Ressalta o momento da dicotomização do conhecimento, devido a incompreensões e equivocos determinantes do cientificismo e do academicismo. Assume a atual discussão sobre a reconciliação dos saberes sob a ótica de uma epistemologia do cotidiano.
PALAVRAS-CHAVE: Territorialidades. Saberes Locais. Currículos. Dança. Teatro. Formação de Professores.

ABSTRACT
This paper presents and analyzes the emergent patterns on emergent ways of Place-based and Local Knowledge on the current curricula on Teacher Training on Dance and Theatre at the Federal University of Bahia. It does thus through these institutions’ historical process, High Level Teaching in Brazil, and through knowledge hierarchies from Western Tradition. The text highlights the need for a revision of university concepts and teacher training proposals for a re-organization of Dance and Theatre programs without knowledge hierarchies. This research relates the performing arts as constructing parts of human knowledge and as a privileged place for reconnection of knowledge, culture and complexity. The article spotlight the moment that began the knowledge dichotomy because of the interpretation of Scientism and other academic ways of thinking, and resumes the present discussion about the reconnection of knowledge under a daily epistemology point of view
KEYWORDS: Territoriality. Local Knowledge.Curricula.Dance. Theatre. Teacher Training

 

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ALVARENGA, Arnaldo Leite de. Os anos 1980 e a explosão da dança cênica brasileira. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais; Prof. Adjunto. Bailarino e Professor.

RESUMO
Os anos 1980 coincidem com um período intenso para a dança brasileira em geral marcados por muitos acontecimentos importantes. As iniciativas, tanto estatais como privadas, deram novo impulso a diversos setores ligados à dança no Brasil. As muitas ações vão desde a criação em dança, passando pelos tipos de formação livre e acadêmica, pela constituição de novos grupos e companhias, produção editorial, organização de mostras e festivais, bem como pela maior circulação das produções e de artistas de dança nos palcos nacionais e internacionais. Um país que, no senso comum, sempre se reconheceu como tendo “a dança no corpo”, mas que, por outro lado, nunca deixou de manifestar dificuldades em perceber a dança como uma atividade profissional possível e respeitável, tem nos anos 80 um período de maior visibilidade nesse campo e o reconhecimento mesmo de que os bailarinos constituem uma categoria de trabalhadores no contexto artístico brasileiro. Este artigo ao dar visibilidade a esses fatos procura localiza-los num contexto maior dos quadros político e social brasileiro do período.
Palavras chave: Dança Brasileira. Criação. História da Dança.
Alvarenga, Arnaldo Leite de. Les années 80 et l’explosion de la danse de scène brésilienne. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais. Professeur Assistant. Danseur et enseignant.

RESUME
L’année 1980 coïncide avec une période intense de la danse brésilienne généralement marquée par plusieurs événements importants. Les initiatives, tant publiques que privées, ont donné un nouvel élan à de nombreux secteurs de la danse au Brésil. Les plusiers activités de la création en danse, à travers les types de formation libre et académique, la formation de nouveaux groupes et entreprises, la production éditoriale, l’organisation d’expositions et de festivals, ainsi que les plus presentation des artistes de la danse sur scène nationales et internationales. Un pays où, dans le sens commun, toujours été reconnue comme ayant «la danse dans le corps», mais d’autre part, a toujours exprimé la difficulté à comprendre la danse comme une activité professionnelle délai possible et respectable, a dans les 80 années une plus grande visibilité et la reconnaissance dans ce domaine que même les danseurs forment une catégorie de travailleurs dans le contexte brésilien artistique. Cet article doit une visibilité à ces faits dans un contexte plus large du Brésil dans les cadres politiques et sociaux de la période.
Mots-clés: Danse Brésilienne.Création. Histoire de la danse.

 

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ANDRADE, Carolina R. Bauru: Universidade Estadual Julio de Mesquita Filho, Faculdade de Ciências, Professor Substituto E ARIOSI, Cinthia M. Bauru: Universidade Estadual Julio de Mesquita Filho, Faculdade de Ciências, Professor Substituto; Dança e movimento, formação de professores de Artes.

RESUMO
O presente estudo consta de uma análise nos currículos dos cursos da Universidade Estadual Paulista – UNESP Artes-Teatro (Campus São Paulo) e Educação Artística (Campus Bauru)- no tocante a presença dos conteúdos relacionados à dança e à educação do movimento na formação de professores. Para a coleta de dados foi realizada pesquisa em documentos dos órgãos oficiais de educação do Brasil, tais como Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional. Lei no 9.394/96, de 20 de dezembro de 1996, Ministério da Educação e do Desporto. Secretaria da Educação Fundamental, Parâmetros curriculares nacionais. Brasília: MEC/SEF, 1997 e Referencial Curricular Nacional para a Educação Infantil (volume Três), Diretrizes Curriculares Nacionais para a Formação de Professores da Educação Básica, Diretrizes Curriculares Nacionais do Curso de Graduação em Artes Visuais e os currículos dos cursos, levantou-se algumas reflexões sobre a presença dos conteúdos relativos ao movimento na formação dos professores. O foco de nossa discussão é o aspecto curricular da formação docente, uma vez que foi analisado se a linguagem corporal – movimento – é contemplada na orientação legal e conseqüentemente na prática formativa, principalmente no tocante as práticas artísticas como fundamentais, para a formação docente. Para tanto, foi considerado que haja espaço para a vivência de atividades de artísticas na formação do professor já esta será base da atuação docente. Desde a apropriação das diferentes linguagens (dança, teatro, musica e artes visuais) até a interação com o lúdico, e a necessidade da inclusão estes conteúdos em sua prática docente.
Palavras Chave: Arte. Dança. Formação Docente.

ABSTRACT
Dance an body movement: teacher education of Arts
In this study, we examine the curricula of the Universidade Estadual Paulista – UNESP – Theatre -Arts (Campus São Paulo) and Education of Art (Campus Bauru) the presence of content related to the dance and particularly the education of movement in teacher education. We through the analysis of the official documents on education in Brazil, such as Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional.Lei no 9.394/96, de 20 de dezembro de 1996, Ministério da Educação e do Desporto. Secretaria da Educação Fundamental, Parâmetros curriculares nacionais. Brasília: MEC/SEF, 1997 e Referencial Curricular Nacional para a Educação Infantil (volume Três), Diretrizes Curriculares Nacionais para a Formação de Professores da Educação Básica, Diretrizes Curriculares Nacionais do Curso de Graduação em Artes Visuais and the curriculum of courses, some reflections on the presence of content related to the movement in teacher training. We found that the curricula of courses in pedagogy discussed mostly not present the content on the subject proposal, so the teachers do not have enough training to work with such content in the school of early childhood education.The focus of our discussion is the aspect of teacher education as it was analyzed about body language – movement – is covered in law and therefore the training practice, especially regarding the artistic practices as fundamental to teacher education. Therefore, it was considered that there is experience of artistic activities in teacher education since this will be the basis of teaching performance.
Keywords: Art. Dance. Teacher Education.

 

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ARAUJO, Lauana Vilaronga Cunha de. Ruptura às avessas: os diálogos estéticos na invenção da dança cênica em Salvador. Salvador: Universidade Federal da Bahia; CAPES; Doutoranda do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; Orientação: Profa. Dra. Eliana Rodrigues Silva.

RESUMO
A historiografia da dança no Ocidente, com seus processos de radicalização e ruptura estética interferiram no perfil da dança cênica desenvolvida em Salvador nas décadas de 1950 a 1970, entretanto sem a sobrecarga político-cultural que às conformaram nos seus ambientes de origem. Com intensidade, também influenciaram a dança cênica soteropolitana, as manifestações da cultura local, valorizadas e impulsionadas notadamente pelo olhar estrangeiro, dentro e fora do ambiente acadêmico. Deste modo, o artigo pretende analisar o nível de integração das estéticas local e estrangeira a partir de referenciais dos estudos pós-coloniais e da Teoria Geral dos Sistemas, com tendência a afirmar uma consistente resistência e afirmação das referências culturais locais sobre a interferência considerada colonizadora, num processo ímpar de configuração das manifestações coreográficas nas suas características técnicas, expressivas e temáticas.
PALAVRAS-CHAVE: História da dança. Diálogo estético.Cultura popular.

ABSTRACT
The history of dance in the West, with its processes of radicalization and aesthetic changes had affected the profile of stage dance developed in Salvador in the 1950s to 1970, but without the political and cultural overload that conformed to in their home environments. With intensity, also influenced the stage dance in Salvador, demonstrations of local culture, valued and promoted mainly by foreign look, inside and outside the academic environment. Thus, the article analyzes the level of aesthetic integration of local and foreign references from the post-colonial studies and General Systems Theory, which tends to affirm a consistent resistance and affirmation of cultural references to local interference considered colonizing, a unique procedure for setting up the choreographic demonstrations in its technical, expressive and thematic.
KEYWORDS: Dance History. Aesthetic dialogue.Popular culture.

 

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ARAÚJO, Siane Paula de. Imagem, percepção e tempo em Nazareth. Belo Horizonte: Programa de Pós-Graduação em Estudos de Linguagens- CEFETMG; mestranda, bolsista do POSLING-CEFETMG. Orientadora: Dra. Olga Valeska. Bailarina.

RESUMO
Esse trabalho analisa, à luz da semiótica peirciana, as diferentes temporalidades percebidas na composição do espetáculo Nazareth do Grupo Corpo Cia de Dança em vídeo. A obra representa uma tradução da vida do compositor carioca Ernesto Nazareth e de algumas de suas obras – adaptadas por José Miguel Wisnik – junto às referências da literatura de Machado de Assis para a dança. Retrata um período histórico brasileiro republicano do início do século XX transposto em modernas tecnologias da contemporaneidade. A cada olhar, seu conteúdo audiovisual permite estabelecer novas interpretações e impactos diferenciados mesclando passado, presente e futuro e integrando corpos virtuais em imagens diversas e sons dentro de um único ambiente de informação digital.
Palavras-chave: Nazareth. Vídeo. Semiótica

ABSTRACT
This work seek a review in the light of semiotics peirciana, different temporalities perceived in the composition Nazareth of the Grupo Corpo Cia de Dança spectacle in video. The work represents a translation of the life of composer carioca Ernesto Nazareth and some of his works-adapted by José Miguel Wisnik – along with references from the literature of Machado de Assis for dancing. Depicts a Brazilian Republican history period of the early 20th century transposed into modern technologies of contemporaneity. Every look, your audiovisual content allows you to establish new interpretations and differentiated impacts by merging the past, present and future and integrating virtual bodies in various images and sounds within a single environment of digital information.
Keywords: Nazareth. Video. Semiotics

 

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AQUINO, Rita Ferreira de. O desenvolvimento de processos criativos em dança no ensino superior: uma discussão a partir da noção de experiência. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; Doutorado; Orientanda da Profa. Dra. Denise Coutinho; Bolsista CAPES DS; Artista e educadora em dança.

RESUMO
Discussão dos componentes curriculares que objetivam o desenvolvimento de processos criativos em cursos de ensino superior em dança no Brasil. Tais componentes explicitam o cruzamento de dinâmicas do campo artístico com o ambiente acadêmico. Apresentariam, portanto, espaços para experiências artísticas em que é possível vivenciar o fazer como algo que acomete o sujeito, expondo-o de modo a reinventar a si mesmo. Identifica-se como problema o fato de que os agentes envolvidos no contexto freqüentemente ocupam posições conservadoras, reduzindo-o ao tratamento de conteúdos em estrutura disciplinar. A hipótese é que a condição de experiência possa se potencializar através de deslizamento de papéis usualmente desempenhados em direção ao estabelecimento de relações de colaboração artística e, conseqüentemente, de emancipação.
Palavras-chave: Dança. Ensino Superior. Processos Criativos. Experiência. Processos Colaborativos.

ABSTRACT
Discussion of curriculum components aimed at developing creative processes in dance courses at Brazilians universities, which underscore the cross-dynamics of the artistic field with the academic environment. They would present, therefore, spaces for an artistic experience in which it is possible to affect the subjects, exposing it in such a way that would reinvent itself. The fact that those involved in this context often occupy conservative positions is identified as a problem, reducing it to contents in a disciplinary structure. The hypothesis is that the experiencial condition may be potentiated by sliding roles towards the establishment of relations of artistic collaboration and, consequently, of emancipation.
Keywords: Dance. University.Creative Processes.Experience. Collaborative Processes.

 

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BANOV, Luiza R. F.. Ensino da dança: relação transitante entre mestre e discipulo. Piracicaba: Universidade Estadual de Campinas, UNICAMP; FAPESP; mestranda em artes cênicas. Dançarina e coreógrafa.

RESUMO
O presente estudo propõe uma analise diante da relação entre mestre e discípulo no estudo e aprendizado da dança. Para tanto, realiza um recorte da pesquisa de mestrado intitulada “Dança Teatral: reflexões sobre a poética do movimento e seus entrelaços” na qual aborda histórica e reflexivamente tópicos sobre a dança moderna alemã e seus desdobramentos desde seus primórdios; entre o século XIX e XX. Neste recorte, a autora investiga três pedagogos e mestres da dança moderna alemã: Hans Züllig (*1914 †1992), Jean Cébron (*1938) e Lutz Förster (*1953) e utiliza-se como ponto de encontro destes protagonistas a escola Folkwang, inaugurada em 1929 por Kurt Jooss (*1901†1979) desde então, se estabelecendo como referencia mundial em dança moderna. A metodologia utilizada para esta pesquisa foi elaborada a partir dos preceitos propostos pela pesquisa-ação (Thiollente, 2007) e observação participante. Afinal, de que maneira o aprendizado da dança se estabelece na memória e corpo dos bailarinos? Como se elabora nos corpos o fazer desta arte efêmera?
Palavras Chave: Ensino da dança. German Dance. Dança Moderna. Mestre e discipulo

ABSTRACT
The objective of this study is to analyze the relation between master and disciple in the study and learning of dance. For that, it is considered a piece of the master research named “Tanztheater: reflections on the poetic of movement and its interlaces” which studies a reflective and historic view of the topics about German modern dance and the universe from where it emerged, since its beginning; between the XIX and the XX centure. Therefore three masters of German dance are studied: Hans Züllig (*1914 †1992), Jean Cébron (*1938) e Lutz Förster (*1953) and it is used as a common point the Folkwang Hoscschule, which started in 1929 by Kurt Jooss (*1901†1979) and since then it has been considered the world reference in modern dance. The methodology used in this study is the “research-action” (Thiollente, 2007) and participative observation. In which way is stablished the learning of dance in the memory and body of dancers? How does it elaborates in their bodies this ephemera art?
Keywords: Teaching dance. German Dance.Modern Dance.Master and Disciple.

 

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BITTAR, Adriano. As Células Corporais e o Uso das Manipulações em Ação no Processo Composicional de “Corpo Edificado”. Brasília: Universidade de Brasília; bolsista Programa de Fomento CAPES; doutorando; Professora Orientadora Dra. Maria Beatriz de Medeiros. Dançarino e coreógrafo.

RESUMO
A comunicação pretende expor o processo composicional em andamento utilizado na criação do espetáculo de dança “Corpo Edificado”. O trabalho pretende pensar uma forma de criação coreográfica na qual representações imagéticas chamadas de células corporais e estímulos táteis específicos, as manipulações em ação, fazem parte do repertório de ferramentas utilizadas para a composição das cenas. Utilizam-se conceitos base para esse estudo, dentre eles o de epigenética e o de propriocepção afetiva.
Palavras-chave: dança contemporânea. processos composicionais. imagens. manipulações.

ABSTRACT
The Body-cells and the Manipulations in Action on the Dance Composition Process of “Built-Body”. This talk is about the dance composition process used to create the piece “Built-body”. While creating this piece, the dancers and choreographers used the so-called body-cells and the manipulations in action in order to conceive the movements and dance. This research was based on different concepts, such as epigenetics and affective proprioception.
Key-words: contemporary dance. dance composition. imagery. touch.

 

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BORGES, Naranda. A Danç(a)tar: Estratégias para uma Autopoieses Feminina. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Mestranda; Profa. Dra. Lúcia Fernandes Lobato; Dançarina e Coreógrafa.

RESUMO
O artigo propõe uma possibilidade de Autopoieses Feminina a partir do que intitula a Danç(a)tar, com base numa pesquisa observacional de experiências profissionais realizadas com grupo de mulheres. A abordagem parte dos arquétipos das figuras mitológicas da Eva e da Lilith, apontando-as como oposições assumidas e ressignificadas na figura da Santa Mãezinha do período colonial brasileiro que ainda marcam os conflitos da mulher atual. Levanta como problema motivador a necessidade da autoconstrução feminina como resposta aos desafios e solicitações da contemporaneidade. A fundamentação se apoia principalmente em Maturana e Varela, Carl G. Jung, Jacques Derrida, Gilbert Durand, Michel Maffesoli, Zygmunt Bauman, David Le Breton e Mary Del Priore. Como resultado, assume que a Dança tem um potencial desvelador que faculta a mulher encontrar seus rastros e suas identificações através de suas narrativas corporais. Ao final são apresentados os Princípios da Danç(a)tar.
Palavras-chave: Dança. Imaginário Feminino. Autopoieses.

ABSTRACT
This article aims to present the female self-poiesis possibility from the process called Danç(a)tar, grounded on a observation-based research of professional experiences carried out with a group of women. The approach comes from the myths-characters archetypes of Eve and Lilith, pointing them as assumed oppositions and re-signified on the character of the Holly Mother from Brazilian Colonial Period what still mark the present woman’s conflicts. The motivation problem for this research is the need of female self-construction as an answer to the challenges and requests of contemporaneity. The fundamental references are: Maturana and Varela, Carl G. Jung, Jacques Derrida, Gilbert Durand, Michel Maffesoli, Zygmunt Bauman, David Le Breton and Mary Del Priore. For results, this work assumes that the Dance has a potential way of reveal that allows the woman to find your traces and identifications through your body-narratives. This text also presents the principles of Danç(a)tar.
Keywords: Dance. Female Imaginary.Self-poiesis.

 

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BUARQUE, Isabela Maria A. G. Entre memórias e personagens: o caso das Companhias profissionais de Dança da cidade do Rio de Janeiro. (1970-1990). Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro; Professor Assistente; Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro; Doutorando (PPGMS); Dra Andréa Lopes. Bailarina.

RESUMO
Pensar em estudar a dança a partir de prerrogativas históricas e de memória ajuda a entender as configurações do campo profissional em dança e ampliar as visões, estabelecer diálogos e fomentar discursos e saídas para os principais desdobramentos. A memória das companhias de dança profissionais no Brasil, que foram criadas em sua maioria na cidade do Rio de Janeiro, pode apresentar panoramas e conflitos, fazendo o diálogo com os conceitos e discursos elaborados no campo. A relação entre história e a memória do campo permite perceber as realidades atuais e preservar os discursos dos principais atores do campo, para que seja possível analisar os benefícios e malefícios que os traumas gerados pelas inovações, perdas e mudanças de discursos geram no campo da dança e de uma forma mais abrangente na própria sociedade. Assim, a fim de perceber as primeiras manifestações de grupos profissionais em dança na cidade do Rio de Janeiro buscando suas memórias, o aprofundamento nas décadas de 1970, 1980 e 1990 permitiria mergulhar na história de uma construção de campo profissional em dança, que no Brasil teria mesmo seus primeiros passos profissionais a partir da década de 1970. Somente na década de 1980 o campo profissional se estabelece. Nesse momento pode-se perceber as primeiras manifestações mais concretas no sentido de ações para o reconhecimento deste campo e dos atores envolvidos. Entender como e por que a cidade do Rio de Janeiro foi fundamental nesta construção do profissionalismo em dança é importante para mapear a trajetória profissional da dança no Brasil e buscar suas memórias de forma a entender não somente como a dança se profissionalizou, mas como o espaço no qual ela ia se inserindo era propicio para tal. As décadas apresentadas são relevantes para a cultura brasileira, especialmente para a produção artística, o que trouxe ganhos e perdas aos diversos campos das artes e suas manifestações. O objetivo central deste estudo é investigar a memória das companhias de dança do Rio de Janeiro, analisando seus discursos para construção do campo profissional em dança, buscando as permanências e inovações no estabelecimento deste campo. Neste projeto, o foco de estudo são as companhias de “dança cênica contemporânea” (SIQUEIRA, 2006), criadas e residentes no Rio de Janeiro, aquelas onde os grupos se organizam para ter como resultado de um processo um espetáculo a ser veiculado.
Palavras – Chaves: Dança – Memória – Profissionalismo – Rio de Janeiro.

ABSTRACT
Consider studying dance from the historical powers of memory and helps you understand the settings of the professional dance and expand visions, establish dialogue and encourage discourse and outputs for major developments. The memory of professional dance companies in Brazil, which were created mostly in the city of Rio de Janeiro, can present views and conflicts that make the dialogue with the concepts and elaborate speeches in the field. The relationship between history and memory of the field allows us to understand the current realities and preserve the speeches of the main actors in the field, so you can analyze the benefits and drawbacks that the trauma generated by innovation, change and loss of speech generated in the field of dance and a more comprehensive way in society itself. Thus, in order to realize the first demonstrations of professional dance groups in the city of Rio de Janeiro seeking his memoirs, deepening in the 1970s, 1980s and 1990s would delve into the history of construction of a professional field of dance, which in Brazil would even have his first professional steps from the 1970s. Only in the 1980s the professional field is established. At this point we can see the first signs of more concrete actions for the recognition of this field and the actors involved. Understanding how and why the city of Rio de Janeiro was instrumental in the construction of professionalism in dance is important to map the career of dance in Brazil and search their memories in order to understand not only how the dance went professional, but as space in which she would be entering was conducive to such. Decades presented are relevant to Brazilian culture, especially for artistic production, which brought gains and losses to the various fields of art and its manifestations. The aim of this study is to investigate the memory of the dance companies of Rio de Janeiro, analyzing his speeches for the construction of the professional dance, seeking to establish continuity and innovation in this field. In this project, the focus of study are the companies’ theatrical contemporary dance “(Siqueira, 2006), established and resident in Rio de Janeiro, where those groups are organized to have as a result of a show being aired.
Words – Keys: Dance – Memory – Professionalism – Rio de Janeiro.

 

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CÁLIPO, Nara de Moraes.O Co-habitar com as mulheres quebradeiras de coco babaçu e o Terecô. Campinas: UNICAMP; Mestrado; Graziela Rodrigues.

RESUMO
O presente artigo traz um recorte da pesquisa de mestrado em andamento, “Confluindo Co-habitares no Corpo do Intérprete formado na metodologia BPI (Bailarino-Pesquisador-Intérprete): Estudo e Análise”. O método BPI é sustentado sobre seus três eixos: Inventário no Corpo (aonde o intérprete vai de encontro com suas origens), Co-habitar com a Fonte (pautado na pesquisa de campo com segmentos sociais a margem da sociedade, em que há a apreensão sinestésica do outro em si), e Estruturação da Personagem (nucleação dos sentidos do intérprete trabalhados após o Co-habitar). É abordado aqui, o Co-habitar com a Fonte realizado com as mulheres quebradeiras de coco babaçu, e a manifestação religiosa presente em tal contexto, o Terecô (o culto aos encantados, nunca estudado sob a perspectiva da dança). Obteve-se desdobramento sobre o corpo destas mulheres em diversas camadas de seu cotidiano, da técnica corporal para o oficio de quebrar coco, à organização e dinâmica do Terecô. Será trazido à tona a descrição destas atividades analisadas sob a perspectiva da dança, fazendo-se uso do BPI.
Palavras-chave: Terecô, Quebradeiras de Coco Babaçu, Bailarino-Pesquisador-Intérprete.

ABSTRACT
This paper presents part of a research master’s in progress, “Converging Cohabits in the Interpreter Body formed in the DRP (Dancer-Researcher-Performer) method: Study and Analysis”. The DRP method is supported on its three axes: Inventory in the Body (where the artist looks for his origins), Co-habiting with the Source (guided by field research with marginal groups in society, where there is synesthetic perception of other bodies on himself), Structuring of the Character (nucleation of the senses of the interpreter worked after the Co-habit). The Co-habitingwith the Source made with the babassu coconut breaker women, and religious expression present in this context, the Terecô (the worship of the Enchanted, never studied from the perspective of dance), is discussed here. Was achieved the unfolding of the body of these women in various layers of everyday life, the technical office for the body to break coconuts, the organization and dynamics of Terecô. These activities will be described and analyzed from the perspective of dance, using the DRP method.
Keywords: Terecô, Babassu Coconut Breakers, Dancer-Researcher-Performer.

 

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CAMARGO, Giselle Guilhon Antunes. Antropologia da Dança: um campo teórico e metodológico em consolidação, no Brasil. Belém: UFPA; professora adjunta.

RESUMO
A presente comunicação tem por objetivo apresentar o campo epistemológico da Antropologia da Dança à comunidade de pesquisadores em Dança da ABRACE, revelando-a como um campo teórico e metodológico em processo de consolidação, no Brasil. Durante muito tempo, a Antropologia tratou a “dança” – em comparação com outros elementos da cultura, considerados mais essenciais – como um fenômeno supérfluo de observação. Mas graças aos esforços de alguns pesquisadores e, principalmente, pesquisadoras – dentre os quais/as quais citamos Franz Boas, John Blacking, Gertrud Kurath, Adrienne Kaeppler, Joan Kealinohomoku, Annya Peterson Royce, Judith Lynne Hanna, Suzanne Youngerman, Brenda Farnell, Sandra Francis, Drid Williams, Theresa Buckland, Andrée Grau, Andriy Nahachewsky, entre outro/as –, reconheceu-se, finalmente, que um estudo mais sistemático da dança é de fundamental importância não apenas para a compreensão da mesma em seu próprio contexto cultural como também e, principalmente, para o entendimento da estrutura mais profunda da sociedade a qual ela pertence. A partir de uma revisão detalhada das contribuições desses/as pesquisadores/as, pretende-se apresentar aqui as principais correntes teóricas da Antropologia da Dança, circunscrevendo, inclusive, sua influência em alguns trabalhos realizados no Brasil. Palavras-chave: Antropologia da Dança. Etnocoreologia.Coreologia.

ABSTRACT
This communication has as an objective to present the epistemological field of the discipline Anthropology of Dance to the academic community of ABRACE’s dance researchers, revealing it as a theoretical and methodological field in process of consolidation, in Brazil. During long time, Anthropology used to treat “dance” – in comparison to others elements of culture, considered more essentials – as a superfluous phenomenon of observation. But graces to the efforts of some researchers – among them Franz Boas, John Blacking, Gertrud Kurath, Adrienne Kaeppler, Joan Kealinohomoku, Annya Peterson Royce, Judith Lynne Hanna, Suzanne Youngerman, Brenda Farnell, Sandra Francis, Drid Williams, Theresa Buckland, Andrée Grau, Andriy Nahachewsky, among others –, one finally recognized that a more systematic study of dance is fundamental not only to its comprehension in its cultural context as well as to understand the deeper structure of the society in which dance is inserted. After a detailed revision of the contributions of those authors, we pretend to present the mainly theoretical approaches of the Anthropology of Dance, tracing, still, its influence in some works made in Brazil. Key-words: Anthropology of Dance. Ethnocoreology.Coreology.

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CAMPOS, Flávio. O método BPI e a Harmonia dos afetos: olhando as relações intrapessoais do intérprete. Campinas: UNICAMP; FAPESP; bolsista de mestrado; Professor Orientador Drª. Graziela E. F. Rodrigues. Ator, bailarino e performer.

RESUMO
Este artigo dá continuidade aos estudos sobre a Harmonia dos Afetos no método BPI. Pretende-se descrever a metodologia utilizada no projeto de mestrado em andamento, bem como, apresentar os resultados alcançados até o presente momento. Tendo como ponto de partida as relações intrapessoais vivenciadas pelo intérprete no processo proposto pelo BPI, intenta-se discorrer sobre a importância do contato do intérprete com ele mesmo na criação cênica e na formação do bailarino-pesquisador-intérprete. Ao analisar esta relação, o caráter sistêmico deste Método é reafirmado, já que o ato de o intérprete revelar-se a si mesmo está diretamente conectado e é ampliado pelo seu contato com o outro. Assim, este trabalho apresentará uma reflexão que indica as relações afetivas, de caráter inter e intrapessoais, como o elemento fundamental para a expressividade cênica vislumbrada pelo método BPI.
Palavras-chave: Método BPI. Relações intrapessoais. Metodologia de pesquisa.

ABSTRACT
This paper continues the studies by the author on the Harmony of Affects in the DRP method. The main objective is to describe the methodology used in the master’s project now in progress, presenting the results achieved. Using the perspective of intrapersonal relationships in DRP process, it seeks to discuss how important is the self-contact of the performer in the scenic creation and in the training process of dancer-researcher-performer. During this analysis of relationships the DRP’s systemic character was reaffirmed, because the performer’s self-revelation is directly connected with the interpersonal relationships. Therefore, this work will present a reflection about the affect’s relationships like a fundamental element to the scenic expressivity propose by the DRP method.
Keywords: DRP method. Intrapersonal relationships.Research methodology.

 

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CAVRELL, Holly. Coletivos: uma confluência de negociações na dança,Campinas, SP, Unicamp: Doutorando, Orientadora Cássia Navas; Coreógrafa/Professora/Pesquisadora.

RESUMO
A dança é em primeiro lugar uma atividade individual. Entretanto, o corpo nunca deixa de ser uma entidade/ um sujeito biológico. Este corpo único experimenta a vida através de suas trajetórias sensoriais: visão, olfato, audição, tato, etc. É através da compilação de experiências de vida – físicas e mentais – e da percepção dessas experiências que definimos quem somos, a quem este corpo pertence. A relação de uma bailarina com seu corpo é muito mais íntima do que para outras pessoas em função de sua consciência pessoal tanto intricada quanto profunda sobre sistemas internos e externos que a governam. Na dança, o corpo tem a oportunidade de aperfeiçoar habilidades individuais, encontrar novos significados e estudar maneiras de ultrapassar suas limitações. A dança cria uma envolvente percepção de transformações em nossas vidas: é sem dúvida uma experiência independente e totalizante. Se isto é tão grandioso, por que tantos dançarinos buscam grupos e processos de experiência compartilhada? A prova paradoxal desta fuga da experiência singular para outra na qual o objetivo é a composição de um pensamento comum é a presença de tantos coletivos de dança atualmente, nos quais a experiência individual se torna amalgamada, mutuamente absorvida numa esfera coletiva de interesses comuns. Mas os objetivos do grupo seriam os mesmos dos indivíduos? O que constitui um coletivo e como isto tem mudado historicamente? Os acordos eram financeiros, políticos ou conceituais? Que tipo de responsabilidade tinha cada membro, se é que tinha, de sustentar a existência de seu grupo? Ao discutir estas questões examinarei três exemplos do que virei a definir como “coletivo”, e investigar que o organizava, por quê, e qual era o papel de seus membros em termos de estrutura e objetivos, bem como de que modo funcionavam no contexto sociais e políticos de seus tempos. Primeiramente examinarei o Dadaísmo, um movimento altamente político, inicialmente centrado nas artes visuais e literatura e que surgiu no início da Primeira Guerra Mundial (1916 -1921). Em segundo lugar me voltarei para o grupo Fluxus (criado na década de 1960), igualmente politizado e que envolvia um conglomerado de artistas e músicos, cuja mensagem se relacionava com a desmistificação de tendências culturais, políticas e sociais. Em terceiro lugar gostaria de examinar como meu próprio grupo performático, Domínio Público, vem abordando este enigmático conceito de comportamento coletivo e questiona se este é de fato um arranjo sustentável e permanente ou se as forças que seguram o grupo junto são puramente transitórias. Finalmente, proponho que coletivos nos proporcionam discursos convincentes apesar de sua permanência largamente intermediária.
Palavras chave: coletivos de dança, fronteiras históricas e transformações.

ABSTRACT
Dance is first and foremost an individual activity. Nevertheless, the body begins as a biological subject for everyone.This sole body experiences life through its sensory trajectories: sight, smell, hearing, touch etc It is through the compilation of a physical being and the perception of its experiences that are defined who we are,whose body this is. A dancer’s relationship with her body is by far more intimate than a normal person’s by virtue of both an intricate and profound personal awareness of internal and external systems that govern her. A body interacts with the world by interpreting and suffering consequences which affect it. In Dance the body has an opportunity to perfect individual abilities, find new meanings and study ways of improving its limitations. Dance creates an evolving perspicacity of change in our lives: quite an all embracing independent experience, to be sure. If this is so great why then are so many dancers drawn towards a group and the process of shared experience? The paradoxical proof of this flight from a singular experience into one whose goal is the compound of communal thinking is the presence of so many collectives in dance today, where the individual experience becomes conflating, mutually absorbed into a communal pool of common interest. But are the group’s goals always the same as the individual’s? What constitutes a collective and how has it changed historically? Were the arrangements financial, political or conceptual and what kind of responsibility did each member have, if any, in sustaining their group’s existence? In discussing these questions I will look at three examples of what I may define as a “collective” and explore who organized them, why and what were the role of their members in terms of structure and objectives as well as how they functioned in the social and political contexts of their time. Firstly I will examine Dadaism, a highly political movement, which was primarily centered in the visual arts and literature and arose during the onset of World War 1(1916 -1921). Secondly I will look at the group Fluxus,(born in the 1960s), also a highly political group involving a cluster of artists and musicians, and whose message had to do with a demystification of current cultural, political and social trends. Thirdly I would like to examine how my own performing group, Dominio Publico, is approaching this enigmatic concept of collective behavior and question if this is a sustainable and permanent arrangement or are the forces that hold the group together purely transient? Finally I posit that collectives are providing us with a convincing discourse in spite of the fact that their permanence remains highly indeterminate.
Key words: dance collectives, historical boundaries and transformations

 

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CERBINO, Beatriz; CAMPOS, Igor Nunes. Jaques Corseuil e a construção de um pensamento em dança. Niterói: Universidade Federal Fluminense; Professora Adjunta; Bolsista PIBIC/CNPq; graduação; Professora orientadora Beatriz Cerbino.

RESUMO
Em textos publicados em periódicos cariocas como Ilustração Brasileira, Brasil Musical, Rio, Cinearte, O Globo e Correio da Manhã, na primeira metade do século XX, o jornalista e crítico de dança Jaques Corseuil (1913-2000) construiu não só um pensamento legitimador da dança como também afirmou a necessidade de elaborar uma identidade nacional por meio do balé. Ao escrever sobre a urgência de criação de um bailado nacional, com temas, música e bailarinos brasileiros, Corseuil apontou como deveria ser o profissional a atuar nesses espetáculos, buscando com isso criar um parâmetro para a dança cênica brasileira da época. Um dos primeiros a escrever exclusivamente sobre dança no Brasil – a prática da época era que críticos de outras áreas, como música, teatro e artes plásticas, escrevessem sobre o tema – Corseuil apresentou ao longo de duas décadas, 1940 e 1950, uma intensa produção e um olhar perspicaz acerca da dança e de seus processos de organização. Na pesquisa desenvolvida sobre Corseuil, seus textos foram divididos em três tipos: matérias, críticas e perfis de bailarinos. Essa tipologia permite entender como o crítico construiu sua carreira e as diferentes frentes de diálogo que estabeleceu com seu público leitor. Essa comunicação objetiva, a partir de referenciais teóricos da história cultural e da filosofia, apresentar uma reflexão acerca da produção crítica de Corseuil e como sua percepção pessoal acerca da dança cênica, em especial o balé, contribuiu para a discussão do que então se chamava bailado nacional.
PALAVRAS-CHAVE: Jaques Corseuil. Crítica de dança. Bailado nacional.

ABSTRACT
In texts published in periodics such as Illustração Brazileira, Rio, Brasil Musical, Cinearte, O Globo e Correio da Manhã, on the first half of the twentieth century, journalist and dance critic Jaques Corseuil (1913-2000) not only built a legitimizing thought of dance as also stated the need to develop a national identity through the ballet. When writing about the urgency of creating a national ballet, with themes, music and Brazilian dancers, Corseuil pointed that professionals should act in these performances, thereby seeking to create a parameter for the Brazilian stage dance. One of the first to write exclusively about dance in Brazil – the practice of that time was that critics of other areas such as music, theater and art, wrote about the subject – Corseuil presented throughout two decades, 1940 and 1950, an intense production and a keen eye about dance and its organizational processes. In a current research conducted about Corseuil, his texts were divided into three types: texts, reviews and profiles of dancers. This typology helps to understand how the critic has built his career and the different aspects of the dialogue he established with his readers. This communication aims, through the theoretical framework of cultural history and philosophy, to present a critical reflection on the production of Corseuil and how his personal perception about the dance stage, especially ballet, contributed to the discussion of what was then called national ballet.
KEY-WORDS: Jaques Corseuil. Dance review. National ballet.

 

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CONRADO, Margarete de Souza. MOVIMENTO NAÇÃO: encontros de vida em circularidades e espiralidades. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Programa de Pós-Graduação em Educação – FACED/UFBA; Professora efetiva da Universidade do Estado da Bahia, Mestre em Dança e Doutoranda em Educação – UFBA; Profº. Drº. Álamo Pimentel (orientador), Professor Adjunto da Universidade Federal da Bahia; Profª. Drª. Inaicyra Falcão dos Santos (co-orientadora), Professora e Livre Docente pela Universidade de Campinas – UNICAMP.
 

RESUMO
Esta comunicação vai tratar o corpo como objeto de arte que se materializa na estética dialética e perceptiva dos fluxos de imagens, sons, gestos, cores, intuições e emoções, captadas e configuradas no batuque e na dança do Maracatu Nação de Baque Virado em Pernambuco-Brasil. Uma manifestação cultural que representa simbolicamente a Coroação de Reis do Congo. A questão está em propor um olhar diferenciado da dança do Maracatu considerando a complexidade de sua configuração. O estudo busca compreender o sentido dos giros realizados pela dama do paço e baianas no momento da virada do baque no Maracatu Nação. O pressuposto considera a circularidade e a espiralidade como sentidos fundantes das danças de matrizes africanas (ASANTE, 1996) que materializam no corpo do brincante narrativas de ancestralidade africana considerando-as como arte política e educação pluricultural para a cidadania, interligando sistemas e subsistemas, indicando pistas de ancestralidade como “Movimento Nação”. Movimento que surge com foco na figura da Dama do Paço e da Calunga, elementos simbólicos carregados da força e da dinâmica que se amplia e se expande para outras dimensões. O Movimento Nação será abordado a partir da análise da técnica corporal dos giros na virada do baque, circunscrito por: situações da vida em comum, filosofia da ancestralidade, princípios educativos de ética e ações pedagógicas de encantamento, além das características das danças africanas sistematizadas por Asante (2002). Os aspectos metodológicos apontam para uma pesquisa de inspiração etnográfica que analisa e descreve cenas a partir da interpretação do discurso (narrativa dos brincantes do Maracatu Leão Coroado), da observação do corpo que dança (dança / batuque), das relações espaço-temporais com a paisagem urbana e das relações espaço-temporais com a memória. Para tanto, faz-se necessário compreender o que é o Baque Virado e como se constitui o momento da Virada do Baque no Maracatu Nação. O estudo se justifica pela relevância em construir um referencial teórico afro-brasileiro, extraindo do campo empírico as bases epistemológicas para reflexão e compreensão do corpo afro-descendente como um sistema que opera conhecimentos e revigora, no cortejo, a luta de significados.
Palavras-chave: Corpo. Dança. Ancestralidade. Circularidade. Espiralidade
 

ABSTRACT
This communication is going to treat the body as an art object that is materialized in the perceptual and dialectic aesthetic flows of images, sounds, gestures, colors, intuitions and emotions, captured and set in the drumming and dancing of the Maracatu Nação de Baque Virado in Pernambuco-Brazil. A cultural manifestation which symbolically represents the Coronation of the Kings of Congo. The issue is to propose a different view of the Maracatu dance considering the complexity of its configuration. The study seeks to understand the meaning of the turns made by the damas do paço and baianas at the moment of the thud turn in the Maracatu Nação. The pressuposition considers the spiral and circularity as foundational senses for the dances of African matrices (ASANTE, 1996) that is materialized in the body of the dancer narratives of African ancestry regarding them as political art and multicultural education for citizenship, linking systems and subsystems, indicating clues of ancestry as “Nation Movement.” Movement that appears as a focus on the figure of the Dama do Paço and Calunga, symbolic elements of strength and dynamics that extends and expands into other dimensions. The Nation Movement will be approached through the analysis of the body technique of the turns at the thud turn, circumscribed by: situations of common life, philosophy of ancestry, educational principles of ethics and pedagogical actions of enchantment, and the characteristics of African dance systematized by Asante (2002). The methodological aspects point to a study of ethnographic inspiration that analyzes and describes scenes from the interpretation of the discourse (narrative of the Maracatu Leão Coroado dancers), observation of the body that dances (dance / drumming), the space-time relations with the urban landscape and the space-time relations with the memory. Therefore, it is necessary to understand what Baque Virado is and how it constitutes the moment of Virada de Baque in the Maracatu Nação. The study is justified by the importance of building an afro-brazilian theoretical reference, taking from the empirical field epistemological basis for reflection and understanding of African descent body as a system that operates knowledge and invigorates, in the cortege, the fight of significations.
Key-words: Body. Dance. Ancestry, Circularity.Spiral

 

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COSTA, Elisa Massariolli & Rodrigues, Graziela Estela Fonseca. Diálogos acerca do Retorno ao Campo. Campinas – SP: Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes; Mestrado em Artes; FAPESP; orientação da Prof(a) Dra. Graziela Rodrigues.
 

RESUMO
Esta pesquisa propôs uma experiência de Retorno ao Campo, dentro do Método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI), na qual a intérprete Elisa Costa, sob orientação e direção da professora Dra. Graziela Rodrigues, realizou uma turnê do espetáculo “Nascedouro” em três aldeias Xavante (etnia a partir da qual o “Nascedouro” foi criado), localizadas na Terra Indígena de Pimentel Barbosa (MT). A experiência foi singular e gerou diversas reverberações no corpo da intérprete, promovendo o desenvolvimento da personagem, sendo esta o cerne do espetáculo. Isto foi possível devido às especificidades do Método BPI neste Retorno ao Campo, cuja proposta incluiu a abertura a uma co-autoria com os Xavante. Este artigo trata, então, de esclarecer as especificidades do BPI, colocando-o em diálogo e comparação com outros autores e linhas (especialmente da antropologia e da etnocenologia), para que se comece uma reflexão mais profunda acerca de temas envolvidos nesta pesquisa, e que fazem parte também de outras disciplinas das artes e das ciências humanas. Dentre esses temas, destacamos: o etnocentrismo, a alteridade e a experiência da arte (e do artista) como algo singular na produção do conhecimento acadêmico.
Palavras-Chave: Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI). Retorno ao Campo. Diálogos. Etnocenologia. Antropologia.

ABSTRACT
In this research, performer Elisa Costa experiences a Return to Field within the Dancer-Researcher-Performer (DRP) method, under the supervision and direction of Prof. Graziela Rodrigues. After creating a show, Nascedouro (Fountain), based on an experience in a Xavante indigenous group, Costa toured it in three other Xavante villages in Pimentel Barbosa Indigenous Land, in the State of Mato Grosso, Brazil. The unique experience produced reverberations in the body of the interpreter, inducing the further development of the character around which the show is structured. Such impact was possible due to the characteristics of the DRP method and puts the later in dialogue with other lines of thought and practice, particularly Anthropology and Ethnoscenology. The proposed dialogue also involves other disciplines in Arts, Humanities, and Social Sciences, and concerns themes such as: ethnocentrism, alterity and the particularity of the experience of art (and of the artist) in the production of academic knowledge.
Key words: Dancer-Researcher-Performer (DRP). Return to Field.Dialogues.Ethnoscenology.Anthropology.

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COSTAS, Ana Maria Rodriguez. A dança como acontecimento. São Paulo: Universidade Anhembi Morumbi; professora doutora; artista da dança.
 

RESUMO
Oriundo de uma pesquisa de doutoramento (2010) sobre as empatias e os contágios entre conceitos e procedimentos da dança contemporânea, das abordagens somáticas e da artista Lygia Clark o artigo está destinado a examinar a emergência de uma noção – a dança como acontecimento – aglutinadora de pressupostos de algumas formas de dançar e pensar a dança no século XX que persistem norteando a formação de intérpretes-criadores. O fenômeno constituiu-se no bojo das ações artístico-pedagógicas do projeto “Por que Lygia Clark?” abrigado numa disciplina em um curso de graduação na área, entre 2007 e 2010, onde, através da exploração de objetos relacionais, os sujeitos-participantes foram convidados a investigações corporais junto aos sentidos, às sensações, à remodelagem da percepção e à mobilização do imaginário. Num franco diálogo com a noção de acontecimento que subjaz a poética clarkiana, um ideário atravessa e configura a natureza dessas experiências. Enveredando pelo pensamento labaniano e por contribuições do analista de movimento Hubert Godard (2002), a improvisação é considerada como criação no ato dançante que desafia o dançarino a coadunar esquecimento e rememoração para, paradoxalmente, se tornar presente, interferindo na historicidade do próprio corpo. Continuando, a dança é abordada como ato relacional onde os dançarinos podem redescobrir-se e reinventar-se na comunhão dos seus corpos, dialogando através do tato, ou, partilhando a gestão gravitacional nas danças de contato propostas por Steve Paxton. Aponta-se a possibilidade de o corpo ser – também – coletivo (LOUPPE, 2006), de o dançarino conceber a criação de uma dança como ação coletiva. Por fim, o corpo em ato dançante é presumido como um manifesto, um manifesto de sua percepção, uma manifestação. Se toda a dança é propícia ao fenômeno de contágio cinestésico entre dançarinos e seu público, algumas formas de dançar apostam nessa direção, expondo à própria cena o refinamento e a plasticidade perceptiva dos dançarinos, convocando o espectador a sentir o próprio corpo (SUQUET, 2008), sublinhando a dança como acontecimento. Nesse percurso revelam-se aspectos estéticos, éticos e políticos da dança, indicativos de transformações históricas sobre a noção de corpo, de movimento, de dançarino, de artista.
Palavras-chave: Lygia Clark. Percepção. Criação. Corpo Coletivo. Acontecimento.
 

ABSTRACT
Coming from a doctor’s degree research (2010) on empathy and contagion among the concepts and procedures of contemporary dance, somatic approaches and the artist Lygia Clark, the present article is to examine the emergence of a notion – the dance as an event – a gathering of presuppositions from some forms of dancing and ways of thinking about the dance in the Twentieth century that are still guiding the training of performers-creators. The phenomenon was in the midst of some artistic and educational activities of the project “Why Lygia Clark?”. The locus of this investigation was a class offered in an undergraduate course of Dance in São Paulo city between the years of 2007 and 2010, where through the exploitation of relational objects, subjects-participants were invited to body investigation through the senses, sensations, renewal of the perception, and imaginary awakening. In a clear dialogue with the notion of event that underlies the Clark’s poetic an ideology which crosses and configures the nature of these experiences. Going through the labanian thought and through the contributions from the movement analyst Hubert Godard (2002), improvisation is seen as a creation in the dancing act that challenges the dancer to put together remembrance and forgetfulness for, paradoxically, become present, interfering in the historicity of one’s own body. Moving on, the dance is considered as a relational act where the dancers can rediscover and reinvent themselves in the communion of their bodies, dialoguing through touch, or by sharing the management of gravitational contact dances, as proposed by Steve Paxton. The possibility of a collective body is also shown, (LOUPPE, 2006), the dancer is able to conceive the creation of a dance, as a collective act. Finally, the body in a dancing state is presumed as a manifesto, a manifestation of its perception, as a manifestation itself. If the dance is prone to the phenomenom of kinesthesic contagious among dancers and audience, some forms of dancing go towards this direction, exposing the scene to the refinement and to the perceptual plasticity of the dancer, invoking the audience to feel their own bodies (SUQUET, 2008), pointing out the dance as an event itself. This path turns out to be an esthetic, ethical and political aspects of dance, indicators of the historical transformations on the notion of body, movement, dancer, and artist.
Keywords: Lygia Clark. Perception.Creation.Collective Body. Event.

 

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CURVELO, Marília Nascimento. (Re)significando o espaço escolar com a dança: um olhar sobre a experiência do Colégio Estadual Thales de Azevedo. Salvador: Universidade Federal da Bahia; mestranda; Professora Orientadora: Lúcia Helena Alfredi de Matos. Licenciada em Dança.

RESUMO
Este texto propõe uma reflexão sobre a dança que acontece no Colégio Estadual Thales de Azevedo nas Oficinas propostas pela escola em turno oposto de aula. O projeto “Educando o olhar para a dança”, aconteceu na referida escola entre abril e maio de 2011 e teve como principal objetivo proporcionar experiências corporais em dança a partir do (re)conhecimento da singularidade-diversidade dos corpos no contexto da sala de aula de dança. Foram utilizadas com os estudantes diversas propostas corporais com ênfase em Processos Criativos e reflexão sistemática sobre a prática vivenciada. Utilizou-se o método (auto) biográfico na perspectiva ensino-aprendizagem. Percebe-se que, quando a prática docente em dança promove a discussão sobre o corpo na contemporaneidade, além de experiências corporais, estéticas e artísticas significativas, os estudantes tendem a demonstrar interesse pelos processos criativos vivenciados e as demais metodologias aplicadas. A socialização dessa experiência de ensino da dança pode contribuir para os profissionais da dança, em geral, no sentido de favorecer a reflexão sobre a prática docente, como também para servir de parâmetro para a valorização da dança no espaço escolar e seu definitivo reconhecimento como campo/área de conhecimento.
Palavras-Chaves: Ensino da Dança. Arte Educação. Escola Pública. Colégio Estadual Thales de Azevedo.

ABSTRACT
This paper proposes a reflection about the dance that happens in College Estadual Thales de Azevedo in the workshops proposed by the school in turn opposite lesson. The project “Raising our gaze to the dance” took place in this school between April and May 2011 and its main intended to provide bodily experiences in dance from (re) understanding of the uniqueness, diversity of bodies in the context of classroom dance. Were used with different students proposed body with emphasis on Creative Processes and reflection systematically on the practice.Utilized the method (self) biographical perspective on teaching and learning. It is observed that when teaching in dance promotes discussion about the body in contemporary addition of body experiences, a esthetic and significant artistic, students tend to show interest experienced by the creative processes and other methodologies applied. The socialization of educational experience in dance can contribute to the professional dancers, in general, to encourage reflection on teaching practice, but also to serve parameter for the development of dance in the school and its definitive recognition as a field / area of expertise.
Key Words: Teaching Dance. Art Education. Public School. Colégio Estadual Thales de Azevedo.

 

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DALTRO, Emyle Pompeu de Barros; MATSUMOTO, Roberta Kumasaka. Questões metodológicas em uma pesquisa sobre instalação coreográfica e living installation. Brasília (DF): Programa de Pós-Graduação em Arte – Universidade de Brasília (UnB); Doutoranda; orientadora: Roberta Kumasaka Matsumoto; Bolsa REUNI; artista da dança e professora. Brasília (DF):Departamento de Artes Cênicas e Programa de Pós-Graduação em Arte – UnB; Professora adjunta.

RESUMO
Por meio da realização de uma revisão de literatura em metodologia, este artigo apresenta e discute a abordagem qualitativa, bem como um paradigma, conceitos, teorias, metodologias e métodos a serem utilizados em uma pesquisa acadêmica sobre processos de criação de alguns trabalhos artísticos permeados por referências e procedimentos de diversos territórios — dança, performance art e artes visuais — e que têm sido nomeados de “instalação coreográfica” e “living installation”. Sempre com o foco nas questões que suscitaram a pesquisa — o problema da pesquisa —, o texto propõe escolhas metodológicas que se pretendem coerentes no que tange a conduzir o estudo em direção a achados que possibilitem o aprofundamento de reflexões sobre os procedimentos utilizados na criação desses trabalhos artísticos híbridos, suas bordas porosas, seus espaços e tempos outros, onde novas criações artísticas colaborativas parecem poder permanecer — mesmo que temporariamente — e sobre sua potência de engendrar acontecimentos — que instauram o improvável, imprevisível, inesperado; abertos a devires.
Palavras-chave: Metodologia. Processos de criação. Instalação Coreográfica. Living installation.

ABSTRACT
Through the achievement of a methodology literature review, this article presents and discusses the qualitative approach, a paradigm, concepts, theories, methodologies and methods to be used in a academy research about creative processes of some art works permeated by references and procedures of different territories — dance, performance art and visual arts — and that have being named “choreographic installation” and “living installation”. Always with the focus in the questions that provoked the research, the text proposes methodologies choices that can conduct the study in a consistent way to possibility the deepening of reflections about procedures used in the creation of these hybrid art works, their porous borders, their another spaces and times, where new collaborative artistic creations seem to stay – even if temporary — and about their power to engender events — that introducing the unlikely, unpredictable, unexpected; opened to becomings.
Keywords: Methodology. Creative processes. Choreographic Installation. Living installation.

 

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DANTAS, Mônica Fagundes. Memórias da dança contemporânea em Porto Alegre: recriação do repertório coreográfico de Eva Schul. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; professor adjunto; artista de dança.

RESUMO
O Projeto Dar carne à memória vem se realizando na interseção entre a prática artística e a pesquisa acadêmica e tem por objetivo a recriação de parte do patrimônio coreográfico da dança contemporânea em Porto Alegre, através da remontagem de obras coreográficas de Eva Schul, que são representativas de momentos-chave de sua carreira e, em consequência, do desenvolvimento da dança contemporânea no Rio Grande do Sul e no Brasil. A fim de referenciar a investigação acadêmica na área da dança em práticas artísticas consistentes, o projeto tem também como propósitos refletir sobre os processos de recriação de obras coreográficas em contextos diversos, além de elaborar e tornar disponível material sobre a reconstituição das obras de Eva Schul, em diferentes suportes midiáticos. Do ponto de vista metodológico, propõe-se uma pesquisa de viés qualitativo, utilizando observação participante, entrevista semi-estruturada e procedimentos de análise de documentos. A análise e interpretação do material coletado está sendo realizada através da elaboração de unidades de significado e de categorias que emergirão à medida em que se progride nos procedimentos de análise da informação. Acredita-se na necessidade de revisitar e de reler as produções coreográficas de décadas anteriores como forma de alimentar a criação coreográfica atual e de revigorar os entendimentos sobre a cena contemporânea. Do mesmo modo, acredita-se que a produção do conhecimento em dança se torna mais significativa quando se conjuga a pesquisa acadêmica à prática artística.
Palavras-chave: Memória da dança contemporânea. Recriação coreográfica. Eva Schul

RESUME
Le projet Donner de la chair à la mémoire se réalise à l’intersection entre la pratique artistique et la recherche scientifique. Ce projet a pour but de récréer une partie du patrimoine chorégraphique de la danse contemporaine à Porto Alegre, et ce à travers la reconstitution d’œuvres de la chorégraphe Eva Schul. Ces œuvres représentent des moments clefs de sa trajectoire et, en conséquence, du développement de la danse contemporaine au Rio Grande do Sul et au Brésil. Le projet a aussi par objectif de réfléchir sur les processus de récréation d’œuvres chorégraphiques dans différents contextes, ainsi que d’élaborer des matériaux sur la récréation des œuvres d’Eva Schul dans différents supports médiatiques. Du point de vue de la méthodologie, on propose une recherche qualitative, utilisant l’observation participante, l’entrevue et l’analyse des documents comme instruments de cueillette de données. L’analyse et l’interprétation des données sont en train d’être réalisées à travers l’identification d’unités d’analyse et leur rassemblement dans des catégories d’analyse. On croit que le fait de revisiter et de relire les productions chorégraphiques des trente dernières années est une manière de nourrir la création chorégraphique contemporaine et de revigorer la compréhension de la scène contemporaine. On croit, également, que la production des savoirs en danse devient plus significative quand on allie la recherche scientifique à la pratique artistique.
Mots clefs : Mémoire de la danse contemporaine. Récréation chorégraphique. Eva Schul.

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DIAS, Alexandra Gonçalves. A experiência com elementos performativos no treinamento do bailarino. Pelotas: Universidade Federal de Pelotas; Professor Assistente. Bailarina e performer.

RESUMO
O presente estudo propõe o emprego de elementos performativos no trabalho de criação em dança. Desta forma, quer discutir como algumas proposições desenvolvidas pela arte de performance podem ser abordadas no processo de treinamento do bailarino-criador. Entende o treinamento como processo para a escuta aguda e íntima de si mesmo onde existe um transbordamento, ou seja, vai além de uma obra específica, se expande para fora da sala e do tempo do ensaio. Esta imersão no processo de si se relaciona com a opção por uma técnica, uma visão de corpo que encontra seu espaço na profunda relação do performer com seu movimento que, através da experimentação, busca novas possibilidades, explora riscos, limites, coloridos e se percebe em relação. Assim, a pesquisa propõe, para o trabalho em dança, possibilidades de exercícios-experiências que buscam inspiração em elementos performativos tais como: a questão autobiográfica, a autoria, o corpo em risco, a ausência de ilusão na cena, a relação de proximidade com o público, a explosão do espaço e o uso da tecnologia.
Palavras-chave: Dança. Performance. Treinamento. Processo de criação. DIAS, Alexandra Gonçalves. The experience with performative elements on the dancer’s training. Pelotas: Universidade Federal de Pelotas; Professor Assistente. Bailarina e performer.

ABSTRACT
The present study proposes the use of performative elements in creative work in dance. Thus, it wants to discuss how proposals developed by the art of performance can be addressed in the training process of the dancer-creator. It sees the training as a process for an acute and intimate listening of oneself where there is an overflow; it goes beyond a specific piece of art expanding out rehearsal room and time. This immersion in the process of oneself relates to a choice of a technique and a vision of the body that finds its place in the performer’s deep relationship with his/her own movement. Through experimentation the performer seeks new possibilities and wants to explore risks, limits, colors, and realizes his/herself always in relation. The research proposes to the dance work possibilities of exercises-experiences that are built around performative elements such as: the autobiographical matter, authorship, the body at risk, the absence of illusion in the scene, the close relationship with the public, the explosion of space and the use of technology.
Key words: Dance. Performance.Training.Creation process.

 

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DINIZ, Isabel Cristina Vieira Coimbra. Le Sacre du Printemps – Do palco à tela do computador: a semiótica como via de acesso. Belo Horizonte: EEFFTO/UFMG; professora; Pós-Lin/FALE/UFMG; Doutoranda–Linha Linguagem e Tecnologia; orientadora Ana Cristina Fricke Matte; dançarina e coreógrafa.
 

RESUMO
Este trabalho trilha pelo entroncamento por onde passam a dança como linguagem, as relações espaço-palco, espaço-virtual, a linguística e a semiótica. Trata-se da relação-passagem entre a dança realizada no palco e a dança na tela do computador. Um dos objetivos é compreender traços da dramaturgia da dança na tela do computador tendo a Semiótica Francesa Tensiva como via de acesso. O corpus deste trabalho é demarcado por trechos do espetáculo “Le Sacre du Printemps ” de Pina Bausch publicado no YouYube. Os resultados parciais da análise do discurso visual apontam para capacidades de abstração e de leitura em que a dança na tela de computador toma significações, permitindo, a percepção e interpretação dos estados de alma que perpassam entre os estados de vida, de morte, de não-vida e de não-morte. A vida no texto é parte de um “todo” ritualístico.
Palavras- chave: Dança. Linguagem. Semiótica. Tecnologia
 

ABSTRACT
This work moves through the intersection through which the dance, language, relationship the stage, cyberspace, linguistics and semiotic. It is the relationship between dance on stage and dance on the computer screen. One goal is to understand features of the dance-dramaturgy on the computer screen with the French Tensive Semiotics as an access. The corpus of this work is marked by stretches of the show “Le Sacre du Printemps” by Pina Bausch published in YouYube. Partial results of discourse analysis capabilities for visual point of abstraction and reading into it the dance takes on the computer screen meanings, the perception and interpretation of the states of the soul that pass between the states of life, death, not-life and not-death. Life in the text is part of a “whole” ritual.
Keywords: Dance. Language.Semiotics. Technology

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DOMENICI, Eloísa. O corpo no samba chula do litoral norte da Bahia e suas possíveis contribuições para o artista cênico. Doutora em Comunicação e Semiótica (PUC-SP), docente e pesquisadora do Bacharelado Interdisciplinar em Artes da UFBA e do Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas da UFBA.
 

RESUMO
A utilização de materiais e saberes das culturas tradicionais para alimentar o trabalho corporal no teatro e na dança vem sendo discutida com maior ênfase após as proposições da Antropologia Teatral (Barba & Savarese, 1995) e da Etnocenologia (Pradier, 1995). Este texto comunica os principais observações do projeto de pesquisa que investigou o Samba chula na região do litoral norte da Bahia com foco no estudo do corpo dos sambadores e sambadeiras do local, destacando os princípios corporais e processos de mestiçagem observados. Ao final, apresenta um resultado da utilização desses princípios para a criação cênica.
Palavras-chave: Samba chula; Antropologia Teatral; Mestiçagem
 

ABSTRACT
The use of techniques of traditional dances to feed the body work in theater and dance has been discussed with greater emphasis after the propositions of Theatre Anthropology (Barba & Savarese, 1995) and Ethnoscenology (Pradier 1995). This paper reports the main findings of the research project that investigated the Samba chula in the region northest of Bahia with focus on the study of the body, highlighting the processes of mestizage and presents a result of using the principles observed for creating new dances.
Key words: Samba chula; Theatre Anthropology; Métissage

 

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FRANKEN, Josiane G. A improvisação na construção do corpo letivo. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas; Capes; Bolsista de Mestrado; Profª Orientadora Vera Lúcia Bertoni dos Santos; Professora de dança, coreógrafa e bailarina.
 

RESUMO
O presente trabalho sugere a investigação da improvisação em dança como parte integrante das aulas de dança na escola. O estudo propõe a reflexão sobre aspectos inerentes à inserção da dança na escola e a análise da improvisação não apenas como técnica de construção coreográfica ou como ferramenta importante no processo de ensino-aprendizagem, mas relacionada ao conceito de dança na contemporaneidade. Na intenção de tratar da produção de conhecimento e do processo de ensino-aprendizagem das artes cênicas na escola, a pesquisa acontecerá no campo teórico e prático. Os primeiros experimentos e reflexões realizam-se entre os meses de maio a dezembro de 2011, numa oficina de dança desenvolvida no Instituto de Educação General Flores da Cunha, escola da Rede Estadual de Ensino situada na cidade de Porto Alegre (RS), oferecida a estudantes de 5ª a 8ª séries do Ensino Fundamental, atendidos no turno inverso ao das aulas regulares. Além disso, pretende-se organizar um material de registro das atividades paralelamente ao andamento das aulas, que será incorporado ao corpo teórico do trabalho, com o intuito de ampliar as pesquisas relacionadas à metodologia do ensino da dança. No referencial teórico serão utilizados autores como Márcia Strazzacappa, Isabel Marques, Viola Spolin, Paulo Freire, Cecília Salles, Flávio Desgranges, Eliana Rodrigues Silva, dentre outros.
Palavras-chave: Dança. Educação. Improvisação.

ABSTRACT
This paper suggests the investigation of dancing improvisation as part of the dance classes at school. The study proposes a reflection on aspects concerning the insertion of the dance at school and the analysis of improvisation not only as a construction technique or choreography as an important tool in the teaching-learning process, but related to the concept of dance in contemporary society. The research will take place in the theoretical and practical on the intention of dealing about the production of knowledge and the process of teaching and learning in the performing arts school. The first experiments and discussions are held between the months from May to December 2011, a dance workshop developed at the Educational Institute of General Flores da Cunha, public school in the city of Porto Alegre (RS), and offered to students from 5th to 8th grades of the elementary school, served in the opposite shift to regular classes. Hence, we intend to organize a material record of ongoing activities in addition to classes which will be incorporated into the theoretical body of work in order to expand the research related to the methodology of teaching dance. In the theoretical framework will be used authors as Marcia Strazzacappa, Isabel Marques, Viola Spolin, Paulo Freire, Cecília Salles, Flávio Desgranges, Eliana Rodrigues Silva among others.
Key-words: Dance. Education.Improvisation.

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GONÇALVES, Thaís. Dança e ensino na contemporaneidade: desafios ao artista-docente. Fortaleza: Bacharelado e Licenciatura em Dança do Instituto de Cultura e Arte da Universidade Federal do Ceará (ICA/UFC); professora assistente.

RESUMO
As relações entre dança e educação, no atual contexto de expansão das graduações em Dança em universidades brasileiras, apontam possibilidades de se intensificar uma vivência artística nas escolas e de potencializar a figura do artista-docente. Até o ano 2000 eram sete as universidades com cursos superiores em Dança. Na última década já são 25. O traço que persiste em boa parte das iniciativas é o da implantação de Licenciaturas em instituições públicas. Que diretriz o Ministério da Educação parece perseguir? Dança e universidade: que relações artísticas e pedagógicas são evidenciadas? Quem dança sabe ensinar? Quem ensina, dança? Com que noções de dança e de educação os licenciados em Dança vão para a sala de aula? Como dançam com seus alunos? Diferente da Lei de Diretrizes e Bases (LDB) de 1971, que apostava no profissional polivalente para o ensino de Educação Artística, o licenciado em Dança, regido pela LDB de 1996, é um profissional especialista. Uma mudança que provoca um redimensionamento de conteúdos e metodologias, seja no ensino formal (nas escolas) ou ainda informal (em projetos como Segundo Tempo, ONGs, projetos sociais). Para pensar dança e educação sob uma perspectiva histórica e em consonância com desafios da contemporaneidade, essa articulação de pensamento se faz com o educador gaúcho Tomaz Tadeu Silva e a artista e educadora Isabel Marques. O objetivo é apontar modificações relativas aos modos de ensinar, para analisar que dança é possível afirmar em situações pedagógicas. São abordagens que vão da educação tradicional, conteudista, em dança, passando pela educação através da dança, com foco nos processos, até o ensino com a dança, no qual os saberes técnicos são embaralhados e reordenados para darem passagem a novos saberes, potencializando a criação. Para os pensadores franceses Gilles Deleuze e Félix Guattari, a arte, em sua potência de criação, é um dos modos de produção de subjetividade que apontam processos de singularização, fazendo frente aos processos de modelização de comportamentos. A arte atua, para eles, mudando a ordem de um pensamento, possibilitando um reposicionar-se no mundo a partir de relações que se dão cotidianamente a ampliar os sentidos que se dá à vida. Um modo de pensar próximo ao de Isabel Marques quando ela propõe a figura do artista-docente como um professor que, a partir de uma vivência como artista que pesquisa e investiga, partilha seus saberes com os alunos e utiliza o ambiente escolar como espaço cênico, no qual docentes e discentes dançam, coreografam, inventam procedimentos, não havendo fronteiras entre artista e docente, sala de aula e cena, professor e aluno, entre procedimentos artísticos e pedagógicos.
Palavras-chave: dança. ensino. artista-docente.
 

ABSTRACT
The relationship between dance and education, at the present context of expansion of graduation in Dance at the brazilian universities, indicates possibilities of intensifying an artistic experience at the schools and fortifies the figure of the artist-teacher. Up to the year 2000 there were only seven superior level courses in Dance. For the last decade it has been raised up to twenty-five. The persisting trace in a good range of initiatives is the implantation of Licentiates in public institutions. Which direction does the Culture Ministry seem to choose? Dance and university: which artistic and pedagogical relationships are evident? Does who dance know how to teach? Does who teach, dance? With which notions of dance and education the graduates in Dance get into the classroom? How do they dance with their students? Different of the Ruling Law and Bases (LDB) of 1971, that betted in the polyvalent professional for the teaching of Artistic Education, the licensee in Dance, ruled by LDB of 1996, is a specialist professional. A change that provokes redistribution of content and methodologies, be it in the formal teaching (in schools) or yet in informal (in projects as a Second Time, NGOs, social projects). To think dance and education under a historic perspective and in consonance with the challenges of the contemporaneity, that articulation of thought is made with the educator from the State of Rio Grande do Sul, Tomaz Tadeu da Silva, and the artist and educator Isabel Marques. The objective is to point modifications regarding the ways of teaching, to analyze that dance is possible to affirm in pedagogical situations. They are approaches starting at the traditional education, plenty of contents, in dance, passing by the education through dance, focusing the processes, up to the teaching with dance, where the technical knowledges shuffled and reordained so as to give way to new knowledges, potentiating the creation. For the French thinkers Gilles Deleuze and Félix Guattari, art in its creation potency, is one of the ways of subjectivity which points out processes of singularization, facing the processes of modeling the behaviors. The art acts, for them, changing the order of a thought, facilitating a replacement in the world starting from a relationship which happens daily to amplify the meanings given life. A way of thinking close to Isabel Marques when she proposes the figure of the artist-teacher as a professor that, from an experience as an artist that researches and investigates, shares his knowledge with the students and uses the school environment as a scenic space, where teachers and students dance, choreography, make up procedures, without border between artist and academic, classroom and scene, teacher and taught, between artistic and pedagogical procedures.
Keywords: dance. teaching. artist-teacher.

 

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GREBLER, Maria Albertina Silva. A Dança Moderna e Movimento Expressionista Alemão Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas – Escola de Teatro da UFBA Professora Associada, Doutora em Artes Cênicas – UFBA
 

RESUMO
O Expressionismo na pintura se definiu como uma arte anti-burguesa, popular, mística, na qual o psiquismo dá lugar ao racionalismo. É nessa linha discursiva que esta corrente contaminará as vanguardas artísticas na Alemanha, disseminando-se através de suas associações, manifestos, exposições e publicações de grupos como o Die Brücke (1905), Der Sturm (1910), Blaue Reuter (1911), que divulgaram amplamente suas idéias nos anos que precederam a Grande Guerra. O movimento inaugura a idéia da necessidade interior ou ressonância, confina a existência do sujeito ao campo subjetivo e relaciona a criação diretamente ao fazer surgir uma presença do inconsciente onde o imaginário se encontra selado. A nova arte da Dança Moderna alemã também tomaria alguns de seus preceitos e em breve começaria a ser atrelada ao movimento, chegando mesmo a transferir parte destas influências sobre a Dança Moderna mundial.
Palavras-chave: Dança, História e Arte.
 

ABSTRACT
Expressionism in painting itself as an anti-bourgeois art, popular, mystical, in which the psyche gives way to rationalism. With this indiscourse that contaminate the current avant-garde art in Germany, spreading through their associations, manifestos, exhibitions and publications of groups such as Die Brücke (1905), Der Sturm(1910), Blaue Reuter (1911), which widely disseminated their ideas in the years preceding the Great War. The move opens the idea of resonance or inner necessity, confined to subject the existence of subjective field and relates directly to the creation give rise to onewhere the presence of the unconscious imagination is sealed. The new art of German modern dance would also take some of its precepts and would soon be linked to the movement, and even transfer some of these influences on the modern dance world.
Key words: Dance, History and Art.

 

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GUARATO, Rafael. “Entrando na contemporaneidade”: a Cia. de Dança Balé de Rua entre festivais, crítica e criação cênica. Guarapuava: UNICENTRO; Professor Colaborador.
 

RESUMO
O escopo do trabalho aqui proposto atua no esforço de compreender as complexas relações inerentes à prática da dança enquanto revestida do estatuto de arte. Partindo da análise de um grupo de dança popular oriundo do meio urbano, a pesquisa rompe a noção de artista como portador de uma individualidade peculiar e inigualável, bem como vai além da simplificação do processo histórico por meio da temporalidade e processos puramente biológicos. Com esse manancial, a publicização de investigações ora pleiteada, pretende lançar novas possibilidades de pesquisa em história da dança, buscando compreender as diferentes instâncias e significações que atuam no campo artístico da dança no Brasil.
PALAVRAS-CHAVE: Dança; crítica; criação cênica
 

ABSTRACT
Abstract: The scope of the work here proposed acts in an effort to understand complex relations in the practice of dance while art statute. Based on the analyst of a popular dance group from the urban areas, this research breaks down the notion of artist as the unique and peculiar carrier, as well as it goes beyond the historical process simplification through temporality and pure biological processes. With this source, publicizing investigations intend to launch new possible researches in dance history, and try to understand the different instances and significations that act in the dance art in Brazil.
Keywords: Dance, criticism, scenic creation.

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HAAS, Aline Nogueira; BEVILACQUA, Martina; GONÇALVES, Ângela Cristina Bugs; KETZER, Gabriel de Negreiros. FORMAÇÃO E CAPACITAÇÃO DOS PROFESSORES DE ARTES DAS ESCOLAS MUNICIPAIS DE ENSINO FUNDAMENTAL DE PORTO ALEGRE, RS, E SUA RELAÇÃO COM O ENSINO DA DANÇA. FORMATION AND TRAINING OF ARTS TEACHERS’ AT MUNICIPAL ELEMENTARY SCHOOL IN PORTO ALEGRE, RS, AND THEIR RELATION WITH DANCE TEACHING. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; Professor Adjunto e orientadora do trabalho; aluna de graduação e bolsista CNPQ; aluna de graduação e bolsista voluntária; aluno de graduação

RESUMO
Este texto apresenta considerações resultantes de uma investigação de campo, descritiva e de cunho qualitativo que visa identificar a formação e a capacitação dos professores de Artes das Escolas Municipais de Ensino Fundamental de Porto Alegre, RS; e, verificar se tais professores ministram aulas de dança na sua disciplina. De acordo com os Parâmetros Curriculares Nacionais, o conteúdo de dança deve estar incluído na escola nas disciplinas de Educação Física e Artes, sendo tarefa dos professores dessas disciplinas ministrar esse conteúdo. Mas, muitas vezes, não é isso que ocorre, pois falta formação e capacitação desse professor e/ou interesse na área, ficando a dança excluída da escola. Até o momento, foram contatadas 17 Escolas de Ensino Fundamental do Município de Porto Alegre da Zona Norte e Leste da cidade, das quais 11 professores de Artes aceitaram participar da pesquisa. Os resultados parciais obtidos até o momento indicam que somente um professor de Artes trabalha com dança nas suas aulas. Dessa forma, percebe-se que o ensino da dança nas aulas de Artes das Escolas Municipais de Porto Alegre, RS, encontra-se inexplorado, necessitando ser inserido dentro desse contexto, refletindo-se sobre a importância de trabalhar esse tipo de conteúdo com os alunos
Palavras-chave: Dança Educação. Escola. Professor.

ABSTRACT
This paper presents considerations resulting from a field investigation, descriptive and qualitative. The propose of the study is identify the formation and training of Arts Teachers’ at Municipal Elementary School in Porto Alegre, RS, and verify if them teach dance classes. According to the National Curriculum Parameter dance subject must be included at School in the Physical Education and Arts disciplines, being task of these disciplines teachers’ provide this contents. But often, this is not happen, because of Physical Education and Arts Teachers’ lack training and experience and/or interest in the area, being dance excluded at School. So far, 17 Municipal Elementary Schools at North and East Zone in Porto Alegre were contacted, of which 11 Arts teachers agreed to participate on this research. The partial results indicate that 1 Art Teacher work with dance. Thus, realizes that dance teaching in the Arts classes at the Municipal Schools of Porto Alegre, RS, is unexplored and needs to be inserted into this context, reflecting about the importance of working this type of content with students.
Key-words: Dance Education. Elementary School.Teacher.

 

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LACERDA, Cláudio. Trilogia da Arquitetura Desconstrutivista: uma pesquisa artístico-teórico em dança. Recife: Universidade Federal de Pernambuco; professor assistente. Bailarino e coreógrafo.
 

RESUMO
Este trabalho é uma síntese da pesquisa artístico-teórica em dança intitulada Trilogia da Arquitetura Desconstrutivista. Descreve e reflete sobre suas três fases, que envolveram um entrelaçamento entre pesquisa coreográfica (com a participação dos bailarinos Cláudio Lacerda, Juliana Siqueira e Jefferson Figueirêdo), a teoria da desconstrução de Jacques Derrida, arquitetura, arte minimalista e estudos da dança. Para esta pesquisa em particular, a inspiração partiu do contato com obras arquitetônicas da vertente desconstrutivista, cujas palavras-chave são deformação e deslocamento. A proposta consistiu em fazer um cruzamento entre os meios da dança e da arquitetura: tendo o espaço como fator em comum, trazer para a dança a materialidade, a funcionalidade, a estaticidade e a funcionalidade, próprias da arquitetura, e trazer para a arquitetura o corpo, o movimento, a temporalidade, a efemeridade e a estética, próprias da dança. O lugar para este cruzamento de propriedades foi o(s) corpo(s) no espaço. O trabalho estabelece uma continuidade da criação em dança do autor, cuja frente tem sido a pesquisa de movimento, evidenciando uma preocupação em trazer o corpo e o movimento ao seu lugar de importância na dança, com todo o seu potencial de subversão e transgressão e cujo mote principal de pesquisa é o desvio do que é considerado mainstream e a desconstrução em relação a identidade, corpo e movimento.
Palavras-chave: Dança. Coreografia. Processo criativo. Arquitetura.Desconstrução.
 

ABSTRACT
This work is a synthesis of the artistic-theoretical dance research titled Trilogy of Deconstructivistic Architecture. It describes and reflects on its three phases, which envolved an interwoving between choreographic research (with the participation of dancers Cláudio Lacerda, Juliana Siqueira e Jefferson Figueirêdo), the theory of deconstruction by Jacques Derrida, Architecture, Minimal Art and Dance Studies. For this particular research, the inspiration started from the contact with works of architecture from the deconstructivistic strand, whose key words are deformation and displacement. The proposal consisted in making a crossover between the mediums of dance and architecture: having space as a common factor, bring to dance the materiality, the functionality, the staticality and the functionality, proper to architecture, and bring to architecture the body, the movement, the temporality, the ephemerality and the aesthetics, proper to dance. The place for this crossing of proprieties was the body(ies) in space. The work establishes a continuity of the dance making produced by the author, whose work front has been movement research, showing a preoccupation with bringing the body and movement to their place of importance in dance, with all their potential for subversion and transgresssion, and whose principal motto for research is the deviation from what is considered mainstream and the deconstruction in relation to identity, body and movement.
Keywords: Dance. Choreography.Creative process.Architecture. Deconstruction.

 

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LARA Soares, Luciana. Construção de sentidos na dança contemporânea. Brasília: Universidade de Brasília (UnB); Mestranda no Programa de Pós- graduação em Artes – Processos Composicionais para Cena; Marcus Mota; coreógrafa e diretora.
 

RESUMO
O presente trabalho inicia uma investigação sobre a construção de sentidos na criação de uma dramaturgia em dança. A descrição do processo criativo do trabalho coreográfico “Cidade em Plano” da Anti Status Quo Companhia de Dança de Brasília-DF é o ponto de partida para compreendermos os procedimentos criativos artísticos da abordagem do tema (relação do corpo com a cidade de Brasília) que inspiraram as concepções da coreografia. A partir disso, discutimos sobre interdisciplinaridade, analisando como a pesquisa de movimento em um processo colaborativo se dá na conjugação de vários saberes e percepções. A influência das interações mútuas do figurino, do cenário, da iluminação e da trilha sonora na construção de sentidos e também a forma como a composição desses elementos na cena constitui um contexto para o corpo em movimento são analisadas. A investigação abarca ainda implicações das noções de corpo e movimento do intérprete e criador de dança contemporânea na busca do aprimoramento das habilidades expressivas para a criação e apresentação de um específico trabalho coreográfico. Para desenvolvermos estas questões dialogaremos com a perspectiva da Coreologia na coreografia de Valerie Preston-Dunlop (1998), a Antropologia do Corpo de John Blacking (1977), a Noção de Técnicas Corporais de Marcel Mauss (1974) e a Fenomenologia da Percepção de Merleau-Ponty (1999).
Palavras-chaves: Dança contemporânea. Dramaturgia. Coreografia. Processo criativo. Interdisciplinaridade.

ABSTRACT
The present work initiates an investigation about the construction of sense in a dance dramaturgy creation. The description of the creative process of the choreographic work “City in Plan” of Anti Status Quo Dance Company from Brasília-DF is the starting point to understand the creative artistic procedures involved in the approach of the theme (the body’s relationship with the city of Brasília) which inspired the conceptions of the choreography. Interdisciplinary is discussed analyzing how movement research happens in a collaborative process in which there is a conjugation of many branches of learning and perceptions. The influence of mutual interaction between costume, set, light design, soundtrack in the construction of meanings and how the composition with all this elements in a scene create a context for body in movement is analyzed. The investigation also discusses the implications of some notions of body and movement that orientate dancers and creators of contemporary dance in search of a development of expressive skills to create and present a specific dance work. In order to develop all this issues we refer to the Choreological Perspective on Choreography of Valerie Preston-Dunlop (1998), the de John Blacking’s Anthropology of the Body (1977), and Notions of Body’s Technique of Marcel Mauss (1974) and Merleau-Ponty’s Phenomenology of Perception (1999).
Keywords: Contemporary Dance. Dramaturgy.Choreography.Creative Process. Interdisciplinary.

 

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LOBATO, Lúcia Fernandes. A Cultura Lúdica como proposta para a desconstrução do Mito “Homem Sério”. Salvador: PPGAC-UFBA; professora associada.
 

RESUMO
O artigo propõe apontar a Cultura Lúdica como um instrumento de desconstrução do Mito do Homem Sério, paradigma construído na modernidade onde o cientificismo desconsiderou qualquer outra forma de saber, principalmente o saber-fazer aprendido pela oralidade, nos costumes e tarefas comuns da vida. Brincar, jogar e rir foram hábitos condenados e próprios dos desocupados, que vadiavam e não levavam a vida a sério. O argumento defende a importância do jogo, do riso e da festa para o (re)equilíbrio constante da vida em sociedade. Aponta que nossa encruzilhada étnica nos fez herdeiros de uma ancestralidade de comportamento festivo e que a sisudez nos foi imposta por uma colonização predatória. Aponta a Cultura Lúdica como estratégia da arte, em especial da Dança como um caminho para a revelação do nosso corpo-ludo-biográfico que pode emergir das suas dimensões perdidas, reconhecer em si mesmo, as leis que o governam e ser capaz de sua auto-poiéses. Teóricos como Caillois, Duvignaud, Huizinga e Maffesolli deram fundamento a estas proposições.
Palavras-chave: corpo – ludicidade – dança
 

ABSTRACT
This paper aims to present “Playful Culture” as a tool for de-construction of the “Serious Man Myth”, a paradigm constructed during the Modernity when the Scientism did not consider other ways of knowing, including specifically the “know-how” learned by oral traditions, and customs as everyday life tasks. Play, games and laughter were condemned habits that belonged to idle men, who lounging and did not take the life seriously. The subject-matter defends the importance of play, laughter and party to the continual (re)balancing of social life. This research also shows that our ethinic crossroads make us heirs of this festive behavior ancestry and the severity was imposed by a predatory colonization. It also shows the “Playful Culture” as an artistic estrategy, as is the case of Dance, as a pathway for the development of the ludus-biografical-body. This emerges from its lost dimensions, recognizing on itself its own laws and potential for self-poiesis. This research is referenced by authors such as Caillois, Duvignaud, Huizinga and Maffesolli.
Keywords: body – playfulness – dance

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MEIRELES, Tânia Mara Silva. Corporeidade na Dança: rastros e memória. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais; Mestra em Artes; Professora Assistente. Maître de Balé, Coreógrafa, Artista Plástica.

RESUMO
O atual estudo concentra-se na relação entre o corpo artístico do profissional de dança e o repertório por ele dançado. Busca-se identificar uma corporeidade constituída via rastros e memórias incorporados ao longo de seus processos de formação, criação e produção artísticos que lhe configurem uma expressividade sociocultural. O estudo procura investigar como se estabelece a potência criadora armazenada nos corpos dos artistas, apoiada no entendimento do filósofo Bergson (1990), para quem a memória não é simplesmente um regresso ao passado, mas algo que afeta o presente, capaz de projetar uma ação no futuro. Visa-se, a princípio, mapear os grupos profissionais de dança e companhias institucionais estáveis há pelo menos 10 anos de existência na região da Grande BH, ou seja, da cidade de Belo Horizonte e seu entorno com o objetivo de realizar um estudo da corporeidade artística local. Busca-se partir do artista atual, revisitar os elementos constituintes de sua trajetória nocampo da dança — professores, coreógrafos e repertório coreográfico — e traçar um caminho de volta às origens formativas e artísticas de seus respectivos precursores. Pretende-se analisar e identificar a existência de um corpoforma flexível, corpo artístico que desenvolva as ações de apropriação e incorporação dos diversos rastros de suas vivências e experiências corpóreas realizadas ao longo de seu processo de formação, criação e produção artística (MEIRELES, 2010). De acordo com as reflexões de Bergson (1990), a memória não faz parte do passado e sim, se combina com o presente, em um constante processo de passado presente, agindo no corpo pelos elementos sensório-motores da ação atual, resgatando algo já vivido no passado e conduzindo-o a um estado atuante e criador em sua própria existência. Nesse sentido, esse estudo pretende identificar matrizes de formação e criação corporificadas em um tempo suspenso de existência da memória que possibilite a configuração de uma identidade corpórea.
Palavras-chave: Corpo. Memória. Rastro. Repertório.

ABSTRACT
This study focus on the relation between the professional artistic body and its dancing repertory. It consists on an attempt to identify an embodiment established by traces and memory incorporated throughout artistic process of formation, creation and performance which characterizes a socio-cultural expression. According to Bergson (1990) memory is not only a return to past, but it is something that affects the present, indeed it is able to project an action in the future. Following his reflections, memory does not belong to the past, in fact it matches to the present in a continuous past present process that reaches our bodies through sensor motor elements of present action, leading us to an awareness state of creation in our own existence. Body refreshes something that memory rescues from the past and revives it into a present action. It carries2 a particular/ suspended time of potential state of creation. The research intends to start by cataloguing professional’s dancers from the groups and institutions companies already established for 10 years at least within the metropolitan area of Belo Horizonte. The objective is to investigate their elementary artistic foundation such us professors, choreographers and danced repertories, in the way to distinguish a local artistic embodiment. The researcher aspires to analyze and to identify an existence of a flexible embodiment, an artistic body that unrolls the actions of appropriate and incorporate different traces of past experiences in their artistic process of formation, creation and performance. (MEIRELES, 2010).
Keywords: Body. Memory. Traces. Repertory.

 

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MELCHERT, Ana Carolina Lopes. RODRIGUES, Graziela Estela Fonseca. Os Corpos na Argila e o desenvolvimento do eixo Inventário no Corpo do Método BPI. Campinas: Unicamp; Professora Doutora; Unicamp; Professora Doutora.
 

RESUMO
A pesquisa de doutorado “Incidências e modos de ocorrência da manifestação da cultura no corpo através do desenvolvimento do eixo Inventário no Corpo do Método BPI (Bailarino-Pesquisador-Intérprete)”, aprofundou o eixo Inventário no Corpo, através de sua aplicação a um grupo de alunos voluntários. Os sujeitos desta pesquisa foram estudantes universitários da Universidade Estadual de Campinas (Unicamp). O desenvolvimento do eixo Inventário no Corpo foi realizado ao longo do ano de 2009 e constou com 120 horas de duração. Este projeto foi aprovado no Comitê de Ética em Pesquisa da Faculdade de Ciências Médicas da Unicamp (Parecer CEP No. 679/2008). Os corpos na argila foram um dos instrumentos de aferição do desenvolvimento corporal dos sujeitos participantes. A dinâmica dos corpos na argila foi realizada no início e no final do desenvolvimento do eixo Inventário no Corpo e consistiu num exercício no qual os sujeitos participantes deveriam permitir que suas mãos modelassem livremente na argila o seu corpo de maneira precisa. O intuito foi avaliar o desenvolvimento corporal dos sujeitos participantes. Utilizamos a Análise de Conteúdo, dialogando com uma Análise de Expressão, a partir da Estrutura Física e da Técnica dos Sentidos do Método BPI para a análise dos Corpos na Argila.
Palavras-chave: Bailarino-Pesquisador-Intérprete. Dança do Brasil. Inventário no Corpo.
 

ABSTRACT
The doctoral research “The discovery of the culture veiled and vital gestures: a deepening of the axis Inventory in the Body Method DRP (Dancer- Researcher-Performer)” deepened the axis Inventory in the Body, through its application to a group student volunteers. The subjects were students at the University of Campinas (UNICAMP). The development of the axis Inventory in the Body was conducted during the year 2009 and consisted of 120 hours. This project was approved by the Ethics Committee of the School of Medical Sciences (CEP Opinion No. 679/2008). The clay bodies were one of the instruments for measuring the body development of research subjects. The dynamics of clay bodies was carried out at the beginning and end of the development axis Inventory in the Body and was an exercise in which the participants should allow their hands in the clay shape freely your body accurately. The aim was to evaluate the body development of research subjects. We use Content Analysis, talking with an Expression Analysis, through the DRP Physical Structure and Technical Senses for the analysis of clay bodies.
Keywords: Dancer-Researcher-Performer. Dance Brazil. Inventory in the body.

 

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MOLINA, Alexandre José. Experiência Artística na Formação em Dança. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; Doutorado; Prof. Dr. Luiz Cláudio Cajaíba (orientador); Prof. Dr. Sérgio Coelho Borges Farias (co-orientador). Profissional da Dança, educador e gestor cultural.
 

RESUMO
Processos de formação em dança na universidade apresentam, com recorrência, uma lógica cartesiana que divide teoria e prática. No entanto, o cotidiano de alguns grupos de dança contemporânea parece avançar numa proposição de funcionamento onde não figura tal dicotomia, compartilhando da idéia de compreender a experiência artística como um modo de conhecer. A expectativa deste projeto de pesquisa é demonstrar a possibilidade de identificar parâmetros, possibilidades ou caminhos metodológicos que possam superar o problema da dicotomia teoria-prática, em processos de formação em dança, tendo, na experiência artística, um campo profícuo de observação. Neste percurso investigativo encontramos ressonância no trabalho de autores como John Dewey, Hans-Georg Gadamer e Jorge Larrosa, no que se refere ao conceito de experiência, além de proposições atuais sobre formação em artes, artes cênicas e em dança, presentes nas reflexões de Cayo Honorato, Ana Cristina D’Andrea Galmarino e Márcia Strazzacappa.
Palavras-chave: Arte. Dança. Experiência Artística. Formação.Teoria-Prática.
 

ABSTRACT
Dance instruction at Brazilian university presents recurrently a Cartesian logic that divides theory and practice. However, the everyday life of some contemporary dance groups appears to be advancing in another way, in which the idea of artistic experience as a knowledge form is taking place this dichotomy between theory and practice. The expectation of this research project is to demonstrate the possibility of identifying parameters, possibilities or methodological approaches that can overcome the problem of the dichotomy between theory and practice in process of instruction in dance, and artistic experience of dance groups as useful field of observation. In this way we find resonance in the investigative work of writers like John Dewey, Hans-Georg Gadamer and Jorge Larrosa, with regard to the concept of experience beyond current proposals on instruction in Arts, Performing Arts and Dance, presents the reflections of Cayo Honorato, Ana Cristina D’Andrea Galmarino and Márcia Strazzacappa.
Keywords: Art. Dance. Artistic Experience.Instruction.Theory-Practice.

 

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NAGAI, Ângela Mayumi. RODRIGUES, Graziela Estela Fonseca. Quem dança em mim: A Personagem no método BPI. Campinas: Universidade Estadual de Campinas (Unicamp). Capes: Doutorado.
 

RESUMO
Trata-se da análise de um processo criativo em dança através do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI), criado pela Profa. Dra. Graziela Rodrigues. A ênfase é dada ao terceiro eixo do método, denominado a Estruturação da Personagem. Uma Personagem no método BPI é descoberta a partir do confronto entre o arquivo de vida gravado no corpo do bailarino (elaborado no primeiro eixo do método, o Inventário no Corpo) e o campo de pesquisa por ele escolhido (ou segundo eixo, o Co-habitar com a Fonte). Desta relação fecha-se uma gestalt, sempre exclusiva, a qual será lapidada em sua potência dançarina. O que acontece quando, na verticalidade do mergulho proposto por este método de criação, ocorre a negação dos conteúdos internos que afloram através do corpo? No caso apresentado, aborda-se o nascimento da Personagem Vera, atriz-ilusionista circense e prostituta. O embate da intérprete com a Personagem é analisado como um processo de criação “às avessas”. Buscando transcender a experiência da subjetividade, são revelados meandros de uma travessia corporal pautada por sombrios aspectos da humanidade, trazidos à luz pela conscientização dos sentidos de cada movimento, até o aflorar de uma dança que se constitui pela capacidade de superação.
Palavras-chave: Dança. Personagem. Método BPI.
 

ABSTRACT
This is the analysis of a creative process in dance by the method Dancer-Researcher-Performer (BPI), created by Prof. Dr. Graziela Rodrigues. The emphasis is on the third axis method, called The Structuring of the Character. A character in the DRP method is discovered from the confrontation between the recorded archive of life in the body of the dancer (drafted in the first axis of the method,The Inventory in the Body) and the field of research chosen by him (or second axis, The Co-inhabit with Source). This relationship closes a gestalt, always unique, which will be polished in its power dancer. What happens when in vertical dive proposed by this method of creation, is the negation of the inner contents that emerge through the body? In our case, we discuss the birth of the character Vera, an actress-prostitute and circus juggler. The clash with the interpreter’s character is analyzed as a creative process “backwards”. Seeking to transcend the experience of subjectivity, are revealed intricacies of body ruled by crossing dark aspects of humanity, brought to light by the awareness of the senses in every move until the blooming of a dance that is the capacity to overcome.
Key-words: Dance. Character.DRP method.

 

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NAVAS, ALVES DE CASTRO, Cássia. Nebulosas em rotação: efemeridade e permanência em dança. Campinas: UNICAMP; professora-doutora.
 

RESUMO
O trabalho aborda questões da efemeridade e permanência em dança, partindo para a contextualização de aspectos da atividade de consultoria realizada pela pesquisadora no programa TD-Teatro de Dança, da Secretaria de Estado da Cultura (2006-2011). A constatação de que a mediação (relação arte e platéia) seja a topologia onde se coloca a efemeridade da arte da dança, diferentemente de discursos que a localizam na “obra de arte em si” embasa a discussão para a importância dos espaços específicos onde o “exercício de circulação” (ADOLPHE, 1997)- dramaturgia da dança se estruture récita após recita, mediante a apresentação de espetáculos de fato, diversos. Em contraste com a visão fenomenológica do espetáculo, que segundo Pavis (2007) centraliza no público o protagonismo da construção do sentido da dança, trabalha-se a difusão direta da obra sob o ponto de vista da mediação, fenômeno eivado de efemeridade, topologizado no entrechoque de dois pólos- emissão (palco/cena/obra/coreografia) e recepção (platéia/público/audiência). Contextualizar as condições em que este “entre” pode se abrigar, por exemplo, um espaço de programação exclusiva para a dança, enquanto topus de mediação artística e política, é falar da “efemeridade” e da “concretude” da obra de dança, como em Adorno (1988), atualizando-se, ainda, a discussão sobre certas estratégias de formação de platéias e públicos.
Palavras-chave: dança-contemporânea, teorias da recepção, criação.
 

RESUMEN
El texto trata temas de lo efímero y la permanencia en la danza, a partir de aspectos de la actividad de consultoría del investigador en el programa de TD-TEATRO DE DANÇA (Secretaria de Estado da Cultura, São Paulo-2006-2011). La mediación (relación entre el arte y el público) es la topología donde surge “el arte efímero de la danza”, diferentemente de los discursos que encuentran este efímero en la “obra de arte en sí mismo”, constituese como base de la discusión de la importancia de locales específicos donde “el ejercicio de la circulación” (ADOLPHE, 1997) – dramaturgia de la danza se estructure a cada noche y de maneras distintas Em contraste con el punto de vista fenomenológico del espectáculo, que, de acuerdo con Pavis (2007) se centra em el público, la construcción del sentido de la danza, el texto trabaja la “difusion directa” de la obra desde el punto de vista de la mediación, fenômeno lleno del efímero, topologizado pó lo choque de polos de emisión (escenario / escena / coreografía) y recepción (público). Contextualizar las condiciones en que este “entre” puede ser acogido, por ejemplo, em um espacio de programación exclusiva para la danza, mientras que topus de mediación artística y política, es hablar de “efímero” y “concreción” de la obra de danza, como en Adorno (1988), apuntandose también para discusiónes de estrategias de formación y audiencias públicas.
Palabras clave: danza contemporánea, teorías de la recepción, creación

 

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NEPOMUCENO, Cínthia. O equívoco de Ariano Suassuna: o corpo instrumento na estética da dança armorial. Brasília: Instituto Federal de Brasília; professora efetiva; CAPES; bolsista REUNI; UnB – Programa de Pós-Graduação em Arte; doutoranda; orientadora: Profa. Dra Roberta K. Matsumoto. Dançarina e coreógrafa.
 

RESUMO
O Movimento Armorial, liderado por Ariano Suassuna a partir de 1970, com o objetivo de desenvolver uma arte brasileira erudita fundamentada na cultura popular trouxe a proposta de uma renovação estética. As obras associadas a esse movimento são abundantes na música, nas artes visuais, na literatura e em suas adaptações para teatro, cinema e televisão. Porém, as tentativas de compor uma dança armorial foram infrutíferas e geraram superposições falsas e pouco criativas, duramente criticadas por Ariano Suassuna. A transposição da sonoridade das músicas nordestinas para instrumentos clássicos foi um dos elementos que auxiliou a criação de uma música original. Seguindo a mesma lógica, Suassuna escolheu bailarinos clássicos para coreografar seu ideal de dança. Dessa forma, poderíamos supor que o corpo de baile corresponderia à orquestra e o corpo do bailarino a um instrumento musical. Porém, as iniciativas frustradas indicam que houve um equívoco ao se considerar corpo e instrumento como sinônimos. Esse artigo irá abordar esse equívoco e suas implicações no processo de criação da estética de dança armorial.
Palavras-chave: Dança. Corpo. Movimento Armorial.
 

ABSTRACT
In 1970, Ariano Suassuna led a Brazilian cultural movement called Armorial. Since then several artists took part in the proposal to develop a high art inspired on traditional and popular culture. Aesthetic renovation can be seen on music, visual arts, literature, theatre, cinema and television. However, attempts to compose an Armorial dance were unsuccessful. To create original songs, Armorial composers used classical instruments to play and recreate traditional music from the Northeast of Brazil. In the same way Suassuna invited classical dancers to create an ideal original dance, as if human body was a musical instrument. This article is about the misconception of body as an instrument and its influence in the failed attempts to create Armorial dance aesthetics.
Keywords: Dance. Body.Armorial Movement.

 

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OLIVEIRA, Isaira Maria Garcia de Oliveira. Aplauso em pé: qualidade do espetáculo de dança ou corrida ao estacionamento? Campinas: Instituto de Artes – Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP), aluno de Doutorado do Programa de Pós Graduação em Artes. Orientadora Profª Dra. Cássia Navas Alves de Castro
 

RESUMO
O presente trabalho busca entender como o comportamento do consumidor de espetáculos de dança se relaciona com os mesmos, através da sua reação corporal e sua percepção. Analisa sinteticamente porque o espectador aplaude de um modo geral, todos os espetáculos, ao final, em pé. A pergunta que se procura responder nesse estudo, é: O espectador aplaude o espetáculo ao final do mesmo, em pé por causa da sua qualidade ou porque tem pressa em levantar para correr ao estacionamento? . Através de pesquisas de campo realizadas pela autora, junto ao público do Teatro de Dança em na cidade de São Paulo, bem como através conceitos de Patrice Pavis ,Walter Benjamim e Flávio Degranges, faz-se um breve relato sobre o aplauso, relacionando-o ao comportamento social de cada espectador.
Palavra chave: aplauso, espectador, dança, comportamento
 

ABSTRACT
This study aims to understand how consumer behavior for dance performances relate to them, through their bodily reaction and perception. Synthetic analysis because the audience applauds in general, all shows at the end, standing. The question that this study seeks to answer is: The audience applauds the performance end of the same standing because of their quality or because it has to run in a hurry to get to the parking lot? . Through field research conducted by the author with the public at the Dance Theatre in São Paulo, as well as by concepts of Patrice Pavis, Walter Benjamin and Flavio Degranges, it is a brief account of the applause, relati ng it social behavior of the viewer.
Keyword: clap, spectator, dance, behavior.

 

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PALUDO, Luciana. Dança: demandas geradas pela heterogeneidade. Porto Alegre: UFRGS; doutoranda no Programa de Pós-Graduação em Educação (PPGEDU/UFRGS); Professor orientador: Gilberto Icle. Bailarina, bacharel e licenciada em Dança; mestre em Artes Visuais; professora da Licenciatura em Dança da UFRGS.
 

RESUMO
Esta pesquisa vem sendo desenvolvida no Programa de Pós Graduação em Educação da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, na linha de pesquisa Educação: Arte Linguagem Tecnologia – área temática Estudos Teatrais e Educação. No segundo ano de pesquisa, em observação às práticas docentes realizadas, de onde se recolhe o material empírico, percebe-se que a composição coreográfica tem sido um dispositivo no processo de ensino e aprendizagem da dança. Um fator tem se pronunciado como determinante neste processo: o quanto os processos de criação em dança conferem subsídios nos procedimentos em sala de aula, sejam eles com o foco nas técnicas corporais, na composição coreográfica ou na improvisação. Este artigo se propõe a realizar uma síntese da propriedade de repartir experiências, fator que permeará a escrita da tese de doutoramento, cujo objeto central visa problematizar e compreender o processo de composição coreográfica como parte primordial na construção de um corpo para a dança (no que se refere ao indivíduo); e como fator de aprender a lidar com a heterogeneidade (no trabalho em grupo).
Palavras-chave: Dança. Composição coreográfica. Corpo.Heterogeneidade.
 

ABSTRACT
This research has been developed in the Post Graduate Program in Education at the Federal University of Rio Grande do Sul, on the line of research Education: Language Arts Technology – thematic area of Theatre Studies and Education. In the second year of research on teaching practices carried out observation, where the empirical material is collected, it is clear that the composition has been a choreographic device in the teaching and learning of dance. One factor has been pronounced in this process: how the creative processes in dance provide subsidies in the procedures in the classroom, whether with a focus on body techniques, choreographic composition or improvisation. This article aims to achieve a synthesis of this property of sharing experience, a factor which will permeate the writing of my thesis, whose main objective is to discuss and understand the process of choreographic composition as a key part in the building of a body to the dance (with regard to the individual); and as a factor in learning to deal with the heterogeneity (in the group work).

Keywords: Dance. Choreography composition. Body. Heterogeneity

 

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PAIXÃO, Maria de Lurdes Barros da. Mito de Exu e do Diabo na Dramaturgia Coreográfica do Balé Folclórico da Bahia e do Grupo Grial de Dança. Natal: Universidade Federal Do Rio Grande do Norte; Professor Adjunto; Dedicação Exclusiva
 

RESUMO
A proposta analisa as coreografias “Cerimônia do Padê” do BFBA e o “Auto do Estudante que se vendeu ao Diabo” do Grupo Grial de Dança, objetiva revelar a apropriação da figura mítica do diabo na concepção Judaico-Cristã e de Exu na Afro-Brasileira e o tratamento estético-dramatúrgico-coreográfico dado a estas obras, a metodologia utilizada está apoiada em um referencial teórico-metodológico no qual a fenomenologia é a base para o estudo da linguagem estética nas articulações analógicas que lhes são inerentes, aponta diferenças na dramaturgia coreográfica das companhias que se revelam no discurso e na ação política que se faz presente a partir do corpo que dança, esculpe, recita e poetiza estórias que trazem configurações do habitat destes corpos, seja a cidade de Salvador ou o sertão pernambucano, corpos que por suas danças se igualam e se diferenciam no princípio dinâmico e existencial de Exu na comunicação, no acontecer e no devir.
Palavras-chave: Estético-Dramatúrgico-Coreográfico. Judaico-Cristã. Exu. Afro-Brasileira.
 

ABSTRACT
This proposal analyzes the choreographies “Cerimônia do Padê” by BFBA and “Auto do Estudante que se vendeu ao Diabo” by Grupo Grial de Dança. Its aims to reveal the appropriation of the mythical figure of devil in Jewish-Christian tradition and of Eshu in Afro-Brazilian, as much as the aesthetic-dramaturgic-choreographic treatment given. The methodology here employed is set on a theoretic-methodological reference in which phenomenology is the base for studying the aesthetical language in its inherently analogical links. At first, this study points out the differences in the companies’ choreographic dramaturgies revealed in the discourse and political action that are made present from the body that dances, sculpts, recites and poeticizes stories. Those stories bring the habitat settings of those bodies, whether they are set in the city of Salvador or in the semi-arid area of Pernambuco. Bodies which, through their dances, are made equal and different by the dynamic, existential principle of Eshu in communication and in becoming.
Key-words: Aesthetic-Dramaturgic-Choreographic. Jewish-Christian.Eshu.Afro-Brazilian.

 

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PASSOS, Juliana Cunha; ZIMMERMANN, Elisabeth Bauch. A importância da improvisação para os processos criativos e a arte de improvisar de Rolf Gelewski. Campinas: UNICAMP; Mestranda; FAPESP. UNICAMP; Professora titular e Chefe do Departamento de Artes Corporais.
 

RESUMO
Rolf Gelewski, dançarino e coreógrafo alemão que lecionou na Escola de Dança da UFBA nos anos 60 e 70, utilizou amplamente a improvisação como recurso didático, para desenvolver as capacidades de reação, concentração e sensibilidade, além da qualidade de expressão, imaginação e criação de seus alunos artistas. Porém, a verdadeira arte de Gelewski estava na utilização da improvisação como recurso expressivo em suas criações de dança. O presente artigo propõe uma reflexão sobre a importância da improvisação para os processos criativos, abordando questões relacionadas à liberdade e às regras, à consciência e ao inconsciente. Discorre também sobre a arte de improvisar de Gelewski, a partir de improvisações estruturadas (“dança criativa”) e improvisações livres (“dança espontânea”).
Palavras-chave: Improvisação. Processos de criação. Dança. Rolf Gelewski.
 

ABSTRACT
Rolf Gelewski, german dancer and coreographer who taught in the School of Dance UFBA in the 60s and 70s, widely used improvisation as a teaching resource to develop the capacity of reaction, concentration and sensitivity, to develop the qualities of expression, imagination and creation of his art students. However the true art of Gelewski was the use of improvisation as an expressive resource in their dance creations. This article proposes a reflection on the importance of improvisation for the creative processes, addressing issues about freedom and rules, consciousness and unconsciousness. It discusses also about Gelewski´s art of improvising from structured improvisations (“creative dance”) and free improvisations (“spontaneous dance”).
Keywords: Improvisation. Creation process. Dance. Rolf Gelewski.

 

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PEREIRA, Ana Cristina C. Representações sociais da prática docente de dança dos alunos do curso de Pedagogia do Movimento da EBA/UFMG (2006 A 2009). Belo Horizonte: UFMG; Professor adjunto. Doutora em Lingüística: gesto cognição; Pedagoga; Maitre de dança.
 

RESUMO
As Representações Sociais exercem um papel determinante na conduta humana e constituem formas de conhecimento que se manifestam como elementos cognitivos (imagens, conceitos, categorias, teorias) e também são fenômenos sociais compartilhados que contribuem para a construção de uma realidade comum. A partir daí, esta investigação focalizou as representações sociais dos elementos constitutivos da prática docente de dança, de alunos do curso de extensão da Escola de Belas Artes da UFMG – Pedagogia do Movimento para o Ensino da Dança criado para atender à crescente demanda de formação continuada de professores de dança em Belo Horizonte. Optou-se por uma abordagem qualitativa, baseada na Teoria de Representações Sociais de MOSCOVICI (2005) e ABRIC (2001) e no conceito de prática docente de TARDIF (2000). Assim, buscou-se compreender como ocorre a relação teórico-prática a partir da importância das representações sociais sobre elementos relação professor-aluno, tipo de ensino, conteúdo, método, recursos didáticos, avaliação, aprendizagem da expressividade artística, já que todos os alunos, com ou sem graduação tinham, no mínimo, cinco anos comprovados de experiência como professores de dança. Os dados foram coletados no período de 2006 a 2009, na disciplina Mediação de Processos Educativos na Dança I, por meio de narrativas escritas e de imagens (desenhos, colagens, figuras) das representações sociais dos elementos que compõem a prática docente de várias modalidades como clássico, jazz, dança de salão, moderno, dança ventre, entre outras. Os resultados deste estudo deverão contribuir para o ensino de dança, uma vez que apresentam, de forma reflexiva, os saberes advindos das práticas docentes dos professores de dança entrevistados.
Palavras-chave: representação social. prática docente. ensino de dança.
 

ABSTRACT
The Social Representations play a crucial role in the human behavior and forms of knowledge that manifest as cognitive elements (images, concepts, categories, theories) and are also social phenomena that contribute to shared construction of a common reality. Thereafter, this research focused on the social representations of the elements constituting the practice of teaching dance to students of the extension course at the School of Fine Arts, UFMG – Pedagogy of the Movement for the Teaching of Dance created to meet the growing demand for continuing education for dance teachers in Belo Horizonte. We decided for a qualitative approach, based on the Theory Representations of Moscovici (2005) and ABRIC (2001) and the concept of teaching practice of TARDIF (2000). Thus, we sought to understand how the relationship between theory and practice occurs from the importance of representations on matters regarding teacher-student, the kind of teaching, content, method, teaching resources, assessment, learning artistic expression, since all students, with or without graduation, had at least five years proven experience as dance teachers. Data were collected from 2006 to 2009, in the discipline Mediation of Educational Processes in Dance I, through narratives and images (drawings, collages, illustrations) of social representations of modalities such as classical, jazz, ballroom dancing, modern, belly dance, among others. The results of this study should contribute to the teaching of dance, since they show reflective knowledge arising out of the teaching practices of the interviewed teachers of dance.
Keywords: social representation. teaching practice. teaching dance.

 

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PEREIRA, Paulo José B. Reconectando Corpo e Alma: Sobre o Processo de Improvisação e Criação em Dança. Campinas – São Paulo: Tese de Doutorado em Artes, UNICAMP, 2010. Ver, Ouvir, Movimentar-se. Belo Horizonte: UFMG; Professor Adjunto. Doutor em Artes: Bailarino; Coreógrafo; Psicólogo formado em Psicologia Analítica.
 

RESUMO
“Ver, Ouvir, Movimentar-se” apresenta dois métodos de improvisação da dança, descrevendo cada fase de cada um dos métodos passo a passo. Ambos os métodos se baseiam no uso de material musical. A primeira parte da exploração gradativa dos movimentos do corpo, com uma complexidade crescente, apoiada na exploração da estrutura da peça musical, do seu aspecto mais simples até o mais elaborado. A análise musical proposta acontece, porém exclusivamente através do ouvir direto e concreto da peça musical, e não a partir de um conhecimento prévio da teoria musical convencional. O segundo método começa com uma improvisação completamente livre sobre uma peça musical, e se desenvolve para dentro de uma improvisação estruturada, em conexão com aspectos estruturais tanto do movimento quanto da música, com a qual se está trabalhando, para terminar novamente com outra improvisação completamente livre. Esta última improvisação livre acontece como o resultado da tomada de consciência por experimentação das estruturas pertinentes, de sua assimilação e, finalmente do desprender-se delas, de seu abandono.
Palavras-chave: movimento, improvisação, música, percepção musical
 

ABSTRACT
“See, Hear, Move” presents two methods of improvisation dance, describing each phase of each method step by step. Both methods are based on the use of musical material. The first part of the gradual exploration of body movements, with an increasing complexity, based on exploration of the structure of the piece, in its most simple to the most elaborate. Musical analysis proposal happens, but only through hearing the direct and concrete piece, and not from a prior knowledge of conventional music theory. The second method starts with a completely free improvisation on a piece of music, and develops into a structure improvisation in connection with structural aspects of the movement as much as the music, with which they are working, to finish again with another completely free improvisation. This last free improvisation occurs as the result of awareness on the trial of the appropriate structures, their assimilation and finally letting go of them, its abandonment.
Key-words: movement, improvisation, music, musical perception.

 

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PEREIRA, Sayonara. Dança Solo: Cerimonial ou simplesmente dançar só São Paulo Universidade de São Paulo – Escola de Comunicações e Artes – Programa de Pós- Graduação em Artes Cênicas – Professora Doutora -MS3- (Orientadora; Coreógrafa). Bolsista USP/FAPESP
 

RESUMO
O presente artigo apresenta a dança solo como uma vertente independente de dança que é desenvolvida na modernidade. Alguns solos analisados incluirão características procedentes da caligrafia desenvolvida pelo próprio autor da obra, suas experiências vividas, e diferentes complexidades. Tanto a consolidação da dança moderna, o seu desenvolvimento e popularidade, em diversas e importantes situações do século XX, apresentam grande influência da dança solo, que chega até os dias de hoje refletindo a condição do homem contemporâneo, e provavelmente seguirá influenciando os trabalhos das gerações posteriores.
Palavras Chave: Dança Solo. Gênero. German Dance. Dança Moderna. Dança na contemporaneidade.
 

ABSTRACT
This article presents the dance solo as an independent aspect of dance that is developed in modernity. By analyzing some dance-solos, we can realize that the movements include many characteristics proceeding from the calligraphy developed by the author’s work, his experience, and different complexities. Either the consolidation of modern dance, its development and popularity in various situations and relevant twentieth century, have great influence on the dance solo, which reaches to the present day reflecting the condition of contemporary human beings,and probably will continue influencing the work of later generations.
Keywords: Solo Dance. The genus.German Dance.Modern Dance. Dance in the contemporaneity

 

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PONSO, LUCIANA CAO. “Esboços do dançar o impossível: o tempo e o espaço da dança redimensionados no cinema de 1930”. Rio de Janeiro: UFF; mestranda; Ana Beatriz Fernandes Cerbino. Bailarina e Pesquisadora.
 

RESUMO
Sendo o movimento a principal interface entre as linguagens dança e cinema propõe-se verificar onde a relação corpo-câmera numa perspectiva bidimensional vai fixar-se em produções cinematográficas relevantes e atravessar o século XX tendo como embrião a década de 1930. Encontra-se na câmera revolucionária de Busby Berkeley, no perfeccionismo de Fred Astaire e no experimentalismo de Maya Deren abordagens extremamente diferenciadas no que diz respeito à interface entre dança e cinema. O estudo almeja refletir a relação coreográfica e cinematográfica surgida nessas obras considerando o período histórico e os gêneros aos quais pertenceram: o cinema representativo clássico, o musical ou cinema experimental. No intuito de analisar as nuances das escolhas coreográficas utiliza-se os temas de análise do movimento propostos por Rudolf Laban relacionando os conceitos de imagem-movimento de Gilles Deleuze e duração de Henri Bérgson. Se o cinema teve influências e modificou a relação do homem com o seu corpo, com a noção de espaço e tempo, então neste sentido, este projeto aponta para um estudo pertinente, pela possibilidade de identificar através das obras da década de 1930 lugares onde a dança pôde se reinventar.
Palavras-chave: Cine-dança. Movimento. Linguagem.Composição.
 

ABSTRACT
Considering movement, the main interface between dance and cinema languages happens where the relation body-camera, in a bidimensional perspective, takes place in relevant cinematographic productions throughout the twentieth century, having birth in 1930. This relation can be found in Busby Berkeley`s revolutionary camera, in Fred Astaire`s perfectionism and Maya Deren`s experimentalism extremely diverse approaches concerning cinema and dance interface. This study aims to reflect the choreographic and cinematographic relation brought up by this works considering its historical periods and genders: the classical representative cinema, the musical cinema or the experimental cinema. Striving to analyse the choreographically choices nuances, the movement analyses proposed by Rudolf Laban relating with the concepts of image-movement by Gilles Deleuze and duration by Henri Bergson. If cinema did have influence and changed the relation between man and his body, with time and space perception, therefore this project indicates a relevant study, because of the possibility of identification trough the thirty’s works, places where dance could reinvent itself.
Keywords: Cine-dance. Movement.Language.Composition.

 

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PURPER, Raquel. Escola Livre de Dança de Porto Alegre: encontros com a educação somática. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; Mestre em Artes Cênicas.
 

RESUMO
Este artigo tem o propósito de apresentar alguns “encontros” entre alunos e professores da Escola Livre de Dança, a qual foi criada, em 2007, pelo Centro de Dança da Prefeitura Municipal de Porto Alegre e que tem como objetivo oferecer aulas gratuitas a artistas que queiram aprofundar o conhecimento em dança. O tema apresentado neste artigo faz parte dissertação “Políticas de encontro: criação e colaboração nos processos do Grupo Experimental de Dança de Porto Alegre”, defendida, na UFRGS, em abril de 2011. O primeiro capítulo desta investigação apresenta os encontros vivenciados, na Escola, em diferentes estilos de dança durante os anos de 2008 e 2009. Foi realizado um estudo inspirado na etnografia, através de entrevistas e observação participante. Aqui, será apresentada uma reflexão sobre os encontros nas aulas de educação somática, mais especificamente, em 2008, com a professora Tatiana da Rosa, e, em 2009, com a professora Bia Diamante, através de depoimentos dos alunos entrevistados sobre a experiência em questão. Neste espaço singular que se constitui a Escola Livre de Dança de Porto Alegre, os alunos puderam experimentar a educação somática através do encontro consigo mesmo – autoconhecimento e encontro com o outro, através do exercício constante da alteridade.
Palavras-chave: Encontro. Educação somática. Experimentação.
 

ABSTRACT
This article has the purpose of presenting some of the “encounters” between students and teachers of the Free School Dance, which was created in 2007 by the Center for Dance of the Government of the City of Porto Alegre and that it’s aims is to offer free classes to artists who want to deepen their knowledge in dance. The theme presented in this article is part dissertation “Policies of encounter: creation and collaboration in the processes of Experimental Group of Dance to Porto Alegre “, defended at UFRGS, in april 2011. The first chapter of this research presents the “encounters” experienced, in Free School, in different styles of dance during the years 2008 and 2009. A study was carried out based on ethnography, through interviews and participant observation. Here will be presented reflection on the “encounters” in somatic education classes, more specifically, in 2008, with teacher Tatiana da Rosa and in 2009 with the teacher Bia Diamante, through testimonies of the students interviewed on the experience in question. In this space singular that it constitutes the Free School of Dance in Porto Alegre, the students have been able to experience the somatic education through the encounter with oneself – self-knowledge and encounter with the other, through the constant exercise of otherness.
Keywords: Encounter. Somatic Education.Experimentation.

 

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QUEIROZ, Camila de. A Educação Musical para alunos de dança: uma análise crítica sobre observações em dois cursos profissionalizantes de dança da cidade de São Paulo. São Paulo: Escola de Música da UFMG; Especialização em Educação Musical; Jussara Rodrigues Fernandino.
 

RESUMO
Este trabalho pretende trazer os resultados de uma pesquisa concluída em 2010, que teve o objetivo de investigar de que maneira a educação musical está presente nos cursos profissionalizantes de dança da cidade de São Paulo. Para atingir esse objetivo, foi feito primeiramente um pequeno levantamento bibliográfico da área de música e de dança, ressaltando a relação entre elas em alguns períodos históricos, e uma análise sobre o Referencial Curricular Nacional de Educação Profissional de Nível Técnico para Artes, que traz algumas orientações sobre os cursos analisados neste trabalho. Entre os autores destacados para este trabalho, encontram-se BOURCIER (2006), GROUT e PALISCA (1997), MADUREIRA (2008) e FONTERRADA (2008). Num segundo momento, algumas aulas de música de dois dos seis cursos profissionalizantes existentes em São Paulo foram observadas por um determinado período, buscando analisar pontos específicos, como espaço, componentes curriculares e métodos utilizados pelos professores, com o intuito de refletir sobre a eficiência desta educação musical para os alunos em questão. Os professores de música foram entrevistados e os alunos responderam um questionário, dados que complementaram as informações recolhidas durante as observações. Duas situações bem distintas de aula de música foram observadas por esta pesquisa: uma dentro dos moldes “conservatoriais”, e outra mais diversificada, que lançava mão de diversos recursos e métodos para atingir seus objetivos. O resultado da pesquisa de campo foi confrontado com a bibliografia coletada inicialmente, e ideias como as de Jaques-Dalcroze, Dupuy, Wosien e PEDERNEIRAS foram decisivas para atingir os objetivos deste trabalho. Foi possível compreender, por exemplo, que a concepção de educação musical para músicos não deve ser a mesma para artistas da dança, e também o importante papel do educador musical, que deve saber direcionar as atividades com intenção de aprimorar os saberes que são necessários para formar um artista da dança completo. Dessa maneira, deu-se início a uma discussão sobre a importância do conhecimento musical para o artista da dança, entendendo que esse artista, quando formado, vai se relacionar com a música quase que na mesma medida da dança, devendo, portanto, conhecer ambas de maneira satisfatória.
Palavras-chave: educação musical, dança, artista da dança
 

ABSTRACT
This job intends to show the results of a research that was concluded in 2010, which had as an objective to investigate how musical education is present at professional dance courses in São Paulo. To reach this objective, it was first made a small literature in the area of music and dance, with emphasis in the relationship between them in some historical periods, and an analysis of the National Curriculum for Professional Education Level Technical Arts, which brings some guidance on the courses in this paper. Among the prominent authors to this work are Bourcier (2006), and Palisca GROUT (1997), Madureira (2008) and Fonterra (2008). A second time, it was observed some music classes in two different courses for a period of time, and it was analyzed some specific points, such as space, curriculum components and methods that teachers used in their classes, with the aim to reflect on the efficiency of this musical education for those students. Music teachers were interviewed and the students answered a questionnaire, data that complemented the information gathered during observations. Two types of music classes were observed by this research: one in the style “Conservatory”, and another more diverse, which make use of various resources and methods to achieve their objectives. The result of field research was confronted with the bibliography collected initially, and how the ideas of Jaques-Dalcroze, Dupuy, Wosien and Pederneiras were instrumental in achieving the objectives of this work. It was possible to understand, for example, the concept of music education for musicians should not be the same for dance artists, and also the important role of music educator, should know that direct the activities intended to enhance the knowledge that are needed to form a complete dance artist. Then it was possible to start a discussion about how it’s important musical knowlegment for dancers, as we know that when these dancers are graduated they will have a relation with the music such as with the dance, so they will have to know both dance and music in a satisfactory way.
Keywords: musical education, dance, dancers

 

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ROSA, Tatiana Nunes da. A pergunta sobre os limites do corpo como instauradora da performance: propostas poético-pedagógicas em dança. Porto Alegre: Programa de Pós-graduação em Educação da Universidade Federal do Rio Grande do Sul; Mestre; Professor Orientador: Gilberto Icle. Bailarina e Coreógrafa.

RESUMO
Este artigo faz parte de uma pesquisa poética que abrange produções artísticas em dança. Assim, o corpo contínuo ou algodãozado, é apresentado não como um conceito, mas como uma noção que opera construindo obras. Esse termo é uma imagem cunhada no âmbito da produção artística e pedagógica da autora e procura dar conta de um entendimento de um corpo que não se reduz ao biológico, um corpo que, uma vez experimentado, desdobra-se em imagens, conceitos, palavras, sensações, impossibilitando o encontro com uma realidade última ou com um eu. Esse corpo também se desdobra no espaço, ao qual se entrega, do qual depende e com o qual é dinamicamente formado. Nesse campo de um eu problemático, o ponto devista em primeira pessoa, a via da escuta das sensações, procura ser uma ferramenta de acesso para que se possa perceber os jogos de poder, de definições de realidade e conceitos — e, portanto, de arte, de cena e de corpo dançante — reiterados nas ações corporais, entendidas como idênticas a conceitos e imagens. Como essa experiência não encontra um ponto de fundação, passa a ser entendida como detonadora de um processo de criação permanente, confundindo arte e vida e solicitando ao fazer artístico a responsabilidade por explicitar as convenções que o legitimam, bem como pela proposição de outros modos de fazer. Daí a necessidade de compreender um processo artístico à luz das tradições que informam seus modos de fazer, ou, dito de outra maneira, que lhe subjetivam. No caso desta pesquisa, esta tradição abrange o legado da geração da Judson Church, ou da chamada dança pós-moderna norte-americana dos anos 1960 e 1970, especialmente no que se refere ao uso de técnicas de educação somática proposto como procedimento artístico por esses últimos. A partir de Lancri e Pareyson, a comunicação procura explicitar a filiação de tais questões metodológicas à pesquisa em dança, que, diversamente da pesquisa sobre dança, está focada na produção artística ela mesma como seu fim e meio de reflexão. Ao longo dos anos da pesquisa, o fazer artístico foi demandando a complexificação do entendimento do corpo algodãozado, desembocando na própria abordagem da escrita aqui presente como um de seus desdobramentos poéticos.
Palavras-chave: Corpo. Pesquisa em Dança. Experiência. Sensação. Dança Pós-Moderna Norte-Americana.

ABSTRACT
The present paper is one of the results of a research in Poetics, which comprises also artistic Dance productions. The terms Continuous or Cottoned Body are presented not as a concept, but as a perception that develops a work of art. Cottoned Body is an image derived from the author’s Artistic and Educational history, built on the understanding of a body that can’t be reduced to Biology. A body that, once experienced, unfolds into images, concepts, words, sensations, not to be limited to a ultimate reality or a Self. The firstperson point of view, the way of listening to sensation, is a tool to access power games, definitions of reality and concepts – therefore of arte, of scene and of the dancing body – , which are reiterated in body actions – herein understood as identical to concepts and images. The foundations of such experience are not attainable, therefore it fosters a permanent creative process, blurring Life and Art, and compelling the Artist to present the conventions that legitimate her Poiesis. Hence the need to comprehend Poiesis in light of the traditions that subject it. In the present research, this traditions can be traced back to the legacy of the Judson Church generation from the 1960s and 1970s. We focus specifically on the use of Somatic Education as a tool for artistic creation by the Judson Church group. Based on LANCRI e PAREYSON, this paper aims to point out how those methodological questions affiliate themselves to Poetics. The premise is that Poetics is in itself a way of investigation and reflexion in the field of dance. During the research time, the Poiesis of these works engendered a complexification of the notion of Cottoned Body. This complexification resulted in the narrative approach presented in this dissertation, itself one of its poetic unfoldings.
Keywords Body. Poetics. Experience. Sensation. American Post-Modern Dance.

 

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RIBEIRO, Mônica Medeiros. Dalcroze e a Dança Moderna: indícios de uma presença. Belo Horizonte: UFMG; professora assistente, doutoranda, UFMG, Orie. Profa. Dra. Lucia Gouvêa Pimentel, prof. Dr. Antônio Lucio Teixeira. Atriz-bailarina.
 

RESUMO
A partir da pesquisa de doutorado em Artes que tem como objeto de estudo os aspectos cognitivos presentes na experiência da Rítmica Corporal proposta por Ione de Medeiros, foi analisada a proposta da prática da Rítmica de Jaques-Dalcroze. Jaques-Dalcroze tratou o corpo e seus movimentos expressivos como conteúdo, meio e fim da aprendizagem da música, ou seja, como condição e processo para essa aprendizagem. Sua proposta de corporificação do ensino da música teve forte repercussão em pedagogos musicais, terapeutas corporais e também atores e bailarinos. O objetivo deste texto é apresentar alguns indícios da provável ressonância de seu sistema na dança moderna do século XX. A metodologia utilizada foi a pesquisa de referências, realizada em livros do referido artista-pedagogo, teses de doutorado e sites específicos. Como resultado, foram localizadas três prováveis artistas disseminadoras dos princípios dalcrozianos na dança do início do século XX, além do reiterado impacto promovido pelas apresentações de Rítmica pela Europa. Desse modo, pode-se considerar que os princípios e ideias dalcrozianas sobre o corpo e seus movimentos expressivos são passíveis de ser percebidos na gênese de teorias e práticas da dança moderna.
Palavras-chave: Jaques-Dalcroze, presença, dança moderna
 

RESUMEN
A partir de la investigación de doctorado en Artes que tiene como objeto de estudio los aspectos cognitivos presentes en la experiencia de la Rítmica Corporal de Ione de Medeiros, fue analizada la proposición de la práctica de Rítmica de Jaques-Dalcroze.Jaques-Dalcroze trató el cuerpo y sus movimientos expresivos como contenido, medio y fin del aprendizaje musical, o sea como condición y proceso para este aprendizaje. Su propuesta de corporificación de la enseñanza de la música tuvo fuerte repercusión en pedagogos musicales, terapeutas corporales, actores y bailarines. El objetivo con este texto es presentar algunos indicios de la probable resonancia de su sistema en la danza moderna del siglo XX. La metodología utilizada fue la pesquisa de referencias realizada en libros del referido artista-pedagogo, teses de doctorado y sites específicos. Como resultado, se localizó tres probables diseminadoras de los principios dalcrozianos en la danza del inicio del siglo XX., además del impacto obtenido por medio de las presentaciones de la Rítmica por la Europa. De esa manera se puede considerar que los principios e ideas dalcrozianas acerca del cuerpo y sus movimientos expresivos son pasibles de ser percibidos en la génesis de las teorías y prácticas de la danza moderna.
Palavras-chave: Jaques-Dalcroze, presença, danza moderna.

 

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RODRIGUES, Bianca Bazzo. Quebradeiras de corpo, quebranças da dança, poéticas de crenças. Natal: Universidade Federal do Rio Grande do Norte; Programa de Pós- Graduação em Artes Cênicas; Professor Orientador Karenine de Oliveira Porpino. Bailarino.
 

RESUMO
O trabalho tem como fonte de investigação o universo cultural das benzedeiras e benzedores do Rio Grande do Norte. A investigação alia um estudo de campo, de cunho etnográfico a partir, da vivência in loco nesses espaços impregnados de saberes diversos, de construções simbólicas, de cultura de mito, rito, fé e reza no contexto social e cultural ao qual estão inseridos. Acreditamos que todo esse manancial de pedaços de vida no contexto popular brasileiro, constituem possibilidades de referência estética e poética para a cena, nos desdobramentos de processos de criações em dança. Busca-se assim, através desse manancial de repertório para o artista-pesquisador uma produção cênica que utiliza desses “terrenos férteis” do campo popular que serão relidos e re-significados nos processos de criação artística, considerando o diálogo com o outro e o encontro de si como possíveis campos de relações humanas mais porosas e dilatadas. Acreditamos que o trabalho poético e simbólico nesses espaços constitui território de formação cultural e social, geradora de uma (re) afirmação de valores e poder criativo desses espaços enquanto arte re-significadora de nossa contemporaneidade, através aqui da criação em dança.
Palavras – chave: Criação cênica. benzedeiras/benzedores. Cultura popular. Dança.
 

ABSTRACT
The work makes a investigation of the cultural universe of “benzedeiras” and “benzedores” of Rio Grande do Norte. It´s combines a field study from etnografic, living in these spaces impregnated with different knowledge, symbolic building, culture of myth, ritual, prayer and faith in their social and culture context. Belives that all this pieces of life in the brazilian popular context are poetic and esthetic reference to the scene for the process of dance creations. In that way we search, through this wealth of repertoire for the artist-researcher who uses a theatrical production of “fertile ground” of popular field that will be reread and re-signified in the processes of artistic creation, considering the dialogue with others and meeting themselves as possible fields of human relations more porous and dilated. We believe that the poetic and symbolic work in these spaces is the territory of cultural and social training, which generates a (re) affirmation of values and creative power of art spaces while new meaning for our times, through the creation of dance here.
Keywords: scenic creation. Benzedeiras/benzedores.Popular culture. Dance.

 

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RODRIGUES, GRAZIELA. Da Gira das Pombas Giras à Emanação de Personagens Através do Método BPI. Campinas: UNICAMP; professor titular. Coreógrafa.
 

RESUMO
Retomam-se neste ano as pesquisas de campo num terreiro de Umbanda, mais especificamente reencontros com uma potência feminina que se desdobra em vários nomes. São elas, a Pomba Gira Maria Mulambo, Pomba Gira Cigana, Táta Mulambo, dentre outras e aquelas, conhecidas de longa data, Maria Padilha e Maceió.
Já se passaram mais de três décadas desde quando foi realizada a primeira pesquisa sobre o tema e de lá para cá, em vários momentos se retornou a este mesmo campo. Teve-se a oportunidade de acompanhar a trajetória de uma Pomba Gira, chamada Maceió, até a sua mudança de falange, quando não mais ocuparia o corpo do médium com a mesma representação e freqüência. No exato momento em que Maceió saiu do corpo do médium, para sua nova travessia, incorporou nele uma Maria Padilha. Descrevem-se os reencontros com estas Pombas Giras. O foco desta pesquisa é aprofundar sobre o significado das Pombas Giras. A dinâmica do terreiro foi instaurada com seus rituais para possibilitar que tais entidades se manifestassem. Não há como isolar entidade de seu público. É a interação entre eles que forma a estruturação de uma Pomba Gira. Sociologia da imagem corporal. O processo da entidade incorporada na Umbanda – fruto de toda a dinâmica do terreiro – elucida aspectos importantes do processo da personagem incorporada no método BPI. A pesquisa se dá realmente em outro lugar, nos terreiros também chamados de “macumba”. Então, pode-se atribuir a esta palavra “macumba” novos significados, tal como corpo profundo da personagem incorporada. Apontam-se alguns fragmentos que tal tema revela.
Palavras-chave: Dança do Brasil. Umbanda. Bailarino-Pesquisador-Intérprete.
 

ABSTRACT
In this year the field research were resumed in an Umbanda yard, more specifically the re-encounters with a female power that unfolds in several names. They are Pomba Gira Maria Mulambo, Pomba Gira Cigana, Tata Mulambo, among others, and those known for a long time as Maria Padilla and Maceio. It has been more than three decades since the first research on the topic was performed and then was return to this same research field various times. It had the opportunity to follow the trajectory of a Pomba Gira, called Maceió, up to hers phalanx change, when she no longer occupied the medium’s body with the same representation and frequency. Just when Maceió left the medium’s body to hers new crossing, he embodies a Maria Padilha. It was described the re-encounters with theses Pombas Giras. The dynamics of the yard was established with its rituals to enable such entities to manifest themselves. There is no way to isolate the entity from the audience. It is the interaction between them that make up the structure of a Pomba Gira. Sociology of body image. The process of an enbodied entity in Umbanda – the result of the dynamics of the yard – elucidates important aspects of the character included into the DRP method. The research takes place really in another place, in the yards also called “macumba.” Then you can assign new meanings to this word “macumba”, such as depth body of embodied character. It raises some fragments that it revealed by this theme.
Keywords: Dance Brazil. Umbanda.Dancer-Researcher-Performer.

 

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SCHULZE, Guilherme Barbosa. Videodança como prática colaborativa. João Pessoa: Universidade Federal da Paraiba; professor adjunto. Diretor de corpo e coreógrafo.
 

RESUMO
Considerando-se a videodança como uma forma artística baseada no suporte do vídeo, este artigo aborda os modos de compartilhamento de idéias em rede durante suas etapas de elaboração. Através das idéias de Keith Sawyer sobre criatividade em grupo, estabelece uma discussão sobre os caminhos em que os diferentes papéis, tipicamente presentes no processo artístico da videodança, podem interagir de forma sincrônica ou diacrônica. Este processo freqüentemente envolve ações corporais capturadas pela lente de uma câmera, arquivadas, arranjadas e articuladas durante a edição. O olhar do diretor, que pode incorporar uma série de outras funções como coreógrafo e editor, é responsável pela tomada de decisões. Considera-se, no entanto, que a videodança é resultado, sobretudo, de uma prática colaborativa ao depender freqüentemente da interação de diversos participantes em suas dimensões criativas onde a dança pode estar presente: nos intérpretes, através da criação e seleção dos movimentos; no uso do espaço e do tempo através dos planos; e na forma como o material capturado é organizado durante a edição. Aqui a videodança não é compreendida como produto final, mas como processo aberto. Ao mesmo tempo em que desconstrói as metodologias e estéticas tradicionais da dança ao ser realocada para um novo suporte artístico tecnológico, pode apresentar em seu processo estruturas com diferentes níveis de abertura para participação de acordo com os graus possíveis de colaboração. Este ponto de vista tem o potencial para contribuir para uma discussão mais aprofundada sobre as formas de interação das diversas funções em um grupo de produção de videodança.
Palavras-chave: Videodança. Práticas colaborativas. Criatividade em grupo.Coreografia.
 

ABSTRACT
Considering screendance as an artistic form based on video, this article approaches the ways of sharing ideas in net during its stages of elaboration. Through the ideas of Keith Sawyer on group creativity, it establishes a discussion on the ways where different roles, typically present in the artistic process of screendance, can interact in synchronous or diachronic form. This process frequently involves corporal actions captured by the lens of a camera, filed, arranged and articulated during the edition. The look of the director, who can incorporate a series of other functions such as choreographer and video editor, is responsible for the decision making. It is considered, however, that screendance is a result, over all, of a collaborative practice depending frequently on the interaction of the participants in its creative dimensions where dance can be present: the interpreters, through the creation and selection of the movements; the use of the space and the time through the shots; and in the form the captured material is organized during the edition. Here the screenvideo is not understood as end item, but as open process. At the same time while deconstruct the traditional aesthetic and methodologies of the dance being shifted to a new technological artistic support, can show in its process structures with different levels of openness for participation accordingly to the possible degrees of contribution. This point of view has the potential to contribute for a deepened discussion on the forms of interaction of the diverse functions in a group of screendance production.
Keyword: Screendance. Collaborative practices. Group creativity.Choreography.

 

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SILVA, Eliana Rodrigues. Dança Teatro: percepção como experiência única. Salvador: Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas; Universidade Federal da Bahia; Professor Associado III. Pós Doutora pela Universidade de Paris 8. Coreógrafa e dançarina.
 

RESUMO
Este artigo aborda questões relativas à percepção de espetáculos de Dança Teatro, onde a fruição estética se dá de forma única e não só contemplativa. No binômio emissor x receptor, observa-se como ativa a posição do espectador, levando-se em conta seu desejo de encontrar coerência, compreender e atribuir sentido à obra. Observa-se a própria natureza da Dança Teatro como provocadora dessa posição. Para estabelecer diálogo teórico Luigi Pareyson, Jorge Larossa Bondía, Marco de Marinis e Norbert Servos serão citados.
Palavras-chave: Crítica de Dança. Dança Teatro. Percepção.
 

ABSTRACT
This article discusses issues related to the perception in Dance Theatre spectacles, where aesthetic experience happens in an unique, and not just contemplative, way. On the transmitter x receptor binomial, the position of the viewer is understood as an active one, taking into account his desire to find consistency, understand and ascribe meaning to the work. The very nature of the Dance Theatre is seen as a provoker of that position. To establish theoretical dialogue, Luigi Pareyson, Jorge Bondia Larossa, Marco de Marinis and Norbert Servos will be cited.
Keywords: Dance Criticism. Dance Theatre.Perception.

 

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SIRIMARCO, Gisela. Experiência e Sentido. Composição Dramatúrgica na Dança Contemporânea. Mestre em Artes Cênicas, egressa da Escola de Comunicações e Artes da USP. Diretora, pesquisadora, bailarina e coreógrafa.
 

RESUMO
O presente artigo busca compreender a noção de composição dramatúrgica na dança contemporânea enquanto veículo de experiência e agente de produção de sentido. Desde as elaborações feitas por Jean-Georges Noverre no século XVIII até aquelas feitas recentemente por pesquisadoras como Patricia Cardona e Natalie Schulman, uma das perguntas recorrentes está relacionada exatamente com as possíveis definições e funções desempenhadas pela dramaturgia na dança. Desse modo, esse artigo pretende abordar a noção em questão relacionando-a, ao mesmo tempo, com o conceito de experiência e com os processos de produção de sentido. Considera-se, nesse caso, tal conceito e tais processos como aspectos constitutivos da noção de dramaturgia na dança, geradores de possíveis especificidades nesse campo. No que diz respeito à experiência, algumas abordagens específicas serão apontadas, dentre elas sobretudo John Dewey, Francisco Varela, Jorge Larrosa Bondía e Victor Turner. Já com relação à noção de sentido o filósofo Gilles Deleuze será a referência mais importante.
Palavras-chaves: experiência. dramaturgia. dança. Sentido.
 

ABSTRACT
This article seeks to understand dramaturgical composition in contemporary dance as a channel from which experience can emerge as well as an agent that produces sense. Since the elaborations developed by Jean-Georges Noverre during the 18th century until contemporary researchers such as Patricia Cardona and Natalie Schulman, one of the recurrent questions is associated exactly with the possible definitions and functions fulfilled by dramaturgy in dance. In this respect, this article intends to deal with the aspect in question relating it at the same time with the concept of experience as well as with processes of production of sense. In this case, such concept and processes are seen as constitutive of the notion of dramaturgy in dance, which operate as generators of some possible specificities in this field. Concerning experience, some specific approaches will be pointed out, such as John Dewey, Francisco Varela, Jorge Larrosa Bondía and Victor Turner. The production of sense will be examined through the theories elaborated by the philosopher Gilles Deleuze.
Key-words: experience.dramaturgy. dance. sense.

 

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SOUZA, Elisa Teixeira. Contribuições de Émile Jaques-Dalcroze para a dança cênica. Brasília: Universidade de Brasília (UnB); aluna do Programa de Pós-Graduação em Artes; CAPES; bolsista de mestrado. Dançarina e professora.
 

RESUMO
Aborda as contribuições do pedagogo musical suíço Émile Jaques-Dalcroze para o campo educacional e criativo da dança cênica. Apresenta componentes estruturais de seu método de educação rítmica corporal – a Rítmica, ou Eurritmia, ou ainda Movimento Rítmico – e discute a influência exercida por sua teoria e prática na obra artística e pedagógica de emblemáticos representantes da dança moderna, como Rudolf Laban, Mary Wigman, Ruth Saint Denis, Ted Shawn e Vaslav Nijinsky. Discute conexões estéticas entre a dança moderna e o gênero de performance criado por Dalcroze – a Plástica Viva, ou Movimento Plástico, ou ainda Plástica Animada. Aponta uma relação entre o pensamento de Dalcroze e as origens do pensamento somático nas esferas pedagógica e criativa da dança cênica ocidental.
Palavras-chave: Émile Jaques-Dalcroze. Eurritmia. Rítmica. Movimento Rítmico. História da dança moderna.
 

ABSTRACT
Discusses the contributions of the Swiss music educator Emile Jaques-Dalcroze for the educational and creative field of theatrical dance. Presents structural components of his method of body rhythmic education – the Rhythmic, or Eurhythmy, or Rhythmic Movement – and discusses the influence exerted by his theory and practice in pedagogical and artistic work of emblematic representatives of modern dance, as Rudolf Laban, Mary Wigman Ruth St. Denis, Ted Shawn and Vaslav Nijinsky. Discusses aesthetic connections between the modern dance and the genre of performance created by Dalcroze – the Plastic Life, or Plastic Movement, or Plastic Animated.Shows a relationship between the Dalcroze thought and the origins of the somatic thought in the creative and teaching spheres of West scenic dance.
Keywords: Emile Jaques-Dalcroze. Eurhythmy.Rhythmic.Rhythmic Movement.History of modern dance.

 

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STRAZZACAPPA, Márcia. Nos espaços do entre: refletindo sobre um processo de criação cênico-coreográfico. Campinas: Universidade Estadual de Campinas; professor doutor; CNPq; bolsista produtividade; artista da dança e diretora.

RESUMO
O artigo apresenta uma reflexão sobre um processo de criação realizado em 2010 sobre o tema “entrelugares do corpo e da arte”, em que se misturaram artistas da dança e pesquisadores acadêmicos que transitaram entre dois espaços culturais independentes (Tugudum de Campinas/SP e Centro Meme de Porto Alegre/RS); e um grupo de pesquisa universitário (Laborarte - Laboratório de Estudos sobre Arte, Corpo e Educação/UNICAMP). As participantes eram todas egressas das primeiras turmas de graduação em dança da Unicamp, porém, com formações e atuações distintas, que englobavam os campos artísticos (atuação, coreografia, direção teatral) e educacionais (docência nos níveis fundamental e superior). Como articular estes diferentes campos de formação e atuação em uma proposta cênico-coreográfica? - foi a primeira questão levantada. O espetáculo teve a direção artística de Paulo Guimarães, figurinos de Helô Cardoso e paisagem sonora de Dalgalarrondo. Ao se pensar os entrelugares do corpo e da arte, questionamos os diferentes papeis assumidos pela mulher/artista na atualidade. Verificamos que os arquétipos da mulher selvagem (ESTES, 1994) podem ser ressignificados na mulher contemporânea. Partindo-se do princípio de que toda criação tem um fundamento autobiográfico (SALLES, 2004), o espetáculo tem momentos nos quais são narrradas histórias vividas e sonhos, mesclando-se real e imaginário. São várias as linguagens presentes em cena, ao se trabalhar com textos literários e autorais; cantigas populares de domínio público e percussão. O espetáculo estreou em agosto (2 Seminário Internacional de Educação Estética) com o título “Sobre mulheres e lobos” e foi apresentado em Porto Alegre/RS, São Carlos/SP e Natal/RN, quando se deu início à terceira etapa do projeto, em que uma artista da dança local foi integrada na coreografia narrando um conto local. Esta terceira etapa do projeto visa promover tempos de encontro, incentivando o diálogo entre artistas, pesquisadores e instituições de ensino, sobretudo as que acabaram de abrir graduações em dança, e divulgar outras formas de se construir conhecimento em arte e saberes do/no corpo.

Palavras Chaves: Processos de criação. Entrelugares. Graduação em dança.

 

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VALLE, FLAVIA P. Ateliê Coreográfico: as diferentes contracondutas. Porto Alegre: ESEF/UFRGS; professora assistente; FACED/UFRGS; doutoranda; Professor Orientador Dr. Gilberto Icle. Professora e Coreógrafa.
RESUMO
A pesquisa relata um recorte da tese Ateliê Coreográfico: a contraconduta como criação no ensino superior de dança. Ela parte da prática docente da pesquisadora que ministra um componente curricular intitulado Ateliê Coreográfico do qual os alunos são instigados a se desafiarem a fazer algo diferente do que eles estão acostumados. Neste sentido, os alunos são estimulados para a contraconduta da criação ao contrário da disciplina da técnica. Para problematizar a constituição do sujeito da dança no ensino superior contemporâneo é proposto, neste recorte, discutir que modos de contracondutas são possíveis em um componente curricular de criação coreográfica. A idéia é levantar e multiplicar relações possíveis entre criação, ensino superior, constituição de si(cuidado de si) e jogos de verdade. A pesquisa é de abordagem focaultiana e segue outros autores da mesma linha de pensamento.
Palavras-chave: Dança. Foucault. Coreografia. Criação.Contraconduta.
 

ABSTRACT
The research describes part of the thesis Choreographic Workshop: contraconduta as the creation of dance in higher education. It parts of the teaching practice of the researcher who teaches a course component titled Choreographic Workshop in which students are encouraged to challenge themselves to do something different than they are accustomed. In this sense, students are encouraged to contraconduta creation instead of technical discipline. To question the constitution of the subject of dance in contemporary higher education is proposed in this cut, to discuss what contracondutas modes are possible in a curricular component of choreographic creation. The idea is to raise and multiply the possible relationships between creation, higher education, building up themselves (self care) and true games. The research approach is Foucault based and follows other authors in the same line of thought.
Keywords: Dance. Foucault. Choreography.Creation.Contraconduta.

 

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VICARI, Juliana. Raízes para voar: a capacidade de se fazer presente através do grounding. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; bolsista CAPES; Orientadora Profa. Dra. Monica Dantas.
 

RESUMO
A pesquisa “Raízes para voar – a capacidade de se fazer presente através do grounding” visa investigar a noção de grounding no trabalho de um grupo de performers de Porto Alegre. Tem como objetivo geral constituir uma abordagem somática sobre a presença do performer através do grounding, A noção de grounding pode ser entendida como “energia em relação”: um desejo por conexões dentro e fora do corpo e uma atitude que permite comunicação com a Terra. Este senso de grounding está relacionado ao suporte respiratório, à energia que irradia do centro do corpo para as extremidades, ao movimento a partir do assoalho pélvico, à consciência do peso do corpo e do movimento a partir dos pés. Dentro das variadas funções do pé no movimento humano, destaca-se o poder de amortecer o impacto e propulsionar o peso do corpo. Esta dupla personalidade do pé promove o enraizamento necessário para que o corpo salte e suspenda sua massa. Neste sentido, o grounding pode ser descrito metaforicamente como raízes para voar. Por meio de laboratórios de movimento, este estudo entrelaça procedimentos do teatro, da dança e da educação somática, articulando as experiências do grupo com a reflexão teórica sobre o tema. As vivências, registradas em vídeo e acompanhadas de relatos, diários de campo e entrevistas com os participantes constituem a base da reflexão sobre o processo de apropriação de cada integrante, reconhecendo possíveis transformações pessoais.
Palavras-chave: grounding. presença. educação somática. Dança.
 

ABSTRACT
The research “Roots to fly – the capacity to be present through the sense of grounding” aims to investigate the notion of grounding during a process with a group of performers from Porto Alegre. It has as the main goal, to develop a somatic approach about the presence of the performer through the grounding. The notion of grounding can be understood as “energy in relation”: a desire for connections inside/outside the body and an attitude that allows communication with Earth. This sense of grounding is related to the breath support, the energy that radiates from the center of the body to the extremities, the movement from the pelvic floor, the consciousness of the body weight and movement from the feet. Among the varied functions of the foot in human movement, there is the ability to cushion the impact and propel the body weight. This dual personality of the foot promotes rooting necessary for the body to jump and suspend its mass. In this sense, the grounding may be described metaphorically as root to fly. Through movement labs, this study interweaves procedures of theater, dance and somatic education, articulating the experiences of the group with a theoretical reflection on the topic. The experiences, recorded on video with accompanying reports, diaries and interviews with participants, form the basis of reflection on the process of ownership of each member, recognizing possible personal transformations.
Key-words: grounding. presence. somatic education. dance.

 

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VIEIRA, Alba Pedreira. Analisando imagens dançantes do “Lago dos Cisnes” de Matthew Bourne. Viçosa: Curso de Dança da Universidade Federal de Vicosa; Professora Adjunto; CAPES; bolsista PIBID. Diretora artística.
 

RESUMO
Neste artigo discute-se, por meio das lentes da cultura visual e da semiótica, o Lago dos Cisnes de Matthew Bourne. Examina-se significados das imagens e signos de movimentos corporais dos bailarinos, gestos, olhares e explorações territoriais no segundo ato, Um parque em St. Jame’s. Ao contrastar temas em balés clássicos que são convencionais em vez de desafiadores, esta produção é um exemplo contemporâneo de trabalhos de vanguarda. Uma obra de vanguarda é freqüentemente associada com o pós-modernismo e geralmente comparada com trabalhos de dança tradicionais ou dominantes, especialmente os de balé clássico. Assim, a composição está na dianteira da experimentação artística, porque afirma, implicitamente, que balés tradicionais podem ser reconstruídos através das lentes do debate contemporâneo sobre o que é natural e convencional em termos de estereótipos de gênero.
 

ABSTRACT
This paper discusses, through the lens of visual culture studies and semiotics, Matthew Bourne’s piece “Swan Lake”. It is examined meanings of images and signs that make up this piece. The investigation is delimited to the dancers’ bodily movements, gestures, gazes and territorial explorations in Act Two, A park in St. Jame’s. By contrasting themes in classical ballets that are conventional rather than challenging, this contemporary piece is an example of avant-garde works. Indeed, avant-garde is often associated with post-modernism and is frequently contrasted with mainstream or traditional dance works, especially classical ballet. Hence, the piece is at the forefront of artistic experimentation because it implicitly affirms that traditional ballets can be reconstructed through the lens of contemporary discussions about what is natural and conventional in gender stereotypes.
Keywords: Dance. Images.Gender stereotypes.

 

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VILELA, Lilian. O percurso metodológico como campo de criação para o artista-pesquisador. Campinas: Universidade Estadual de Campinas. Doutora em Educação pela Faculdade de Educação da UNICAMP, pesquisadora do programa Rumos Dança do Itaú Cultural, consultora da área de dança do SESI-SP e artista da dança.
 

RESUMO
Este texto aborda um recorte de uma tese de doutorado realizada no Laborarte/UNICAMP, com foco central na história de vida artística de Denise Stutz, uma bailarina que encarna as transformações estéticas da dança contemporânea brasileira, desde a década de 1970 até dias atuais. O recorte aqui tratado refere-se aos procedimentos metodológicos realizados na pesquisa; um caminho criado com estratégias de análise independentes entre si, aliadas e superpostas formando um só corpo de investigação. O percurso metodológico foi desenvolvido durante o próprio pesquisar e abrangeu os processos da transcriação (MEIHY, 2005) das narrativas orais de Denise Stutz junto às análises de movimento (LABAN, 1978) e às análises de espetáculo (PAVIS, 2003) das narrativas cênicas de suas obras de referência (GERALDI, 2009). Tratar a metodologia como criação e, portanto, aberta e imprevisível, permitiu uma forma de pesquisar academicamente levando em conta a natureza criadora do artista-pesquisador aproximando os campos da arte e da investigação teórica acadêmica.
Palavras-chave: dança contemporânea. história da dança. metodologia de pesquisa.
 

ABSTRACT
This paper is part of a doctorate research made at Laborarte/UNICAMP from which the main focus is the story of artistic life of Denise Stutz, a brazilian dancer, and her way of acting since the 1970 until today. The specific aproach of this work refers to a methodological procedure in the qualitative research, the transcriation (MEIHY, 2005) of her oral narratives and the movement analysis (LABAN, 1978) integrated to the analysis of the spectacle (PAVIS, 2003) of reference works (GERALDI, 2009) in the way of the dancer. Dealing with the methodology and creation, and therefore open and unpredictable, allowed a form of academic research considering the nature of the creative artist-researcher approaching the fields of art and theory academic research.
Keywords: contemporary dance. History of dance.research methodology.

 

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VITIELLO, Julia Ziviani. Interfaces entre interpretação e criação em dança a partir da construção de um corpo eclético. Campinas: Unicamp; docente; Dançarina e coreógrafa.
 

RESUMO
O caráter efêmero da dança, sua natureza de ser uma das artes do momento presente, pode conferir diferentes nuances a cada apresentação cênica. O registro dos processos de criação e de seu produto final, na forma de apresentações cênicas, faz-se importante para artistas, pesquisadores, acadêmicos, pois ele poderá trazer importantes subsídios à crítica e a pesquisa em dança, já que torna-se possível preservar tanto o trabalho, quanto as questões e soluções envolvidas na criação para sua posterior análise crítica. Faz-se não menos importante também oferecer à sociedade a oportunidade de conhecer um espetáculo não visto, ou então de ser tocada em suas memórias subjetivas a respeito dele. Assim, objetiva-se neste texto a analise e documentação dos aspectos envolvidos na dança como uma disciplina de pesquisa. O texto explora uma articulação de conteúdos, ao qual se vincula o ato de criar, descrever e realizar as ideias propostas, até a apresentação cênica de seus resultados. Além da realização desse recorte, do que o envolve e o delimita, far-se-á ainda uma articulação entre os conteúdos de uma tríade: a técnica (habilidades do interprete), a poética (literatura e artes visuais) e a criação (procedimentos e apresentação cênica), com a finalidade de investigar e aprofundar, como a integração das práticas somáticas, especialmente a técnica Ideokinesis, na preparação dos interpretes e criadores, contribuem para a criação em dança.
Palavras-chave: Dança. Criação. Ideokinesis. Registro.
 

ABSTRACT
The ephemeral nature of dance, its nature of being one of the arts of the present moment, makes it a different nuance to every dance performance. The record of the processes of creation and its end product, the presentations is important for scenic artists, researchers, academics, as it will contribute significantly to the criticism and research in dance, as it becomes possible to preserve the work, the issues and solutions involved in their creation for later review. No less important, is to give society a chance to knew a spectacle not seen, or being touched in their subjective memories about it. Thus, among the objectives of this paper is to examine and document the issues involved in dance as a research discipline. In this paper we intend to explore a relationship of contents, which is linked to the act of creating, describing and realize the ideas proposed until the theatrical presentation of its results. Having realized this outline, what surrounding it and delimits I’ll still articulate the contents of a triad: the technical (skills of the interpreter), poetic (literature and visual arts) and creation (submission procedures and scenic), in order to investigate and develop, as the integration of somatic practices, especially the technique Ideokinesis, in the preparation of performers and creators can contribute to the creation of dance.
Key-words: dance, creation, Ideokinesis,

 

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WEBER, Suzi. O corpo glorioso na mira. Porto Alegre : UFRGS, professor adjunto. Doutora pela UQAM (Canadá). Bailarina e atriz.
 

RESUMO
Tradicionalmente há uma forte valorização do corpo nas práticas corporais artísticas que tende muitas vezes a reforçar uma certa visão modernista do homem como um super-héroi. A partir desta perspectiva, o corpo deve ultrapassar seus limites, através da disciplina e do trabalho árduo, numa visão progressista e muitas vezes reducionista em termos de práticas corporais e sobretudo em termos de práticas artísticas. A representação de um corpo glorioso se inscreve na visão defasada do novo homem frente a uma arte pós-moderna que exalta cada vez mais a degradação voluntária do corpo. A tentativa de invalidar a idéia de excelência humana e corporal reside na falência histórica das grandes ideologias e na crise do humanismo. Em termos de representação do corpo, a arte questiona cada vez mais a forma de perfeição estável. Na dança contemporânea, certos artistas vêm produzindo e questionando a idealização do corpo glorioso, disciplinado, sofredor e silencioso das tradicionais práticas corporais artísticas. Os corpos dóceis, como os classifica Foucault (1975), vem se tornando cada vez mais indóceis e falantes, com um discurso muitas vezes direto. A dança contemporânea no seu discurso mais apurado e atualizado, questiona o poder que constrói o corpo dançante e que o modela; questiona também o establishment que fixa certos valores e modos de conduta. Este é, por exemplo, o caso do coreógrafo mineiro Luiz de Abreu na criação “Espetáculo” que teve sua estréia na 7ª Bienal do Mercosul em 2009. Em uma crítica direta e reflexiva sobre certos aspectos da condição do negro no Brasil, Luiz Abreu escancara certos elementos da cultura que muitas vezes são identificados ao negro. Luiz de Abreu articula um discurso corporal, onde mostra que a condição do negro ainda traz fortes marcas do contexto de um país colonizado e desigual. E é através do corpo que estas marcas são exploradas.
Palavras-chave : corpo glorioso. discurso do corpo. dança contemporânea.
 

RÉSUMÉ
Traditionnellement, il y a une forte valorisation du corps dans les pratiques corporelles artistiques qui a souvent tendance à renforcer une certaine vision moderniste de l’homme comme un superhéros. Dans cette perspective, le corps doit aller au-delà de ses limites, grâce à la discipline et le travail acharné, une vision progressiste et souvent réductrice par rapport aux pratiques du corps, et surtout en termes de pratiques artistiques. La représentation d’un corps glorieux s’inscrit dans une vision dépassée de l’homme nouveau en dépit de l’art post-moderne qui exalte la dégradation volontaire du corps. La tentative d’invalider l’idée de l’excellence humaine et le corps réside dans l’échec historique des idéologies politiques et dans la crise de l’humanisme. En termes de représentation du corps, l’art pose toujours de nouvelles questions sur la forme de perfection stable. Dans la danse conteporaine, certains artistes ont remis en question l’idéalisation du corps glorieux, discipliné, souffrant et silencieux des pratiques corporelles artistiques traditionnelles. Les corps dociles, comme souligne Foucault (1975), sont de plus en plus indisciplinés. La danse contemporaine dans son discours plus raffiné s’interroge sur le pouvoir qui construit le corps dansant et ces modèles ; elle s’interroge aussi sur l’establishment qui fixe certaines valeurs et modes de conduite. Il s’agit, par exemple, du cas de Luiz de Abreu, chorégraphe de Minas Gerais qui a créé « Show», dont la première a eu lieu lors de la 7e Biennale Mercosul en 2009. Dans une critique directe et réflexive sur certains aspects de la condition des Noirs au Brésil, Luiz Abreu montre certains éléments qui sont souvent associés aux noirs. Luiz de Abreu présente un discours du corps qui montre que la condition du peuple noir a encore des marques fortes dans le contexte d’un pays colonisé et inégal. C’est à travers du corps que ces marques sont exploitées.
Mots-clés: corps glorieux. discours du corps. danse contemporaine.