Pesquisa em dança no Brasil

ANDRADE, Sérgio Pereira. Pensar sobre a cena para além do ver. Rio de Janeiro: UFRJ. Professor Assistente do Departamento de Arte Corporal da EEFD – UFRJ. Membro pesquisador do Núcleo de Estudos em Ética e Desconstrução da PUC-Rio (NEED). Doutorando em Filosofia na PUC-Rio. Mestre em Filosofia na PUC-Rio. Mestre em Artes Cênicas pelo PPGAC-UFBA. Diretor, bailarino e performmer. Co-fundador do Grupo CoMteMpu’s – Linguagens do Corpo (BA/PE/RJ).


PENSAR A CENA PARA ALÉM DO VER

Discuto a pertinência da prática de teorização sobre as Artes do Cena como um processo que desliza a espacialidade do pensamento para além da visão, do que podemos antecipar pela visão, apontar e respeitar à distância pela contemplação. Assombrado pelas noções de “Pensar em não ver” e de “Artes Espaciais” de Jacques Derrida (2012; 2010), num primeiro momento, me interessa deslocar a condição do pensamento que vê e para o pensamento que toca. No pensar-tocar há uma corporeidade, uma prática, que não acontece num espaço, mas é a espacialização sem a qual não se poderia dar o olhar, o colocar-se diante de, e o interpelar um ser, quê ou quem: eis-ai (voilá/ voi là). Por fim, falarei sobre como tais questões podem redimensionar as pesquisas e atuações que atravessam a Dança e a Performance, dentro e fora da universidade, tomando como referência também minhas experiências como artista e professor dos cursos de Dança da Universidade Federal do Rio de Janeiro, sobretudo o curso de Bacharelado em Teoria da Dança.

Palavras-chaves: teoria, corpo e pensamento, visão, teoria da dança, pesquisa em artes do corpo.

THINK ON THE SCENE BEYOND THE VIEW

I discuss the relevance of the practice of theorizing about the Performing Arts as a process that slides spatiality of thought beyond the vision, what we can anticipate by the vision, or we can point and we can respect to distance by contemplation. Haunted by notions of “Pensé a ne pas voir” and “Spatial Arts” of Jacques Derrida (2012; 2010), at first, I am interested in moving the thought that sees to the thought that touches. In the think-touch there is an embodiment, a practice, that does not only happen on a space, but it is the spatialization without which one would not happen the look, the place before to raise a “being”, “what” or “who”: voila/ voi là. Finally, I'll talk about how such questions can resize the research that crosses Dance and Performance Art, taking as reference my experiences as artist and professor of Dance Courses at Universidade Federal do Rio de Janeiro, especially the course of Bachelor of Dance Theory.

Keywords: theory, body and thought, vision, dance studies, research in the arts of the body.

ARAUJO, Lauana Vilaronga Cunha de. Teresa Cabral: Dança moderna na cena soteropolitana da década de 1970. Salvador: PPGAC-UFBA; Profª. Drª. Eliana Rodrigues Silva. Professora doutora da UESB; coreógrafa; dançarina.

Dança moderna. Apagamento histórico. Ditadura vanguardista.

O artigo aborda aspectos da tese A sílfide morena Teresa Cabral: Dança moderna e apagamento histórico em Salvador (PPGAC-UFBA, 2013), que versa sobre o apagamento histórico desta profissional, por não corresponder às regras vanguardistas e de engajamento político da arte coreográfica no Brasil na década de 1970. Teresa Cabral formou-se na Escola de Dança da UFBA, especializou-se na Técnica de Martha Graham nos EUA e, com a criação do Studio de Dança e do Grupo Studio em 1972, constituiu a segunda geração a trabalhar com a matriz da dança moderna de Graham em Salvador. A pesquisa usou a micro-história e história oral como referenciais metodológicos principais, constituindo-se numa análise da história da dança em Salvador, sendo a trajetória profissional de Teresa Cabral um estudo de caso. Na contramão da vanguarda pós-moderna da dança e da vertente artística de engajamento político naquela década, disseminou a dança moderna, por meio de apresentações coreográficas no Brasil e na Alemanha, além de oferecer ampla formação em escola particular, dinamizando, ao mesmo tempo, a cadeia profissional de dança. Com sua trajetória, afirmou a vertente estética, técnica e criativa da dança moderna.

modern dance. Erase history. Dictatorship garde.

The article focuses on the thesis The sylph brunette Teresa Cabral: Modern Dance and erase history in Salvador (PPGAC-UFBa, 2013), which discusses the historical erasure of this professional, they do not correspond to the rules of political engagement and avant-garde art in choreography Brazil in the 1970s. Teresa Cabral graduated from the Federal University of Bahia School of Dance, specializes in the technique of Martha Graham in the U.S. and, with the creation of Studio Dance Studio and the Group in 1972, was the second generation to work with the mother of modern dance Graham Salvador. The research used the micro-history and oral history as main methodological references, providing an analysis of the history of dance in Salvador, being the professional trajectory of Teresa Cabral a case study. Against the forefront of postmodern dance and artistic aspects of political engagement that decade, modern dance spread through choreographic performances in Brazil and Germany, in addition to providing extensive training in private school, stimulating at the same time, chain professional dance. With its trajectory, said strand aesthetic, technical and creative modern dance

BORGES, Naranda. Trajetórias, Narrativas e Densidade Poética na Dança: A Dançatar. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Doutoranda; Profa. Dra. Lúcia Fernandes Lobato; Dançarina e Coreógrafa.

RESUMO
O artigo apresenta uma proposta transdisciplinar de dança, cujo objetivo é promover o acontecimento e inaugurar-se do dançante. Pressupõe formas de proceder em dança que se arriscam em direção a uma dialógica crítica sugerida por um processo contínuo de instigação e provocação no qual cada pessoa, em especial a mulher, foco desta pesquisa, assume como resposta às provocações o desafio de ser quem é. Este pressuposto resultou na Dançatar, que é uma estratégia em dança que se propõe a atar os conflitos em polarização para uma transformação e singularização pessoal e coletiva. Trata-se ainda de uma possibilidade de ressignificação da dança enquanto hábito, contexto social, paisagem urbana e exercício de uma ética e estética na pólis, a partir de procedimentos que possam falar ao/do/para o corpo e se construir arte onde quer que se apresente. Este estudo integra uma pesquisa de doutoramento cuja motivação é o exercício da dança como uma experimentação/viabilização do imaginário e daquilo que o fundamenta. A abordagem metodológica parte de uma pesquisa experimental realizada com um grupo de mulheres, cujas estratégias de aplicação e verificação dos referenciais e indicadores da Dançatar, se destinam a avaliar a propriedade de sua interação e intervenção como um sistema em dança.

Palavras-chave: Dança. Imaginário. Feminino. Contemporaneidade.
ABSTRACT
The paper proposes a transdisciplinary dance, whose goal is to promote the event and open up the dance. Presupposes ways to proceed in dance who venture toward a dialogic critique suggested by a continuous process of instigation and provocation in which every person, especially women, focus of this research, takes in response to provocation the challenge of being who you are. This assumption resulted in Dançatar, which is a strategy in dance that purports to bind the conflicts in bias towards a transformation and personal and collective individuation. It is still a possibility of reinterpretation of dance as usual, social, urban landscape and exercise of ethics and aesthetics in the polis, from which procedures can speak to / from / to the body and to build art wherever presents itself. This study is part of a doctoral research whose motivation is the pursuit of dance as a trial / viability of the imaginary and what the grounds. The methodological approach of the experimental research conducted with a group of women, whose strategies for implementation and verification of references and indicators of Dançatar, intended to evaluate the property of their interaction and intervention as a system in dance.
Keywords: Dance. Imaginary. Female. Contemporaneity.

BRAGA, Cristina. Dança, Educação e Psicanálise: caminhos e percalços. Dance, Education and Psychoanalysis: paths and difficulties. Campinas: Doutoranda do Programa de Pós Graduação do Instituto de Artes do Departamento de Artes da Cena - UNICAMP; orientadora Professora Doutora Cassia Navas Alves de Castro.


RESUMO:
Este trabalho é um desdobramento do mestrado concluído no ano de 2010 cuja reflexão levou-nos ao lugar do professor no processo de ensino-aprendizagem da dança, mais especificamente,da dança flamenca. A partir de laboratórios corporais realizados com um grupo de alunas, foi se construindo a posição do professor enquanto mestre-mediador, responsável por apontar caminhos, sinalizar possibilidades e suportar a angústia de não ser todo-Mestre.
Podemos entender aqui o mestre como destituído de um saber absoluto sobre o corpo e a criação das alunas, almejando levá-las à criação de algo cuja origem e término deveriam vir por elas mesmas, e não pelo mestre. Estamos falando, então, de um saber rígido, compacto, sem brechas, excluindo qualquer lugar para a falta.
Essas questões, devidamente subsidiadas pela leitura psicanalítica, foram contornando o olhar da pesquisa, o direcionamento da atuação do professor como espelho e anti-reflexo do aluno em aula, e, posteriormente em cena. Um professor não-todo, com fendas e falhas que, como acontece no amor, oferece ao seu aluno aquilo que não tem, a fim de que o aluno possa, por meio do empréstimo da imagem do professor, oferecer seu corpo em ação, sem censura, sem resistência, sem saber.

Palavras-chave: Imagem Corporal. Transferência. Dança Flamenca e Psicanálise.

ABSTRACT:
This paper is a follow up study of the Master's degree obtained in 2010 whose development led us to specify the role of the teacher in the teaching and learning of dance, more specifically, the flamenco dance. Laboratories of the body, conducted with a group of students, have revealed the teacher position as a master-mediator, responsible for pointing out paths, sign a ling possibilities and enduring the angstof not being all-Master.
We can understand here the teacher as devoid of an absolute knowledge about the body and the creation of the students, aiming to bring them to reveal something whose origin and end should come from themselves, and not from the master. We are talking, then, about a compact, without gaps drive to know, excluding faults and failures.
These issues were subsidized by the psychoanalytical profile of the research process directing the teacher's performance as a mirror and anti-reflex of the students in class, and later on the scene. A teacher not-all with cracks and flaws that, as it occurs in love, offers to the students what (s) he does not have so that he students can, by means of the loan of the teacher´s image, offer their body in action, uncensored, without resistance, without preconceptions.

Keywords: Body Image. Transference. Flamenco Dancing and Psychoanalysis.

BRITTO, Waleska Lopes de Almeida. O Silêncio na Dança. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro; professor assistente.

RESUMO
O presente ensaio tem como objetivo investigar o urgir do silêncio no movimento. A presentificação deste se dá no exercitar do questionamento, cuidando dele para que todo mover seja a interpretação como escuta e fala do silente no corpo-intérprete. A metodologia consiste na busca de tornar presença – nomear – a dinâmica silenciosa que torna todo movimento possível. A argumentação teórica é baseada no olhar de Felipe Forain sobre o silêncio e também parte do pensamento de Igor Fagundes acerca da referência entre ser e dança. Tanto Forain quanto Fagundes dialogam com a obra filosófica de Martin Heidegger. Dessa maneira, a potência do interpretar nasce da imediata ação disto que se faz presente, do que – como presença – se põe.

Palavras-chave: Silêncio. Intérprete. Movimento. Presença.

ABSTRACT
This study aims to investigate the urgency of silence in the movement. Silence makes itself present in the exercise of questioning, which requires attention so that every movement can be made as an interpreting activity of listening and speaking of the silent in the performer-body. The methodology seeks to turn into presence the silent dynamics that make every movement possible – in other words, give them a name. The theoretical argumentation is based on Felipe Forain’s analysis of silence as well as Igor Fagundes’ reflections on being and dance. Both Forain and Fagundes establish a dialogue with the philosophical work of Martin Heidegger. Thus, the power of interpretation comes from the immediate action of what is made present, what – as presence – is put.

Key words: Silence. Performer. Movement. Presence.

BURATTO, Ana Clara. ENSINO DE DANÇA E CRIAÇÃO ARTÍSTICA EM PROJETOS SOCIAIS: o caso do Quik Cidadania. São João del-Rei: Universidade Federal de São João del-Rei (UFSJ); Mestranda no Programa de Pós-Graduação em Educação Processos Socioeducativos e Práticas Escolares; Orientador: Dr. Gilberto Damiano. Bailarina e professora.

RESUMO
Esta investigação surge do interesse pelo diálogo entre dança, educação e criação artística, especialmente pelo trabalho do projeto Quik Cidadania, desenvolvido pela Quik Cia de Dança, em Nova Lima-MG. Anualmente, o projeto realiza um espetáculo desenvolvido coletivamente. Nesse cenário, o objetivo da pesquisa consiste em investigar como se dão as relações entre o ensino de dança e criação artística, considerando as tensões existentes entre as características educativas e sociais daquele contexto e as concepções artísticas presentes no mesmo. Para tanto, foi acompanhado o processo de criação do espetáculo “De Lírios, Memórias e Quintais”, em 2012. A metodologia, de cunho qualitativo, é um estudo de caso. Considera-se que o processo educativo observado relaciona-se diretamente às concepções artísticas do proponente do projeto. Fica clara a existência de tensões entre aspectos educacionais e artísticos, determinadas por uma proposta que leva em consideração a diversidade e abriga alunos com conhecimentos diferentes em dança, de idade e perfis variados. Cabe destacar a utilização de mecanismos democráticos para a criação artística, que buscam valorizar os participantes sem descuidar de um resultado estético de qualidade, dentro da realidade possível.
Palavras-chave: Dança.Educação.Criação artística.Projetos sociais

ABSTRACT
This research has emerged from the interest in a dialogue between dance, education and artistic creation, especially for the social project “Quik Cidadania, developed by Quik Companhia de Dança in Nova Lima-MG. Every year the project performs a dance spectacle developed collectively. In this perspective, the goal of this research is to investigate the relationship between dance teaching and artistic creation, considering the tensions between the educational and social characteristics of that context, and artistic concepts present in the project. So, the creation process of the spectacle “De Líros, Memórias e Quintais” was accompanied in 2012. The qualitative methodology constitutes a case study. It was observed that the educational process was directly related to the artistic conceptions of the project proponent´s. It is clear that there are tensions between artistic and educational aspects, determined by a proposal that takes into account the diversity, and involves students with different knowledge in dance, of varied age and profiles. Notice that it was realized the use of democratic mechanisms for artistic creation, seeking to enhance the participants without neglecting the quality aesthetic result, inside the possible reality.
Keywords: Dance.Education. Artistic creation. Social Projetc

CÁLIPO, Nara. RODRIGUES, Graziela. Eixo-Guna: A Dinâmica da Transformação. Campinas: UNICAMP; FAPESP; bolsa de doutorado; UNICAMP; doutorado; Graziela Rodrigues. Bailarina-Pesquisadora-Intérprete.

RESUMO
No método Bailarino-Pesquisador-Intérprete, se tem a representação do Mastro Votivo na Estrutura Física e Anatomia Simbólica como um elemento que auxilia na manutenção do eixo do intérprete, em seu dinamismo postural, bem como proporciona integração cima e embaixo. No terecô (manifestação religiosa agrária) se tem a Guna, mastro localizado ao centro do salão no qual se dança ao redor nos rituais. Ela simboliza a firmeza do terreiro e representa para os “baiadores” uma conexão com os encantados (entidades espirituais). No artigo a seguir, será abordada a dinâmica eixo-guna proposta à autora nos laboratórios práticos dirigidos pela diretora Graziela Rodrigues, que proporcionou, junto a um conjunto de direções precisas, o fluxo do processo criativo em um sentido integrativo.

Palavras-chave: Bailarino-Pesquisador-Intérprete. Processo Criativo. Guna. Terecô.

ABSTRACT
In the method Dancer-Researcher-Interpreter, there is the representation of the Votive Mast in Physical Structure and Symbolic Anatomy as elements that helps to maintain the axis of the interpreter in its dynamic postural and provides integration up and down. In terecô (religious agrarian manifestation) there is the Guna, mast located at the center of the hall in which people dance around in rituals. It symbolises the strength of the yard and, for "baiadores", it represents a connection with the enchanted (spiritual entities). In the following article, the axis-guna dynamic will be addressed. It was proposed to the author in labs directed by Graziela Rodrigues, which provided, along with a set of precise directions, the flow of the creative process in an integrative way.

Keywords: Dancer-Researcher-Interpreter. Creative Process. Guna. Terecô.

CAMPOS, Flávio; RODRIGUES, Graziela. As noções e definições de estética no método Bailarino-Pesquisador-Intérprete. Campinas: UNICAMP; doutorando; bolsista FAPESP; Dra. Graziela Rodrigues. Bailarino-Pesquisador-Intérprete.

Método BPI: Estética: Processo criativo: Análise de Espetáculos

É possível afirmar que o método Bailarino-Pesquisador-Intérprete possui uma estética específica? Qual seria essa noção estética e como ela é elaborada? A estética é produto ou matéria-prima do Processo BPI? Estas são algumas perguntas que motivaram o estudo de doutorado em andamento na Pós Graduação em Artes da Cena da UNICAMP e que tem como objetivo averiguar e analisar a existência de uma noção estética própria do método BPI. O texto que se segue, apresenta este projeto de estudo descrevendo seus objetivos, as etapas metodológicas e os referenciais teóricos que amparam e estruturam a análise proposta. Este projeto de doutorado está sob a orientação e direção artística da criadora do método BPI, Dra. Graziela Rodrigues, e possui financiamento da FAPESP.

BPI Method: Aesthetic: Creative process: Performance analysis

Is possible to affirm that the Method Dancer-Researcher-Performer (BPI) has a specific aesthetic? Which aesthetic notion would be that and how is it elaborated? Is that aesthetic a product or a basic material of the process BPI? Those are some of the questions that motivated my PhD´s research that is in course at the Post-graduate Program in Scenic Arts at UNICAMP. It has the purpose to investigate and to analyze the specific and particular aesthetic notion of the BPI Method. The paper shows the research project describing its purposes, methodological process and theoretical references that support and structure the analysis intended. Such PhD project is being supervised and counting with the artistic direction by the BPI Method´s creator, Dr. Graziela Rodrigues. It is financially supported by FAPESP.

CARVALHO, Eliane. O Corpo- poiético: agenciamentos da palavra poética na criação do gesto dançado. Rio de Janeiro: UFF. Mestranda; PPGCA- UFF; dissertação em preparação para qualificação; orientação Beatriz Cerbino; bailarina e coreógrafa.

RESUMO
O presente trabalho investiga a possibilidade da existência de um corpo-poiético a partir de agenciamentos da palavra poética e do gesto dançado na corporeidade do intérprete-criador. A pesquisa propõe que é possível amplificar os estados de criação através do estreitamento da relação corpo-palavra. Como fundamentação teórica para esta investigação foram utilizados os conceitos de agenciamento e acontecimento, dos filósofos Gilles Deleuze e Félix Guattari, corpo-paradoxal, desenvolvido pelo filósofo José Gil, e ainda a definição de pré-movimento apresentada pelo professor Hubert Godard. A pesquisa também propõe uma investigação empírica com a realização de um laboratório com a participação de sete bailarinos com diferentes históricos corporais e trajetórias artísticas. A Educação Somática foi uma das bases de elaboração dos exercícios propostos no Laboratório junto com improvisações baseadas na Categoria Esforço de Laban. Foram realizados encontros de experimentação no Laboratório do corpo-poético, que foi realizado em duas fases. A partir desta experiência realizada no Laboratório foi realizada uma Performance do Corpo Poiético no museu de Arte Contemporânea de Niterói-MAC em junho de 2013.
Palavras – Chave: dança: gesto: educação somática: corpo paradoxal.

Resumé

Cet article étudie la possibilité de la existance d’un corps-poiétique de assemblages de la parole poétique et le geste dansé dans la corporéité interprète-créateur. La recherche suggère qu'il est possible d'amplifier les états de la création par le rétrécissement du corps-parole. Comme base théorique de cette recherche ont été utilisés les concepts d'agence et d'événements, des philosophes Gilles Deleuze et Félix Guattari, corps paradoxal, développé par le philosophe José Gil, et même la définition de pré-mouvement présenté par le professeur Hubert Godard. La recherche propose également une enquête empirique avec l'achèvement d'un laboratoire avec la participation de sept danseurs avec différentes trajectoires historiques et de l'art corporel. L'éducation somatique est une des bases de la préparation du Laboratoire des exercices proposés avec des improvisations basées sur l'effort Catégorie Laban. Des réunions ont eu lieu dans le laboratoire d'expérimentation corps poétique, qui a été menée en deux phases. Cette expérience a été réalisée au laboratoire effectué une performance du corps-poiétique dans le musée d'art contemporain de Niterói-MAC en Juin 2013.

Mots - clés: danse: geste: éducation somatique: corps paradoxal.

CARVALHO, M. R.R. Processos de criação artística em dança: traços da formação da obra a partir da leitura Pareyson. Manaus: Universidade do Estado do Amazonas; Docente Pesquisador.

RESUMO

Este estudo apresenta pressupostos teóricos sobre criação a partir das concepções de Pareyson (1993), o qual foi selecionado como referencial para esta pesquisa, por compreender o próprio processo de criação de uma forma multifacetada e por considerar que, no processo de formação do artista ou artista-docente de dança, deve-se possibilitar informações que gerarão diferentes reflexões teórico-práticas, além de diferentes propostas de processos e configurações em dança. O interessante desse autor é que discute em seu estudo aspectos relevantes da natureza da criação. Daí a contribuição de suas perspectivas teóricas sobre processos criativos para formação da obra em dança.

Palavras-chave: Processo de criação. Formatividade. Dança

ABSTRACT

This study presents theoretical assumptions about Creation from the conceptions of Pareyson (1993), which was selected as referential for this research for understanding the actual process of creating in a multifaceted way, and for considering that in the formation process of the artist, or artist-teacher of the dance, informations to generate theoretical and practical reflections have to be enabled, besides of different processes and configurations proposals in dance. The interesting point from that author is the fact of he argues in his study the relevant specs of nature of the creation. From that point comes the contribution of his theoretical perspectives about the creative processes, for the formation of the work in dance.

Keywords: Creation process. Formativity. Dance

CASTRO, Caroline Konzen. Dança Clássica: da origem à profissionalização. Belo Horizonte: Centro Federal de Educação Tecnológica de Minas Gerais. Mestranda do Programa de Pós-Graduação em Estudos de Linguagens do Centro Federal de Educação Tecnológica de Minas Gerais (POSLING-CEFET-MG); bolsista CAPES; orientadora: Profª. Drª. Olga Valeska. Professora e Bailarina.

RESUMO

Sobre a codificação e o registro do ordenamento próprio de uma aula de balé têm-se, atualmente, sete métodos legitimados tais como: a Escola Francesa, a Escola Dinamarquesa ou o Método Bournonville, a Escola Italiana ou Método Cecchetti, a Escola Inglesa ou Método Royal Academy of Dance (R.A.D.), a Escola Russa ou Método Vaganova, a Escola Americana ou o Método Balanchine, a Escola Cubana ou o Método Cubano. Devido à diversidade cultural respectiva a cada nação em que a arte do balé foi desenvolvida, ela adquiriu diferentes abordagens e particularidades próprias a cada Escola/método. Este trabalho tem como objetivo fazer uma análise interpretativa do processo de transformações ocorridos na configuração da dança clássica, desde a sua origem até a legitimação das Escolas/Métodos de balé.
Palavras-chave: Balé Clássico. Métodos de Balé. Ensino e profissionalização.

Abstract: About coding and registration of spatial own a ballet class have been currently seven methods legitimized such as the French School, the School or the Danish Bournonville Method, the Italian school or Cecchetti Method, the English School or Royal Method Academy of Dance (RAD), the School or Russian Vaganova method, the American School or Balanchine method, the Cuban School or Cuban method. Due to its cultural diversity to every nation in the art of ballet has been developed, it acquired different approaches and particularities of each school / method. This paper aims to analyze the interpretative process transformations occurred in the configuration of classical dance, from its origin to the legitimation of Schools / Methods ballet.
Keywords: Classical Ballet. Methods Ballet. Teaching and professionalization.

CAVRELL, Holly. Preenchendo o Vão: Transformações na Dança Moderna (1940 – 1960). Campinas: Unicamp. Unicamp; Professora Plena. Professora, Pesquisadora e Coreógrafa

Dança Moderna. Transição. Transformação.

Não é incomum uma nova geração cutucar ideias da geração anterior. Foi este o caso na Dança Moderna, com uma alteração clara, da emoção à movimentação: a continuidade da Guerra Fria entre os Estados Unidos e a URSS e um medo do socialismo e do comunismo deu a tudo um ar sombrio, inclusive à Dança. Quando a dança passa a existir unicamente pelo propósito de imitação de um modelo de sucesso ou criação de movimento indistinto entre coreógrafos, este é um sinal de que o momento é propício à mudança. O que era considerado moderno tornava-se uma forma institucionalizada de arte, aparecendo como modelo para currículos escolares e universitários, resultando em fórmulas codificadas que enrijeciam a criatividade. Os artistas que buscavam controle e identidade dentro do Movimento da Dança Moderna analisavam excessivamente seu trabalho e contradiziam a própria essência das instâncias que o movimento intencionara conquistar. O espírito de romper as regras foi substituído por um conformismo segura. Ao observar este período é possível compará-lo com os artistas de hoje cuja tendência a seguramente imitar os modelos e ter menos riscos no trabalho é relativo ao medo de não ser empregado.

Modern Dance. Transition. Transformation

It is not unusual for a new generation to poke holes in the ideas of the previous one. In the case of Modern Dance the shift was clear, emotion to motion: the ongoing Cold War between the United States and the Soviet Union and a fear of socialism and communism, cast a cold spell on everything, dance included. When dance begins to exist solely for the purpose of imitating a successful model or creating movement that becomes indistinguishable from one choreographer to another, this is a signal that the time is ripe for a change. What was considered modern was becoming an institutionalized art form, appearing as a model for university and school curriculum, resulting in codified formulas, which stifled creativity. Artists that looked for control and an identity within the Modern Dance movement over- analyzed their work, and contradicted the very essence of the agencies they had meant to conquer. In imitating art dance becomes a monotony of resemblances and the norm becomes a prison. In observing this period it is possible to compare it with artists today whose tendency to safely imitate models and take fewer risks in their work is relative to their fear of not being employed.

CAZÉ, Ana Flávia J. O. DANÇA SALVADOR: TRAJETOS DA DANÇA NA REDE PÚBLICA MUNICIPAL DE ENSINO EM SSA/BA. Salvador: Escola Municipal Santa Rita; professora. PPGDança/UFBA; Mestrado; Professora Orientadora: Dulce Tamara Lamego Silva.
 

O artigo discute a realidade dos professores concursados nas escolas de Educação Infantil e Fundamental da Rede Municipal de Ensino em Salvador–BA, quanto à inserção da Dança como linguagem específica da disciplina Arte. Apresenta as conquistas e dificuldades cotidianas encontradas por este profissional nas escolas. Para a realização deste estudo que integra minha pesquisa do Mestrado em Dança/UFBA, escolas pertencentes à Rede Municipal de Educação em Salvador serão mapeadas. O objetivo deste mapeamento é identificar as escolas que possuem professores de Dança lecionando em sua área de formação. Alguns aspectos são analisados, como se dá a prática nestas escolas e as condições que estas ocorrem. O suporte teórico deste artigo parte de autores como, Isabel Marques, Márcia Strazzacappa, Rudolf Laban, a LDB e os PCNs de Arte. A partir dos autores e dados é possível refletir sobre a concepção do ensino de Dança, suas interfaces teórico/prática nas escolas e a visão da Secretaria Municipal de Educação de Salvador, observando os aspectos históricos, sociais, culturais e políticos que levam ao quadro vigente encontrado neste tempo-espaço de aprendizagem e os entraves observados que levam professores concursados a atuarem fora da especificidade de sua área de formação.

Palavras-chave: Dança, Educação, Escola.
 
DANCE SALVADOR: PATHS OF DANCE IN PUBLIC EDUCATION IN SSA / BA
ABSTRACT
ABSTRACT: The article discusses the reality of the gazetted teachers in schools of Elementary Education of Municipal Schools in Salvador-BA, as the inclusion of dance as a language-specific art discipline. Presents the achievements and difficulties encountered daily by this professional schools. For this study that integrates my research Masters in Dance / UFBa, schools belonging to the Municipal Education in Salvador will be mapped. The objective of this mapping is to identify schools that have teachers teaching dance in their area of training. Some aspects are analyzed, how is the practice in these schools and the conditions they occur. The theoretical basis of this article from authors like Isabel Marques, Marcia Strazzacappa, Rudolf Laban and the LDB and PCNs Art. From the authors' data and can reflect on the design of teaching dance, their interfaces theory / practice in schools and the vision of the Municipal Education Salvador, noting the historical, social, cultural and political factors that lead to the existing framework found this space-time learning and barriers observed that lead teachers to act outside the gazetted specificity of your training area.

Keywords: Dance, Education, School

CERBINO, Beatriz. Autoria em dança: algumas considerações. Niterói: Universidade Federal Fluminense; professora adjunta.

RESUMO

Pierre-Joseph Proudhon, em seu livro Qu'est-ce que la propriété?, de 1841, criticou a ideia de propriedade, afiançando que ela era “le suicide de la société”. De lá para cá foram muitos os escritos que trataram desta questão, em especial no que diz respeito aos bens materiais. Contudo, são poucos os que se dedicam a pensar sobre os produtos artísticos.
A fim de iniciar o debate, toma-se como ponto de partida a noção de autor para refletir sobre a dança cênica e sua relação com autoria no mundo contemporâneo. Neste sentido, refletir acerca do acesso à cultura, especificamente aos produtos artísticos, é fundamental a fim de contribuir para o debate que envolve propriedade intelectual, direito de autor e circulação de bens imateriais.
O acesso à informação é fundamental para que coreógrafos e bailarinos possam criar e o público usufruir de espetáculos. Logo, a dança cênica precisa circular. Atualmente são muitos os fundos e fundações que cuidam de acervos de coreografias o que tem restringindo a circulação em nome da preservação da obra. Trata-se, portanto, de refletir como tais questões relacionam-se e pensar acerca do acesso à cultura. Além disso, há importantes discussões no campo da videodança que envolvem o direito de autor, justamente pelo deslocamento em curso da noção de autoria, o que igualmente merece ser aprofundado.

Palavras-chave: Dança cênica. Autoria. Propriedade.


ABSTRACT

Pierre-Joseph Proudhon, in his book Qu'est-ce que la propriété?, of 1841, criticized the idea of ownership, securing it was "le suicide de la société." Since then there were many writings that dealt with this issue, especially with regard to material goods. However, few still dedicated to reflect on the artistic products.
To start the debate, takes as its starting point the notion of the author to reflect on dance and its relationship with authorship in the contemporary world. In this sense, study on access to culture, specifically the artistic products, is essential to contribute to the debate involving intellectual property, copyright and circulation of intangible property.
Access to information is essential so choreographers and dancers can create and the public enjoy public performances. Therefore, scenic dance needs to circulate. Currently there are many funds and foundations that care for collections of choreography which has restricted their circulation in the name of preserving the work. In this sense, it is important to reflect on those issues and link them to access to culture. In addition, there are important discussions in the field of video dance involving copyright, just by the displacement of the current notion of authorship, which also should be further investigated.

Key-words: Dance. Authorship. Property.

CONZ, Rosely. Resquícios e Rosas: as memórias na criação em dança contemporânea. Campinas: Universidade Estadual de Campinas – UNICAMP. Bolsista CAPES; mestrado; Júlia Ziviani Vitiello. Bailarina, coreógrafa e professora de dança.

Memória Corporal, Criação de coreografia, Educação Somática

Esta pesquisa observou como as memórias criam padrões, formas e maneiras singulares de relacionamento com o processo criativo. Este trabalho se desdobrou na articulação entre teoria e prática, dois aspectos fundamentais para o artista na universidade. A criação de um solo de dança contemporânea tornou-se um meio e também um dos objetivos desta pesquisa. O reconhecimento das memórias desta pesquisadora possibilitou a reflexão sobre o ensino e prática da técnica do ballet clássico, técnica esta frequentemente utilizada nos processos de formação em dança. O método somático da Ideokinesis foi escolhido para instrumentalizar a observação e a mudança dos padrões de movimento que são parte das memórias de procedimento. Clarice Lispector constituiu o referencial poético para a criação e a escrita da dissertação. Buscou-se a leveza, o humor e a intensidade com que esta importante escritora conta suas lembranças no livro de crônicas “A descoberta do mundo” (1999). Os procedimentos técnicos e criativos utilizados e desenvolvidos, bem como os encontros, descobertas, dificuldades, inspirações e transpirações desse processo fazem parte da discussão apresentada nessa pesquisa.

Body-memory, Choreographic Creation, Somatic Education.

This research observed how memories create patterns, shapes and unique ways of interaction with the creative process. This work was developed among theory and practice, two fundamental aspects for the artist at the university. The creation of a contemporary dance solo has become the means and also one of the objectives of this research. The recognition of the researcher’s memories enabled a reflection on teaching and practice of classical ballet technique, which is often used in the educational processes in dance. The somatic method of Ideokinesis was chosen as an observation tool that allowed us to change movement patterns that are part of procedural memories. The author Clarice Lispector constituted the poetic reference. It was sought for the delicacy, humor and intensity with which the writer told her memories in the book of chronicles "A descoberta do mundo" (1999). The methods and techniques used and developed during the choreographic creation as well as the encounters, discoveries, difficulties, inspirations and perspiration are part of the process of the discussion presented in this research, which seeks to be written, like the solo dance, as an artistic work.

CÔRTES, Gustavo1,3; SANTOS, Inaicyra Falcão dos2,3; A Tradução da Tradição: Possibilidades de construções teóricas na análise de obras e processos de criação em danças brasileiras. Campinas: Universidade Estadual de Campinas. 1 Professor de Dança Efetivo do Departamento de Educação Física da Universidade Federal de Minas Gerais; Bolsista CAPES (Pró-Doutoral), realizando doutorado na Universidade Estadual de Campinas/Université Paris VIII Saint Denis. 2 Livre-Docente pela Universidade Estadual de Campinas; Coordenadora do Grupo Interdisciplinar de Estudos Rituais e Linguagens. Bolsista CAPES, realizando doutorado na Universidade Estadual de Campinas. 3 Grupo Interdisciplinar de Estudos Rituais e Linguagens.

Tradução. Tradição. Danças brasileiras. Processos de criação.

Na atualidade, o estudo das danças brasileiras passou a ser um campo de investigação e pesquisa nos programas de pós-graduação em Artes da Cena sob múltiplos olhares. Este artigo visa desenvolver, a partir do reconhecimento teórico advindo do campo de estudos da Traductologia, um percurso metodológico para trabalhos interpretativos em danças brasileiras através da tradução cênica de manifestações tradicionais culturais. Desta forma, os diálogos entre as Artes da Cena e os estudos da Teoria da Tradução poderão fornecer elementos e novas possibilidades para análises dos processos criativos de grupos ou intérpretes que trabalham com as danças brasileiras. Esta relação de transposição artística entre a cena e o campo será designada neste trabalho como Tradução da Tradição.

La traduction. Tradition. Danses brésiliennes. Processus de création.

À l'heure actuelle, l'étude des danses brésiliennes est devenu un domaine de recherche dans les programmes d'études supérieures en arts de la scène dans le multiples regards. Cet article vise à développer, à partir de la reconnaissance théorique provenant du champ des études de la Traductologia, une approche méthodologique pour le travail interprétatif sur les danses brésiliennes à travers la traduction scénique des expressions culturelles traditionnelles. Ainsi, le dialogue entre la scène artistique et la théorie des études de traduction peut fournir des éléments et de nouvelles possibilités pour l'analyse des processus créatives des groupes ou d'interprètes que travaillant avec les danses brésiliennes. Cette relation entre la transposition artistique de la scène et le terrain sera désigné dans ce travail de Traduction de la Tradition.

COSTA, Elisa M. RODRIGUES, Graziela E. F. A dinâmica do parto no processo criativo do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI): um aprofundamento sobre a relação diretor-intérprete e sua importância no nascimento da dança. UNICAMP; Bolsa FAPESP; Doutorado em Artes da Cena; Orientação da Profa. dra. Graziela Rodrigues.

Bailarino-Pesquisador-Intérprete, Processo Criativo, Parteiras tradicionais, Relação diretor-intérprete.

Apresentamos aqui um projeto de Doutorado que partiu das seguintes perguntas: qual a singularidade da relação entre diretor e intérprete no método BPI? E qual a importância dessa singularidade para o intérprete e para a produção em artes da cena? Dentre as ações que compõem a metodologia deste projeto, já foi realizada uma pesquisa de campo junto a parteiras tradicionais da etnia Pankararu, com o intuito primeiro de aprofundar uma analogia já utilizada no método, onde o papel do diretor é comparado à função de uma parteira. Através deste campo, também foi realizado o eixo Co-habitar com a Fonte, a partir do qual está sendo desenvolvido um processo criativo no Método BPI, dirigido pela criadora do Método, a profa. dra. Graziela Rodrigues, para depurar, na prática, as singularidades da relação entre diretor e intérprete. Destaca-se, aqui, a importância de um pesquisador que seja artista e participante. Há também outras ações propostas por este projeto, para aprofundar os significados presentes na relação diretor-intérprete, como, por exemplo, a observação de outros processos do BPI e também a comparação do BPI com outros métodos e processos das artes da cena.

Bailarino-Pesquisador-Intérprete, Creative Process, Traditional Midwives, Relationship between director and performer.

This Doctoral project has started from these issues: what is the uniqueness of the relationship between director and performer in the Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI) method? And what is the importance of this uniqueness to the interpreter and to the production in the performing arts? Among the shares that comprise this project's metodology, we have carried out a field research with traditional midwives Pankararu. Firstly, it aims to deepen an analogy that is often used in the BPI method: the role of the director is compared to the role of a midwife. Secondly, through this field research, we are also conducting the axis “co-inhabiting with the source”, from which is being held a creative process in the BPI method. We want to debug, in practice, the singularities of the relationship between director and performer, highlighting the importance of a researcher who is also an artist and participant. To deepen the meanings present in the relationship between director and performer, there are also other actions proposed by this project, such as the observation of other processes in BPI and also to compare this method with other methods and process of the arts scene.

COSTA, Panmela. Corpo que dança, corpo em conflito: a dança em Uberlândia na década de 1990. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia; bolsista Capes; Universidade Federal de Uberlândia; mestranda; Orientador Prof. Dr. Luiz Humberto Martins Arantes.
RESUMO
Meu interesse nesse artigo é apresentar os conflitantes olhares que surgiram quando quatro bailarinas mudaram de companhias de dança na cidade de Uberlândia, na década de 1990. Inicialmente, elas integravam o grupo Vórtice, dançando coreografias de João Aur, Tíndaro Silvano e Cisco Asnar, sob direção de Guiomar Boa Ventura. Nos últimos anos dessa década, Gigliola Mendes, Juliana Penna, Alcinete Sammya e Vanessa Pádua, entre outros deixaram o grupo para a Uai Q Dança cia do Triângulo Mineiro, encarando novas concepções de criação em dança manifestadas pelas coreografias de Katto Ribeiro, Cláudia de Souza e Fernanda Bevilaqua, também diretora da companhia. Em especial, o espetáculo de dança contemporânea “Todo cais é uma saudade de pedra” (2001), revelou-se um marco para elas pelo processo de criação, do qual nunca haviam experienciado antes. No artigo pretendo mostrar, a partir olhar da história oral, as razões pelas quais esse momento é representativo para a Uai Q Dança cia e para o cenário da dança contemporânea de Uberlândia.
PALAVRAS-CHAVE: Uberlândia – dança contemporânea – Uai Q Dança cia – Vórtice
ABSTRACT
My aim in this paper is to show the conflicting points of views that has emerged from the dance companies changes made by four dancers in Uberlândia city, in the 1990s. Initially they was part of Vórtice group, dancing João Aur, Tíndaro Silvano and Cisco Asnar's coreographies, under the direction of Guiomar Boaventura. In the late 1990s, Gigliola Mendes, Juliana Penna, Alcinete Sammya and Vanessa Pádua, among others left the group and started to dance with Uai Q Dança cia do Triângulo Mineiro, facing new ways of creation in dance expressed by Katto Ribeiro, Cláudia de Souza and Fernanda Bevilaqua's coreographies, this last one director of the company. In particular, the contemporary dance piece “Todo cais é uma saudade de pedra” (2001), which has marked them for its completely different creative process, until then they have never experienced before. In this paper I intend to show, based on the oral history metodology, the reasons why this is an important moment to Uai q Dança cia and the contemporary dance scene in Uberlândia.
KEYWORDS: Uberlândia – contemporary dance – Uai Q Dança cia – Vórtice

CURVELO, Marília. MATOS, Lúcia. A Dança nas escolas de Ensino Médio da rede pública estadual de Salvador. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Programa de Pós Graduação em Dança; Mestrado em Dança; Orientadora: Lúcia Helena Alfredi de Matos.

RESUMO

Esta comunicação apresenta resultados da pesquisa que teve como objetivo discutir a presença da dança nas escolas de Ensino Médio da rede pública estadual de Salvador partindo de recortes historiográficos sobre propostas do Ensino Médio e do ensino das Artes e da Dança, presentes no sistema educacional brasileiro e da Bahia, mais especificamente. Esta pesquisa, de abordagem qualitativa, se configurou como uma pesquisa exploratória (GIL, 2008) e propõe a análise das atuais formas de inserção da Dança no Ensino Médio. Os dados revelam que existem poucas iniciativas de dança nas escolas de Ensino Médio da rede estadual em Salvador, e que estas são pequenos focos de resistência para o ensino da Dança nesse nível de educação. Essas proposições permanecem na invisibilidade do Sistema Educacional, que estimula a hierarquização dos saberes (SANTOS, 2007), não favorece a sua inserção na matriz curricular das escolas e nem o reconhecimento dessa linguagem artística como área de conhecimento.

Palavras chave: Ensino da Arte. Dança. Ensino Médio. Escola Pública.

ABSTRACT

This communication presents results of research aimed to discuss the presence of dance in State Secondary Schools in Salvador, based on the historiographical clippings on Secondary School Education and proposals for teaching Arts and Dance, present in the Brazilian educational system, and, more specifically in Bahia. The research undertaken was qualitative and is characterized as exploratory research (GIL, 2008) and proposes to analyze the existing ways of including dance in Secondary School education. The data identified that there are very few dance initiatives in Secondary Schools in the State Educational system in Salvador, and that, these are small focuses of resistance for teaching dance at this educational level. These propositions remain invisible in the Educational System, which encourages a hierarchy of knowledge (SANTOS, 2007), and does not favor their inclusion in the school curriculum or recognition of this artistic language as an area of knowledge.

Keywords: Teaching Art. Dance. Secondary School. State Schools. Salvador.

DANTAS, Mônica Fagundes. Fenômenos identitários e suas relações com a produção coreográfica atual. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Professora Adjunto. Dançarina.

RESUMO

A tendência à globalização provoca um descentramento das identidades culturais, perturbando os processos identitários mais ou menos estáveis da modernidade. À medida em que a vida social torna-se mais arbitrada pelo mercado global dos estilos, das imagens, pelos fenômenos de imigração, as identidades se descolam de tempos, lugares e tradições específicas e parecem flutuar livremente. As pessoas podem escolher entre uma gama de identidades diferentes, que não se excluem e que podem ser encarnadas ou desencarnadas segundo suas necessidades. Partindo desses pressupostos, a presente comunicação tem por objetivo refletir sobre fenômenos identitários na contemporaneidade, relacionando-os ao corpo e à dança, com o intuito de elaborar referenciais que permitam avançar na análise de obras coreográficas que se propõem a desestabilizar representações sociais de corpo, de cultura, de gênero, de pertencimento. Como as experiências de desterritorialização, de deslocação, de descentramento marcam os corpos e suas formas de expressão? Como a produção coreográfica contemporânea dialoga com esses fenômenos? Foram escolhidas, para um primeiro exercício de análise, as seguintes obras de coreógrafos brasileiros: O samba do crioulo doido (Luiz de Abreu, 2004); Tempostepegoquedelícia (Eduardo Severino Companhia de Dança, 2011); In-organic (Marcela Levi, 2007).

Palavras-chave: corpo; dança contemporânea; fenômenos identitários

RÉSUMÉ

À mesure que la vie sociale devient de plus en plus arbitrée par le marché global des styles, des lieux, des images, par les voyages internationaux, par les systèmes de communication globale, les identités se détachent des temps, des lieux, des histoires et des traditions spécifiques et elles paraissent alors fluctuer librement. Les personnes peuvent choisir entre une gamme d'identités différentes, qui ne s’excluent pas, et qui peuvent être incarnées ou désincarnées selon les besoins. En partant de ces présupposées, cette communication a pour but de réfléchir sur les phénomènes identitaires dans la contemporanéité, en rapport avec le corps et la ta danse, pour élabores des références pour l’analyse des œuvres chorégraphiques qui se proposent à déstabiliser des représentations sociales de corps, de culture, de genre, d’appartenance. Pour un premier exercice d’analyse, an a choisi des œuvres des chorégraphes contemporains brésiliens, à savoir : O samba do crioulo doido (Luiz de Abreu, 2004); Tempostepegoquedelícia (Eduardo Severino Companhia de Dança, 2011); In-organic (Marcela Levi, 2007).

Mots-clés : corps ; danse contemporaine ; phénomènes identitaires

DINIZ, Isabel Cristina Vieira Coimbra. Dança na Mochila - Missão França: Andanças Poéticas. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais. Docente na UFMG. Doutoranda Pós-Lin/UFMG, orientadora: Ana Cristina Ficke Matte. Bolsista PDSE-CAPES 0030-12-0. Produtora, Professora, Dançarina e Coreógrafa. bel.coimbra@hotmail.comREGO,Isa Sara. Salvador: Universidade Federal da Bahia. Bailarina e Professora de Dança. isasara5@hotmail.com.

RESUMO
A Dança na Mochila – Missão França, faz parte do projeto de pesquisa da Professora Isabel Coimbra desenvolvido durante seu Estágio Doutoral, na Universidade Sorbonne - Paris IV na França. Com o objetivo de investigar o discurso da dança a partir da análise semiótica de Le Sacre du Printemps coreografada por Vlaslav Niginsky em 1913 e por Pina Bausch em 1984 o projeto foi desenvolvido em andanças por Paris e outras cidades francesas. As intervenções de dança foram registradas em vídeo e fotografia disponibilizados no blog dancanamochila.wordpress.com, possuindo um caráter inicial de registro. Foi uma ação plástica de ocupação do espaço e do tempo, pela dança e por um tecido vermelho em alusão aos signos morte vs vida presentes em Le Sacre du Printemps, que surgiu pigmentando a paisagem, produzindo textos poéticos em que o sangue, a morte e a vida se fundiram em sentidos. Para finalização e conclusão deste projeto, foi organizada uma Instalação de fotografia e videodança intitulada Voile Dansant: États d’Esprit que aconteceu em Paris na Galeria Pavê d’Orsay em junho de 2013. Esta pesquisa está fundamentada principalmente na semiótica francesa de Algirdas Julien Greimas.
Palavras-chave: Dança; Linguagem; Semiótica; Ciberespaço; Videodança

EARP, Ana Célia Sá. Documentário "Dançar": um tributo a vida e obra de Helenita Sá Earp. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro. UFRJ; Professor Adjunto.

RESUMO

O documentário “Dançar": focaliza a vida e a obra de Helenita Sá Earp, introdutora da dança nas universidades brasileiras. A professora Helenita estabeleceu uma estrutura teórica para o ensino e a criação em dança, tendo formado uma geração de profissionais que disseminaram estes princípios em cursos superiores por todo o Brasil. O roteiro está estruturado da seguinte forma: 1) Depoimentos documentais: entrevistas com contemporâneos de Helenita que partiticiparam de momentos de sua vida. 2) Coreografias: recriações de obras consideradas inovadoras pela crítica especializada, tais como: “Manhã de Sol” de 1939 que contou com a regência de Heitor Villa-Lobos, “Formas Aleatórias” realizada no MAM em 1959, “Ritmo, Forma e Cor” apresentada no I Encontro das Escolas de Dança do Brasil em 1962 e as excursões realizadas na Europa e Estados Unidos. Essas coreografias são registradas em locações externas que evocam a relação de Helenita com a cidade do Rio de Janeiro. 3) Depoimentos técnicos: coreógrafos e intérpretes falam sobre a influência dos Fundamentos da Dança de Helenita Sá Earp sobre seus próprios trabalhos, demonstrando para a câmera alguns dos princípios pesquisados por Helenita e 4) Fragmentos de vida: o filme reproduz, de forma poética, momentos da vida de Helenita. Este bloco enfatiza seu caráter pioneiro e inovador, não apenas no que se refere à dança, mas também na sua postura de vida pautada por uma relação direta do corpo com a natureza, introduzindo e antecipando hábitos de vida e alimentares que só viriam a se popularizar no final do século XX.
PALAVRAS-CHAVE: Memória: Produção Fílmica: Fundamentos da Dança de Helenita Sá Earp.

FAGUNDES, Igor Teixeira Silva. Estética e Poética: apontamentos para uma ontologia do corpo quando obra. Rio de Janeiro: UFRJ; professor adjunto.

RESUMO
A partir de Martin Heidegger em A origem da obra de arte, este estudo questiona a herança metafísica das pesquisas em Dança quando subordinadas à Estética e às Teorias da Arte. Vale-se do método poético-hermenêutico do filósofo, que suspende cada conceito para recolocar a questão em seu horizonte originário. Heidegger entende que a assunção da subjetividade como centro da criação atualiza a bitola fundamento-fundamentado, conteúdo-expressão. Pretendendo-se Lógica do sensível e Analítica do belo, a Estética raciocina a sensibilidade: redime o apartamento entre sensível e inteligível na mesma medida em que os pressupõe para a síntese reiterativa do sujeito. As Teorias da Arte convertem a obra em objeto; deixa-a incluída por uma ciência que paradoxalmente excluiu a arte, entendendo-a fora de seus parâmetros. A relação sujeito-objeto não acata o ser como o acontecer dinâmico do nada, como poiesis. Reconhecida a fundação/afundamento do real como a construção poética primeira, alheia a todo antropocentrismo, o corpo-em-arte se exime da sobrecarga epistemológica e se liberta para a Poética como experiência ontológica. Testemunho deste agir originário, prévio aos sujeitos, a dança cumpre a dinamogênese da vida: ratifica a condição humana do bailarino e a condição bailarina do humano.
Palavras-chave: Estética. Poética. Ser. Dança.


ABSTRACT
As from Martin Heidegger’s The origin of the work of art, this study questions the metaphysical heritage of the researches in Dance when subordinate to the Aesthetics and the Theories of Art. It makes use of the poetic-hermeneutic method of the philosopher, which suspends each concept in order to reposition the question in its originary horizon. Heidegger understands that the acknowledgment of subjectivity as the center of creation updates the pattern foundation-founded, content-expression. By assuming itself as Logics of the Sensitive and Analytics of the Beauty, Aesthetics ponders sensitivity: it redeems the distance between the sensitive and the intelligible, and presupposes both for the synthesis of the subject. The Theories of Art turn the work of art into an object; the work of art is included by a science that paradoxically excluded art, and realized it was out of their parameters. The relationship subject-object does not recognize being as the dynamic happening of nothing, as poiesis. Once the foundation/foundering of the real is recognized as the most important poetic construction, the body-in-art escapes from the epistemological overload and frees itself towards the Poetics as an ontological experience. By working both as a testimony of such an originary act, which is previous to the subjects, dance would comply with the dynamogenesis of life, it makes such a human condition dance and a dancing condition of the human.
Key words: Aesthetics. Poetics. Being.

FERRAZ, Fernando Marques Camargo. As múltiplas faces de Omolu: legados de um artista negro. São Paulo: Instituto de Artes – Unesp; Doutorando; Orientadora Profa. Dra. Marianna Monteiro. Artista da dança e historiador.

RESUMO
A comunicação aponta as facetas do trabalho artístico de Augusto Omolu inserindo-as no contexto da produção da dança negra brasileira. Apresenta uma análise de sua atuação a partir da apreciação histórica de sua trajetória profissional, entremeada à reflexão sobre depoimentos do artista, morto em junho de 2013, e de anotações de campo feitas pelo pesquisador entre 2011 e 2012. A carreira artística de Omolu ganha evidência a partir de seu encontro com a Antropologia Teatral de Eugenio Barba. Omolu colabora com a International School of Theatre Anthropology e com o Odin Teatret (Dinamarca) onde aprimora sua investigação e propõe uma dramaturgia do movimento, na qual explora as possíveis peculiaridades dramáticas na dança dos orixás, suas diferentes energias e oposições de força. Esse trabalho analisa a trajetória do artista, sua passagem pelos grupos de dança folclórica, seus estudos com mestres e estilos de dança, sua inserção como bailarino do Balé do Teatro Castro Alves, além de seus esforços na estruturação de uma escola de dança e metodologia própria no ensino da dança afro brasileira. Omolu cria um treinamento corporal que considera suas referências culturais e apresenta-se como referência no cenário artístico baiano, nacional e internacional. Por fim, o texto avalia seu desempenho em diferentes setores da vida artística de Salvador e indaga sobre a continuidade de seu legado artístico e a diversidade e abrangência de sua atuação.

Palavras-chave: dança negra. Dramaturgia do movimento. Augusto Omolu.

Abstract
This communication shows the facets of Augusto Omolu artistic work’s, placing them in the context of Brazilian black dance. Analyze his creation, starting with an historical view across his career, with a reflection about the field notes made by researcher in 2011 and 2012. The artistic career of Omolu wins evidence from his meeting with the Theatre Anthropology by Eugenio Barba. Omolu collaborates with the International School of Theatre Anthropology and the Odin Teatret (Denmark) where approaches your research and proposes the dramaturgy of movement, which explores the African Brazilian deities’s dances. This paper examines the artist's career, his passage through folkloric dance groups, his studies in others dance styles, his participation in Ballet Teatro Castro Alves, besides his efforts to structuring a dance school and his own methodology in dance teaching. He creates a body training that considers their own cultural references and presents itself as a benchmark in the art scene of Bahia, Brazil and abroad. Finally this work assesses their performance in different sectors of artistic life of Salvador and inquires about his legacy.

Keywords: Black dance. Dramaturgy of movement. Augusto Omolu.

FLORIANO, Mariana; RODRIGUES, Graziela E.F. Dança para criança no Método BPI. Campinas: UNICAMP; mestranda; FAPESP; Prof.ª Dr.ª Graziela Estela Fonseca Rodrigues. Bailarina-Pesquisadora-Intérprete

RESUMO
Um universo pouco explorado na bibliografia e pesquisa em Dança é o tema deste trabalho; “Dança para criança: aspectos do Método BPI desenvolvidos para crianças de 7-8 anos” é um projeto de Mestrado em Artes da Cena que propõe discutir as condições de elaborar uma prática corporal e artística para as crianças dos tempos atuais, tendo como referencia o Método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI). Para propiciar este estudo, realizou-se uma série de encontros com um grupo de crianças na faixa etária indicada, a fim de pesquisar e desenvolver modos de proceder em relação a uma prática dirigida a este público. Neste contexto, este trabalho propõe apresentar uma síntese das atividades realizadas com o grupo e as primeiras discussões acerca de uma prática corporal e artística com crianças.

Palavras-chave: Método Bailarino-Pesquisador-Intérprete. Danças do Brasil. Dança para criança. Prática corporal com crianças.

RÉSUMÉ
Um univers peu explore à la bibliographie e recherche em Dande est le thème de ce travail; “Dance pour enfant: aspects de la Méthode BCI développé pour les enfants de 7-8 ans” est um projet de maîtrise em Arts de Scène que propose discuter les conditions d’élaborer une pratique corporelle et artistique pour les enfants des temps actuels, ayant comme référence une Méthode Ballerin-Chercheur-Interprète (BCI). Pour proportionner cette étude, on a relisé une serie d’encontres avec um groupe d’enfants tranche d’âge indique, à cause de rechercher et développer moyens de proceder em relation à une pratique dirigée a ce public. Dans ce contexte, ce travail propose présenter une synthèse des activités réalisés avec le groupe et les premières discissions sur une pratique corporelle et artistique avec les enfants.

Mots-clé: Méthode Ballerin-Chercheur-Interprète. Dances du Brésil. Dance pour enfants. Pratique corporelle avec des enfants.

GRAVINA, Heloisa. Procedimentos de falar-fazer como recurso para produção de conhecimento em dança. Santa Maria: Universidade Federal de Santa Maria; Professora adjunta. Bailarina e coreógrafa.

RESUMO
Esta comunicação é parte de um projeto coletivo – da autora em conjunto com Alexandra Dias, Michel Capeletti e Tatiana da Rosa – de revisitar processos que foram constituindo o falar-fazer como procedimento criativo e possibilidade de construção de conhecimento em dança. Neste recorte, a autora revisita a experiência de sua dissertação de mestrado em antropologia social, defendida em 2006. Construída a partir da realização de uma performance de dança como parte do método etnográfico, a dissertação se configurou como uma interlocução entre os saberes oriundos da dança e da antropologia. Estratégias de deixar a fala invadir o corpo (e vice-versa) foram mobilizadas ao longo de todo o processo – desde a concepção e realização da performance até a escrita do texto e defesa da dissertação. Procedimentos de falar-fazer eram então experimentados como estratégias para promover essa articulação entre os diferentes campos de conhecimento e suas respectivas técnicas, práticas e métodos. Revisitar esse processo hoje faz parte da proposta da autora de reelaborar o debate a partir do campo da dança, como possibilidade de desenvolvimento de investigações futuras, articulando espaços artísticos e acadêmicos.
Palavras-chave: dança contemporânea, antropologia da performance, falar-fazer
RÉSUMÉ
Cette communication s'inscrit dans le cadre d'un projet collectif – regroupant l'auteur avec Alexandra Dias, Michel Capeletti et Tatiana da Rosa – dont l'objectif est de réexaminer les éléments qui ont façonné les contours du parler-faire en tant que procédé créatif et possibilité de construire des connaissances dans le domaine de la danse. Dans ce travail, l'auteur revient sur l'expérience de son mémoire de master en anthropologie sociale, soutenu en 2006. En partant d'une performance artistique dansée utilisée comme méthode ethnographique, le mémoire a fait dialoguer des connaissances issues de la danse avec celles issues de l'anthropologie. Des stratégies consistant à laisser la parole envahir le corps (et vice versa) ont été utilisées tout au long du processus – depuis la conception et la réalisation de la performance jusqu'à l'écriture et à la soutenance du mémoire. Divers procédés de parler-faire ont été expérimentés, constituant autant de stratégies pour promouvoir ce dialogue entre les différents domaines du savoir et entre leurs techniques, pratiques et méthodes. Réexaminer ce processus aujourd'hui constitue un élément du projet de l'auteur consistant à reprendre le débat à partir du domaine de la danse, ouvrant la possibilité de recherches futures articulant des terrains académiques et artistiques.

Mots-clés: danse contemporaine, anthropologie de la performance, parler-faire

GUIMARÃES, Maria Claudia Alves. A Dança e o Cerimonial: Relações entre arte, poder e comportamento. Recife: Universidade Federal de Pernambuco. Professora Adjunta na área de História e Teoria da Dança e Coordenadora do Curso de Licenciatura em Dança do Departamento de Teoria e Expressão Artística do Centro de Comunicação e Artes da Universidade Federal de Pernambuco. Pesquisadora na área de história da dança no Brasil.

RESUMO

De modo geral, a dança e o cerimonial são vistos como áreas bastante distintas e desconectadas, visto que a primeira está ligada ao campo artístico e a segunda, ao campo das relações publicas e das relações internacionais. Se pensarmos na definição de cerimonial como um “conjunto de formalidades regulamentadas por lei, tradição, uso ou costumes, que devem se observar num ato solene ou festa publica”, veremos como muitos elementos desta “tradição, uso e costume” também estão presentes no código de muitas danças. Alem disso, podemos ver na própria historia da dança exemplos emblemáticos desta relação, como, por exemplo, na corte de Luis XIV, onde o próprio rei afirmava seu regime absolutista, ao dançar o papel de Apollo, ficando, inclusive, conhecido pelo epíteto de o Rei-Sol.
Assim, neste artigo temos o objetivo de discutir como esta relação esta presente na historia da dança do Brasil, tanto na sua origem como em vários momentos de seu desenvolvimento. Por outro lado, pretendemos apontar como estas relações ainda podem ser observadas em nossas cerimônias protocolares e identificadas como códigos de comportamento.

PALAVRAS-CHAVES: dança; cerimonial; história; Brasil.


Guimarães, Maria Claudia Alves. Dance and Ceremonial: Relations between art, power and behaviour. Recife: Federal University of Pernambuco. Associate Professor of History and Theory of Dance and Coordinator of Dance Graduation Course of the Department of Art Theory and Artistic Expression of the Center for Communication and Arts of the Federal University of Pernambuco. Researcher in the area of dance history in Brazil.

ABSTRACT

Generally speaking, dance and ceremonial areas are seen as quite distinct and disconnected, since the first is linked to the artistic field and the second, to the field of public relations and international relations. If we consider the definition of ceremonial as a "set of procedures regulated by law, tradition, usage or custom, which should be observed in a solemn ceremony or party " we will see how many elements of this "tradition, custom and usage" are also present in code of many dances. Furthermore, we can see in the dance history emblematic examples of this relationship, for example, in the court of Louis XIV, where the king himself claimed his absolutist regime, while dancing the role of Apollo, getting even known by the epithet the Sun King.
Then, in this article we aim to discuss how this relationship is present in the Brazilian dance history, in its origin and at various times in their development. On the other hand, we

LACERDA, Cláudio Marcelo Carneiro Leão. Polifonias Deslizantes: a obra de William Forsythe pelo viés da teoria da desconstrução. Recife: Universidade Federal de Pernambuco; Professor Assistente DE. Dançarino e coreógrafo.

RESUMO
Este artigo resulta de uma pesquisa que objetivou analisar a obra do coreógrafo contemporâneo William Forsythe pelo viés da teoria da desconstrução de Jacques Derrida. A partir de suas questões filosóficas, teceram-se relações com outros autores como Rudolf Laban e Homi Bhabha, para poder investigar o modus operandi do referido coreógrafo, compreendendo seus procedimentos criativos, propostas cênicas, abordagem de corpo e como o mesmo afeta o medium da dança.
Palavras-chave: Dança. Corpo. Coreografia. Desconstrução.

ABSTRACT
This article results from a research which aimed to analyze the oeuvre of contemporary choreographer William Forsythe through the point of view of the theory of deconstruction by Jacques Derrida. From his philosophical questions, relationships have been woven with other authors such as Rudolf Laban and Homi Bhabha, in order to be able to investigate the modus operandi of the mentioned choreographer, including his creative procedures, performing proposals, approach to the body and how he affects the dance medium.
Keywords: Dance. Body. Choreography. Deconstruction.

LEITE, Maria Carolina de Vasconcelos Leite. Discutindo coautoria em Dança a partir das análises dos processos de compartilhamentos da obra “No jardim de Fulaninhas”. Salvador: UFBA. Mestrado em Dança; Orientadora Fátima Campos Daltro de Castro.

RESUMO

Esta pesquisa tem como escopo discutir a coautoria em Dança, a partir do trabalho em processo de criação do Grupo X de Improvisação em Dança (Salvador), que desenvolvem estudos de improvisação desde 1998. Entre os vários projetos desenvolvidos por esses, estão às oficinas de processos de criação em Dança oferecidas no Grupo de Pesquisa Poética da Diferença, pelo Programa de Pós-Graduação em Dança da UFBA. Assim, analisaremos os procedimentos estabelecidos na proposição “No Jardim de Fulaninhas”, desenvolvida pelo Grupo X, e inicialmente investigada durante uma residência de mobilidade artística realizada pelos mesmos na França em 2012, suscitando desse encontro às recentes pesquisas que tem como viés propor ações de compartilhamentos entre os artistas, a obra e os espectadores. Essa tríade relação serve de processos investigativos, onde o espectador atua como agente (coautores) também de criação da obra a partir das consígnas propostas pelos artistas em cena. Nesse intuito, entender esse lugar de partilhas sensíveis, para analisar as interseções estabelecidas e compartilhadas, amplia a possibilidade de abordagem de novas proposições em meio a esse trânsito poético de criação em Dança Contemporânea.

Palavras-chave: Coautoria, espectador, artistas, dança.

ABSTRACT

This research is to discuss co-authoring in Dance from the job creation process X Group Dance Improvisation (Salvador), who develop studies improvisation since 1998. Among the many projects undertaken by these are the workshops of creative processes in dance offered in Poetics Research Group Difference at the Post-Graduate Dance UFBA. Thus, we analyze the procedures set forth in the proposition, "In the Garden of Fulaninhas" developed by Group X, and initially investigated during a residence of artistic mobility held by them in France in 2012, raising this meeting to recent research that has the bias proposed actions shares between the artists, the work and the audience. This triad relationship serves as investigative processes, where the viewer acts as agent (coauthors) also creation of the work from the slogans proposals by artists on the scene. To that end, understand this place of sharing sensitive to analyze the intersections established and shared, expands the possibility to approach new propositions amidst this traffic poetic creation in Contemporary Dance.

Keywords: Co-author, spectator, artists, dance.

LOBATO, Lúcia Fernandes. A pesquisa em arte: O desafio de imprimir a poética sem perder a razão. Salvador: PPGAC-UFBA; professora associada; pesquisadora do GIPE-CIT.

A proposta deste artigo é pensar a pesquisa em arte a partir da implantação das primeiras Pós-Graduações em Artes Cênicas. Exemplifica na Dança as conjunturas e as questões enfrentadas e reflete sobre as características da pesquisa em arte à luz do fenômeno da transdisciplinaridade, da transversalidade e da religação dos saberes. Finaliza por apontar o perfil desejado para o artista/pesquisador e ressalta que seu maior desafio é imprimir a poética no labor investigativo sem perder a razão.

Palavras-chaves: pesquisa em artes – pós-graduação – artista/pesquisador

Challenge for the Poetics of the Actor and Dancer to Appear Without  Loss of the Control of Reason

This article aims to make us think about the research in art, starting from the implementation of the first performing arts post-graduate courses in Brazil. It also highlights the environment and the problems normally faced by this field, reflecting about the characteristics of the research in art, based on the transdisciplinarity, transversality and reconnection of knowledge. It also defines the desired profile for the artist/researcher and points out that the major challenge for this professional is to create a poetics on the day-to-day investigative process without loss of the control of reason.
Key words: research in art – post-graduation – artist/researcher

MEIRELES, Tânia Mara Silva. Arte da Cena Através da Função Artística Dos Concursos de Dança: Vinte Anos de Concurso Toute Forme e seu entrelaçamento formativo na sociedade da dança de Belo Horizonte. Belo Horizonte: Escola de Belas Artes − UFMG; professora assistente; doutoranda; EBA-UFMG; Arnaldo Leite de Alvarenga. Artista Plástica. Bailarina. Maitre de Balé. Coreógrafa.
RESUMO
Intenciona-se com o presente artigo abordar a função artística existente na arte em cena da dança via recorte dos concursos de dança da Academia Toute Forme de Belo Horizonte, ocasião essa em que completa seu vigésimo ano de trabalho em 2013, com a direção geral de Tércia Cançado. Tratam-se as relações entre o que move um bailarino na contemporaneidade e o que o faz participar de eventos competitivos como concurso de dança; a experiência estética que transforma arte (Dewey); o treinamento interno e diário do bailarino, sua luta pela sua própria superação e seu momento de exposição externa ao público (Navas); a visão crítica de alguns jurados mediante a observação sistemática e evolutiva de boa parte dos jovens concorrentes que participam regularmente dos concursos (LIMA, MEIRELES, MOREIRA); depoimento oral de professores formadores da arte da dança, mediante análise da realidade do dia a dia, ano após ano participando do processo de formação técnico artística de seus alunos. Enfim, ampliam-se os questionamentos a cerca da seguinte pergunta: existe, ou não, uma função artística nos concursos de dança?
Palavras-chave: Formação Artística. Experiência. Profissional de Dança.

ABSTRACT

The aim of this article is to treat the existing artistic function of the art in the dance scene focusing on the clipping about Academy Toute Forme’s dance contests in the city of Belo Horizonte, right when it completes its twentieth year of work in 2013, with the general direction of Mrs Tércia Cançado. The article discusses the relationships between what moves a dancer in contemporary time and what makes him to participate in competitive events like dance contest; aesthetic experience that transforms art (Dewey); the inner daily training of the dancer, and his struggle against his own overcoming and the following process when he comes to external exposure to the public (Navas); critical view of some jurors through systematic observation and evolution of most of the young competitors who regularly participate of those contests (Lima, Meireles, Moreira); oral testimony of former teachers of the art of the dance through examination of the reality of the day after day, year after year participating in the technical and artistic process of their students. Finally, the article permits the extension of the following question: is there an artistic function in dance competitions, or not?

Keywords: Artistic Training. Experience. Professional Dance.

MELCHERT, Ana Carolina Lopes; RODRIGUES, Graziela E. F. A manifestação da cultura no corpo e a presença dos gestos vitais nas sínteses práticas do eixo Inventário no Corpo do método BPI. Campinas, SP: Unicamp. Ana Carolina Lopes Melchert docente da Unicamp; Graziela Rodrigues, docente da Unicamp.

RESUMO
No desenvolvimento do eixo Inventário no Corpo do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete com alunos voluntários, através do projeto de doutorado “A descoberta da cultura velada e dos gestos vitais: um aprofundamento do eixo Inventário no Corpo do método BPI (Bailarino-Pesquisador-Intérprete)” (Parecer CEP No. 679/2008), verificamos a construção de uma nova maneira de dançar, a qual está ligada a uma integração corporal.
No final do desenvolvimento do eixo Inventário no Corpo, realizamos as sínteses práticas, que constituíam uma dinâmica de abertura dos dojos (laboratórios corporais), onde cada sujeito participante apresentou o que havia ficado de mais significativo em seus corpos a partir de toda a pesquisa realizada.
Foi nos relatos das sínteses práticas e nas análises dos vídeos destas sínteses, a partir da Estrutura-Física do método BPI, que encontramos a averiguação da manifestação da cultura no corpo e a presença dos gestos vitais.
Ao analisarmos as sínteses práticas verificamos que a cultura se fez presente em todos os trabalhos, sem exceção. E todas as sínteses práticas trabalharam com um referencial de corpo ligado `a terra e `as suas raízes. Os gestos vitais dos sujeitos participantes resgataram a ideia de corpo misturado `a terra.
Palavras-Chaves: Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI). Dança do Brasil. Inventário no Corpo.

ABSTRACT
In the development of this axis Inventory in the Body of the method Dancer-Researcher-Performer with volunteer students through the doctoral project "The discovery of culture veiled and vital gestures: a deepening of the axis Inventory in the Body method BPI (Researcher-Dancer-Performer) "(CEP Opinion No. 679/2008), we see the construction of a new way of dancing, which is connected to a body integration.
At the end of the development of the axis Inventory in the Body, we did practices syntheses, which constitute a dynamic opening dojos (bodily labs), where each individual participant showed what had been the most significant in their bodies from all the research done .
Was in the accounts of practices syntheses and analyzes of the videos of these syntheses, from the Design-Physics BPI method, the investigation found that the manifestation of culture in the presence of the body and gestures vital.
In reviewing the practices syntheses we found that culture was present in all work, without exception. And all practices syntheses worked with a reference body on the earth and roots. Gestures vital participants rescued the idea of body mixed land.
Key-Words: Dancer-Researcher-Performer (BPI). Dance Brazil. Inventory in the Body.

MEYER, André. Divulgando a ciência através da arte coreográfica. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro. UFRJ; Professor Adjunto.

RESUMO

A proposta do presente trabalho é de refletir sobre os processos de criação envolvidos na produção de duas performances multimídia de dança intituladas "Anatomia dos Contatos" e "Eixos e Pesos" da Companhia de Dança Contemporânea - UFRJ que tematizam coreograficamente os conceitos de contatos, apoios, eixos, transferências e peso nas partes do corpo e no corpo como um todo pela poética do movimento. Com a performance "Anatomia dos Contatos" são explorados esteticamente conceitos sobre o aparelho locomotor do corpo humano, suas articulações e os movimentos básicos das partes e seus segmentos. Com "Eixos e Pesos" são interpretados os conceitos de peso, centro de gravidade, eixo e abandono a força gravidadeque ressaltam lta coreograficamente as linhas e diagramas das forças e dos eixos que atuam sobre o corpo em movimento. Desta forma, a dança oferece-se como campo para a formação de um saber multiplicador de conexões que valoriza o lugar da poética do movimento no contexto da integração entre ciência e arte. As atividades da Companhia são apoiadas pelo Edital Pró-Cultura e Esporte 2013, pelo Programa de Iniciação Artística e Cultural, ambos da UFRJ e pela FAPERJ através do “Edital Difusão e Popularização da Ciência" - 2012.
PALAVRAS-CHAVE: Performance, difusão científica, Companhia de Dança Contemporânea - UFRJ.

MOURA, Lino Daniel. O processo criativo e os documentos de processo: um olhar sobre a criação do espetáculo Entre Carmens e Severinas pelas lentes da crítica genética. Salvador: Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas; Universidade Federal da Bahia; Sócio efetivo. Mestre PPGAC UFBA. Professor, coreógrafo e dançarino.

RESUMO

Este artigo introduz a análise sobre os elementos criativos e transculturais do Espetáculo Entre Carmens e Severinas, dirigido por Daniel Moura, estreado em 2009 em Salvador, bem como a relação entre eles em sua composição. Para tanto, os títulos O gesto inacabado, Crítica genética e Redes de criação, da autora Cecília Salles, são algumas das obras de referência utilizadas neste estudo para apresentar as noções sobre inacabamento, redes culturais e espaço de criação. Com isso, o resultado deste estudo revela a importância dos documentos de processo como uma ferramenta metodológica na análise da criação de uma obra de arte.

Palavras-chave: Dança. Transculturação. Documentos de Processo. Crítica Genética.

ABSTRACT

This article introduces the analysis of the creative elements and transculturation of the performance Between Carmens and Severine, directed by Daniel Moura, premiered in 2009 in Salvador, and the relationship between them in their composition. Therefore, the titles The gesture unfinished, Critical genetic and Networks and creation, the author Cecilia Salles, are some of the reference works used in this study to present the notions of incompleteness, cultural networks and space creation. The result of this study shows the importance of process documents as a methodological tool in the analysis of the creation of a work of art.

Keywords: Dance. Transculturation. Process Documents. Genetic Critical.

MUNDIM, Ana Carolina. A relação corpo-espaço na dança. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia; Professora efetiva adjunta; Bailarina e coreógrafa.

RESUMO:
O presente artigo visa discutir as relações do movimento na dança a partir do conceito de corpo-espaço. A discussão tem como referência os estudos teórico-práticos desenvolvidos pelo Grupo de Pesquisa Dramaturgia do Corpo-espaço e Territorialidade, que pressupõe o trabalho com frases de movimento e improvisação, articulando conteúdos da Dança e da Arquitetura. Assim, este texto busca compartilhar os resultados inferidos até o presente momento a partir do entendimento do corpo-espaço em sua percepção sensível.

PALAVRAS-CHAVE: Dança; Corpo-espaço; Movimento

ABSTRACT:

This article aims to discuss moviment relations in dance through the concept of body-space. The discussion is based on the studies of the research group Dramaturgy of body-space and territoriality, which focuses its work on moviment phrases and improvisation, articulating contents of Dance and Architecture. Thereby, this text shares the results raised until this moment based on the comprehension of body-space in its sensible perception.

KEY-WORDS: Dance; Body-space; Movement

NAVAS ALVES DE CASTRO, Cássia. Tudo é mistura?. Campinas: PPGADC/IA/UNICAMP; professora.

RESUMO
Obras de dança são compostas de conteúdos plurais, potencializados pela transmissão de metáforas corporais, em diferentes performances. Desde sempre produto de misturas, a discussão sobre a aparência que assumem enquanto objetos de estrutura, estudo e fruição híbridos (mestiços-miscigenados) alarga-se no pós-moderno das artes, constituindo bases para um debate contemporâneo que toma o espaço anteriormente ocupado pela constatação da diversidade entre diferentes (NAVAS:1999). As formas de sua articulação estabelecem-se de acordo com os modos de relação de coreógrafos e intérpretes com a arte e história em que se inserem ao longo de extensos ciclos de realização, partilhados entre muitos. Resultados deste processo, temos ações em que articulam miríades de informações incorporadas em discurso coreográfico, a ser analisado a partir dos princípios das matrizes: sonora, visual e verbal (SANTAELLA: 2001). À partir da constatação de que “tudo é diverso”, os componentes desta diversidade, quase imperceptíveis posto constituírem em anteparo para estudos mais aprofundados (NAVAS:1999) podem ser analisados por sua redundância ou originalidade, em composições que lhes garantem, ou não, a presença, ainda que temporária, em circuitos de validação mercadológica e acadêmica. Nestes, as discussões em torno da nominação de obras resultantes de processos de miscigenação entre elementos, têm gerado debates múltiplos, muitas vezes estancando discussões mais aprofundadas sobre as relações entre os diferentes que irão compor os híbridos, que podem ser mestiços, que podem ser miscigenados, etc., sucedendo-se vórtices de conversas aparentemente infinitas. Além disto, o debate sobre a miscigenação e mestiçagem teve seu foco, num mundo pós-colonial, em torno do que se observa-se nas colônias, encaradas como caldeirões culturais (melting pots), onde se processavam experiências que acompanhadas por pesquisadores distantes destas realidades mestiças, foram estudadas de “fora para dentro”. Na dança, a discussão sobre mestiçagem e/ou miscigenação pode apontar para a mistura de elementos de que se compõe a própria dança, realizada por intérpretes que trazem em sua formação, a força do mix de muitas memórias (LOUPPE: 2000), em uma solidão acompanhada de mestres, colegas.

Palavras-chave: Dança. Mestiçagem. Hibridismo. Pós-moderno. Matrizes da arte.

Resumé: Débat sur des œuvres de danse, à partir de sa structure, son apparence, ses recherches et sa réception hybrides, voir métises, pour élargir la réflection sur les arts postmodernes, au lieu de, simplement, trouver la diversité entre différents. Dans ce sens, des formes d'articulation sont établis selon les modes des chorégraphes et interprètes et étudiées à partir des principes des matrices sonore, visuel e verbale.

Mots-clés: Danse. Métissage. Hybridité. Postmoderne. Matrices de l´art.

OTERO, Reynaldo; STRAZZACAPPA, Marcia. Nos entrelugares da dança e da infância... surge um artista. Campinas: Unicamp; Mestrando Bolsista CNPq; Pesquisadora Produtividade Pesquisa CNPq.
RESUMO: O presente artigo apresenta o diálogo de duas pesquisas do Laboratório de Estudos sobre Arte, Corpo e Educação-Laborarte, “Kinderstadt – Città dei Ragazzi” (Mestrado) e “Mergulhando na essência: a imersão poético-acadêmica na formação do artista docente” (PQ1D) amparadas no projeto “Zero-Vinte” do professor da NYU, Luis Porter (2010). O texto evidencia uma metodologia coletiva de pesquisa em arte. O ponto de intersecção destas está na crença de que é na primeira infância que ocorre o prenúncio de um artista (GAMBINI,2010), pois os acontecimentos vividos nesta fase marcam a criança a ponto de delinear suas escolhas. “Mergulhando na essência” foi inspirado no Projeto institucional da UNICAMP, Artista Residente, que acolhe na universidade por 6 meses um artista para uma criação. Em 2012 a convidada foi a dançarina italiana Teresa Ranieri que criou um espetáculo com alunos. Reynaldo Otero, ítalo-brasileiro, acompanhou os trabalhos e realizou entrevistas com Ranieri, tendo como questão chave: Como e quando você foi tocada pela primeira vez pela dança?, reportando-se à sua infância. Sua pesquisa investiga se as atividades de dança da Città dei Ragazzi (evento de Bolzano/It em que as crianças brincam em uma cidade em miniatura) influenciaram as escolhas profissionais dos jovens que por lá passaram.
Palavras chave: formação artista, dança, infância
In between the dance and the childhood... an artist arises
ABSTRACT: This article presents the intersection of two research of the Laboratory for the Study of Art, Body and Education-Laborarte, "Kinderstadt/Città dei Ragazzi” (Master) and "Diving in essence: poetic-academic immersion in artist teaching training" (PQ1D) supported by the project "Zero-Twenty "of the professor of NYU, Luis Porter. The text emphasizes a collective research methodology of art. The intersection point of these investigations is the belief that is in the early childhood that arises the artist (GAMBINI,2010) because the events experienced by children in this phase are marked in such a way that they end by outlining their choices. "Diving in essence" was inspired by the institutional project of UNICAMP, Resident Artist, which accommodates for 6 months an artist at the university to create. In 2012 the guest was Teresa Ranieri Italian dancer who created a show with the dance students. Reynaldo Otero, Italian-Brazilian followed the work and conducted interviews with Ranieri, with the key question: How and when were you first touched by dancing?, Referring to the artist's childhood. His research investigates whether the dance activities offered in Città dei Ragazzi (event of Bolzano/IT where children play in a miniature city) influenced the career choices of young people who passed through.
Key words: artist training, dance, childhood

PAIXÃO. Maria de Lurdes Barros da. Composição Coreográfica Contemporânea: a cena de dança em redes sistêmicas de improvisação. “Natal /RN: Universidade Federal do Rio Grande do Norte/UFRN; Professor Adjunto/DE. Coreógrafa.
RESUMO
As diferentes formas de improvisação utilizadas nos processos criativos em dança instauram novas poéticas na reelaboração estético-dramatúrgico-coreográfica das danças de matrizes africanas. Este trabalho propõe refletir sobre a improvisação em dança em suas diferentes formas, a saber: Improvisação para desenvolver processos de criação e em uma outra perspectiva, a improvisação enquanto estética coreográfica, realizada em tempo real diante do espectador. Tanto no primeiro, quanto no segundo exemplo a improvisação é a estratégia utilizada pela dança, porém, com objetivos distintos, e em formas e graus diferenciados de complexidade e subjetividade. A improvisação em dança promove o diálogo entre tradição e contemporaneidade, nessa perspectiva, propomos a presente reflexão.
Palavras-chave: Improvisação. Composição Coreográfica. Dança Contemporânea.

PASSION. Maria de Lourdes Barros da. Composition chorégraphique contemporaine: La scène de danse dans les réseaux systémique improvisation. "Natal / RN: Université fédérale de Rio Grande do Norte / UFRN professeur adjoint / DE. Chorégraphe.
RÉSUMÉ
Composition chorégraphique contemporaine: la scène de danse dans les réseaux systémique improvisation. Les différentes formes d'improvisation dans les processus créatifs utilisés dans l'établissement de la nouvelle danse refonte poétique et esthétique des danses chorégraphiées dramaturgique d'origine africaine. Cet article se propose réfléchir sur l'improvisation en danse dans leurs différentes manières, à savoir: Improvisation à développer des processus de création dans un autre point de vue, tout en improvisation chorégraphique esthétique, réalisée en temps réel devant le spectateur. Aussi bien dans le premier que dans le second cas, l'improvisation est la stratégie utilisée par la danse, mais avec des objectifs différents, et différentes formes et degrés de complexité et de la subjectivité. Improvisation en danse favorise le dialogue entre tradition et contemporanéité. A partir, sourtout, cette perspective, nous proposons une réflexion théorique et pratique.

Mots-clés: Improvisation. Composition chorégraphique. Danse contemporaine.

PASSOS, Juliana Cunha. A música na dança: influências nos processos criativos e expressivos. Campinas: Universidade Estadual de Campinas. Instituto de Artes; Programa de Pós-graduação em Artes da Cena; Doutorado; Elisabeth Bauch Zimmermann. FAPESP; DR-1.

Dança. Música. Processos de criação. Público.

Este artigo apresenta trecho da pesquisa de Doutorado em Artes da Cena em andamento que investiga a utilização de improvisações no processo de criação em dança e as possibilidades de relação entre a Dança e os elementos da linguagem visual e musical. Este texto propõe uma reflexão sobre a utilização do tempo e da música em performances de dança. Apresenta algumas possibilidades de relação entre música e dança, mostrando como a música pode influenciar o processo criativo e a elaboração de significados e interpretações pelo público. A dança é formada por elementos visuais, sonoros e cinestésicos, além de elementos expressivos e comunicativos. Assim, o artista da dança, ao escolher elementos sonoros ou musicais para estimular sua criação ou compor a obra, deve estar atento às influências da estrutura musical do som e dos seus significados sócio-culturais.

Dance. Music. Creation processes. Public.

This article presents part of the PhD Research in Arts Scene in progress that investigates the use of improvisation in the creative process in dance and the possibilities of relationship between dance and elements of Visual language and Musical language. This paper proposes a reflection on the use of time and music in dance performances. Presents some possible relationships between music and dance, showing how music can influence the creative process and the creation of meanings and interpretations by the public. The dance consists of visuals, sound and kinaesthetic elements and also expressive and communicative elements. Thus, the dance artist, to choose the music or sound elements to stimulate his creation or compose his work, should be aware of the influence of musical structure and its socio-cultural meanings.

PEREIRA, Paulo José B. Estrutura e Desenvolvimento da Metodologia Didática de Dança de Rolf Gelewski. Belo Horizonte: UFMG; Professor Adjunto. Doutor em Artes Cênicas: Bailarino; Coreógrafo; Psicólogo formado em Psicologia Analítica.

RESUMO

Desde sua função como diretor da Escola de Dança da Universidade Federal da Bahia em 1960 (ano de sua chegada ao Brasil), Rolf Gelewski foi o criador do currículo do curso de dança. Este era o único curso de dança em nível superior no Brasil. Seu currículo se tornou um modelo para os cursos que se desenvolveram mais tarde no país. Ele foi professor na Escola de Dança das seguintes disciplinas: Estudo do Espaço, Estudo Básico de Formas, Rítmica Métrica, Improvisação, Composição, Coreografia e Filosofia da Dança. Elas correspondiam as principais disciplinas criativas do processo pedagógico, e representam para mim até hoje as disciplinas principais de meu desenvolvimento educativo prático e teórico em dança. Rolf teve sempre, desde o início de seu trabalho como bailarino, coreógrafo e professor, a preocupação com o desenvolvimento da consciência humana. Suas publicações (algumas já editadas e outras por vir) resumem a precisão, claresa e intensidade de sua visão metodológica didádica em dança. A função desta proposta é mostrar a possibilidade de desenvolver e publicar o grande material didático de Rolf Gelewski já existente, mas até então muito pouco editado e utilizado pedagogicamente.

Palavras-chave: Rolf Gelewski, dança, educação, metodoligia didática.

PERETTA, Éden. A carne e o verbo no processo criativo em dança. Ouro Preto: Universidade Federal de Ouro Preto. DEART/UFOP, Professor Adjunto.

dança-teatro: Butô: corpo: Jean Genet: Surrealismo

"O presente trabalho visa compartilhar algumas das principais matrizes poéticas que fundamentam o trabalho do dançarino Tatsumi Hijikata, fundador da dança Butô, e que, de algum modo, reverberam no trabalho de investigação e composição desenvolvido pelo grupo de dança que coordeno no DEART/UFOP.
A atmosfera de contestação social e exaltação das potências da carne, afirmadas pela centralidade do corpo e pelas transgressões sexuais, compunha de modo transversal a poética surrealista da primeira metade do século XX, bem como a literatura “maldita” francesa, exemplificada de modo contundente pela ácida obra de Jean Genet. O projeto político-artístico construído por Tatsumi Hijikata assumiu explicitamente, em seu hibridismo cultural, essas heréticas influências europeias , devendo também a elas o desvelamento da potência carnal presente nas palavras, fundamento transversal de sua metodologia de trabalho. E é justamente essa “carnalidade do verbo” que passou a subsidiar as atuais investigações de meu grupo de dança. "

dance theatre: Butoh: body: Jean Genet: Surrealism

"This work aims to share some of the main poetical matrices that support the work of the dancer Tatsumi Hijikata, the founder of the dance Butoh, and that somehow reverberate in the research work and composition developed by the dance group that I coordinate in DEART / UFOP.
The atmosphere of social contestation and exaltation of power of the flesh, affirmed by the centrality of body and by the sexual transgressions, composed in a transverse mode the poetics surrealist in the first half of the twentieth century, as well as the French “maudit” literature , exemplified so forceful by the acidic work of Jean Genet. The political-artistic project constructed by Tatsumi Hijikata assumed explicitly, in its cultural hybridism, these heretical European influences and nourished from them to unveiling the carnal potency presente in the words, horizontal plea of his methodology. And is precisely this ""carnality of the verb"" which start to subsidize the current investigations of my dance group."

PINHO, Márcia Duarte. Quando a dança é jogo. Brasília: Universidade de Brasília; Professor adjunto. Diretora e coreógrafa.
RESUMO
Esta investigação tem como objeto a criação em dança fundada em princípios elementares do jogo, aplicado não só como recurso para a geração de material criativo (improvisação), mas também incorporado como engrenagem e elemento estruturador da composição coreográfica, tornando-a assim permanentemente aberta às novas proposições. Esta concepção de obra como o exercício do jogo impõe à atuação do intérprete/dançarino a condição de reagir em cena à situação presente, no aqui e no agora, demandando uma ação que responda à possibilidade do acaso, do efêmero e do imprevisível. Essa experiência evidencia a força da corporeidade cênica gerada pelas relações e situações implicadas nos jogos criados para a cena, os jogos-cena, definidos como estruturas de composição regidas por um conflito imaginário, situado em espaço e tempo próprios, oferecendo aos jogadores liberdade para atuar sobre uma gama de possibilidades imprevisíveis de ação, delimitadas por regras e norteadas por uma progressão dramática objetivando a produção de sentido e significados, abrindo outra perspectiva para a compreensão da noção de atuação do intérprete–jogador.
Palavras-chaves: Dança. Jogo-cena. Intérprete-jogador.
ABSTRACT
This investigation has as its object creation in dance founded in elementary principles of gameplaying, applied not only as a resource in the generation of creative material (improvisation), but also incorporated as a driving mechanism and structural element of choreographic composition, leaving them permanently open to new propositions. This conception of an artistic work as the exercise of a game imposes on the interpreter/dancer the condition to react in scene to the present situation, in the here and now, demanding an action that responds to the possibility of chance, from the ephemeral to the unforeseen. This experience give evidence of the force of the scenic corporality generated by the relations and situations implicated in the games created by the scenes, or scenic games. These games can be defined as composition structures ruled by an imaginary conflict, situated in their own space and time, permitting the players a certain liberty to act in a range of unforeseen action possibilities, delimited by rules and guided by a dramatic progression with the object of the production of sense and significants, opening another perspective for the comprehension of the notion of scenic interpretation, that of the interpreter-player.
Key words: Dance. Scenic game. Interpreter-player.

PONSO, Luciana Cao. “Autonomia para a videodança e as sete formas de dançar o impossível”. Rio de Janeiro: UFF; mestre; Ana Beatriz Fernandes Cerbino. Bailarina e Pesquisadora.

RESUMO

Propõe-se neste estudo, criar um campo de autonomia para a videodança, a partir dos desdobramentos da relação corpo-câmera para então estabelecer um panorama através de sete formas de dançar o impossível, expressão utilizada para explicar o tempo e o espaço da dança redimensionados na tela do cinema, e aqui adotada, para designar um eixo onde giram as categorias propostas. Porém, mais do que categorias pré-definidas ou encerradas em si mesmas, objetiva-se estabelecer quadros de referência no sentido de criar um contexto para o discurso proposto. A pesquisa termina por revelar um campo de inquietações, mas aponta para a possibilidade de redefinir o estatuto ontológico do campo da videodança a partir das muitas nuances estéticas e poéticas que perpassam esta produção.

Palavras-chave: Videodança, dança, cinema experimental.

ABSTRACT

It is proposed in this study, creating a field of autonomy for videodance from the developments of the body-camera and then establish a panorama through seven forms of dancing the impossible, the expression used to explain time and space in dance resized cinema screen, and adopted here, to designate an axis which revolve the categories proposed. However, rather than pre-defined categories or closed in themselves, the objective is to establish reference frames in order to create a context for the proposed speech. The research ends up revealing a field of concerns, but points to the possibility of redefining the ontological status of the field of video dance from the many aesthetic and poetic nuances that pervade this production.


Keywords: Videodance, dance, experimental cinema.

PORPINO, Karenine de Oliveira. Dança, corpo e presença. Natal: UFRN; professora associada.

RESUMO

Esta pesquisa tem como objetivo investigar as relações entre corpo, dança e presença tendo como foco a vivência do tai chi chuan em sua articulação com as experiências artísticas e pedagógicas do artista da dança. Questiona-se: Como a experiência da prática do tai chi chuan pode contribuir para a vivência da dança e a discussão sobre corpo e presença nesse contexto? A investigação tem abordagem fenomenológica e parte do mundo vivido do pesquisador, bem como de alunos e professores em situações de aulas, oficinas e laboratórios de criação em dança. A produção de dados da pesquisa se dá a partir de registros escritos em diários, depoimentos gravados em áudio, além de imagens fotográficas e videográficas. Entende-se o termo presença a partir da prática do tai chi chuan, a qual permite um estado de prontidão, de sensibilidade, em que o indivíduo está situado no aqui e agora, perceptível a si mesmo e aos acontecimentos sem julgá-los. A partir das experiências relatadas e interpretadas discute-se a referência do tai chi chuan no campo das práticas do artista da dança, tendo como foco o tema da percepção na interlocução com autores como Merleau-Ponty, Varela, Serres e Maturana. Dessa forma o trabalho perspectiva ampliar possibilidades de vivência do artista e do ensino da dança no que se refere às compreensões de corpo e da dança na formação do professor artista.

Palavras-chave: Dança. Corpo. Presença. Tai Chi Chuan. Percepção.

ABSTRACT

This research aims to investigate the relationship between body, dance and presence focusing on the experience of tai chi chuan in its articulation with the artistic and pedagogical experiences of dance artist. Question is: How is the experience of the practice of tai chi chuan can contribute to the experience of dance and discussion about body and presence in this context? Research has phenomenological approach and part of the lived world of the researcher, as well as students and teachers in situations of classes, workshops and laboratories of dance creation. The production of research data occurs from records written in diaries, testimonies recorded audio, and photographic images, and videographic. It is understood the term presence from the practice of tai chi chuan, which allows a state of readiness, sensitivity, where the individual is in the here and now, perceived itself and the events without judging them. From the experiments reported and interpreted discusses the reference tai chi chuan in their practice of dance artist, focusing on the theme of perception in dialogue with Merleau-Ponty, Varela, Maturana and Serres. The research prospect expand possibilities for living the artist and dance education regarding views of the body and dance in teacher artist.

Keywords: Dance. Body. Presence. Tai Chi Chuan. Perception.

PRIMO, Rosa. A dança em Partida: experimentações hápticas do tempo. Fortaleza: Universidade Federal do Ceará. UFC; professora adjunta do Programa de Pós-Graduação em Artes e coordenadora dos cursos de Licenciatura e Bacharelado em Dança.

dança: tempo: imagem

O texto aqui apresentado tem como propósito discutir o tempo e a corporeidade dançante a partir do trabalho de videodança Partida, de autoria coreográfica de Ernesto Gadelha com o realizador em audiovisual Alexandre Veras. A dança instala-se diretamente no tempo e Partida parece nos levar a uma compreensão imediata do tempo através do corpo do bailarino, que tem em sua movimentação uma certa dimensão paradoxal da imagem, cujas dobras nos levam a uma realidade que se faz através daquela que se desfaz. O tempo decorre. Partida parece conter um estado passado que se cobre e se recobre sempre num presente redescoberto – tateia-se o tempo: estende-se num presente que é sensação e movimento ao mesmo tempo.

dance: time: image

This text aims to discuss time and dancing corporeality taking as reference the video dance named Partida, directed by the video maker Alexandre Veras and choreographed and performed by Ernesto Gadelha. Dance installs itself directly in time and Partida seems to lead to an immediate understanding of time through the dancer's body, which has in his movement score a certain paradoxical dimension of the image, whose folds lead to a reality that constructs itself through the vanishing of the previous reality. The time elapses. Partida seems to contain a past state that covers and recovers itself always in a rediscovered present - time is groped: it extends itself in a present that is sensation and movement at the same time.

REGO, Isa Sara. DINIZ, Isabel Cristina Vieira Coimbra. Estudos introdutórios para Dançadoração. Salvador: Universidade Federal da Bahia. Bailarina e Professora do Instituto Federal de Goiás. E-mail: isasara5@hotmail.com.

RESUMO

Esta comunicação propõe-se a apresentar aspectos introdutórios do Projeto de Tese que investiga o fenômeno da Dançadoração, enquanto nova mídia e conceito criado por uma prática cotidiana, que se atualiza no corpoescritura. Tem-se observado, nos últimos anos, um considerável crescimento de manifestações artísticas durante a liturgia de cultos. Advento emblemático que atualiza a cena contemporânea da dança, em seus processos criativos, investigativos e teóricos. A palavra valise dançadoração – que contrai as palavras dança e adoração – se apropria do conceito de improvisação para dar forma a uma nova metodologia, nesta ação/fenômeno sujeito e objeto se fundem, contribuindo para o desaparecimento dos sentidos isolados. A hipótese é que este fenômeno, sugere a Semiótica da Ação proposto por Soraia Maria Silva (2007), em cruzamentos com Delsarte e Laban, se constituindo enquanto filtro de interpretação e transposição criativa.

Palavras-chave: dançadoração, corpoescritura, semiótica.


REGO, Isa Sara. DINIZ, Isabel Cristina Vieira Coimbra. Introductory Studies for Worship-dance. Salvador: Federal University of Bahia. Ballerina and Professor at the Federal Institute of Goiás Email: isasara5@hotmail.com.


ABSTRACT

This communication proposes to present introductory aspects of the Thesis Project that investigates the phenomenon of Worshipdance as new media and concept created by a daily practice, that updates the textbody. It has been observed in the last few years, a considerable growth of artistic events during the liturgy of worship. Emblematic advent that updates the contemporary dance in their creative, investigative and theoretical processes.
The word valise worshipdance - which constricts the words dance and worship - appropriates the concept of improvisation to shape a new methodology, in this action /phenomenon the subject and object merge, contributing to the demise of the isolated senses. The hypothesis is that this phenomenon suggests the Semiotics of the Action proposed by Soraya Maria Silva (2007), in crosses with Delsarte and Laban constituting as an interpretation filter and creative transposition.

Keywords: worshipdance, textbody, semiotics.

ROCHA, Thereza (Thereza Cristina Rocha Cardoso). 100 Gestos de uma escrita imunda de mundo: carne e escritura de um espetáculo de dança. 100 gestes d'une écriture immonde de monde: chair et écriture d’une pièce de danse. Fortaleza: Universidade Federal do Ceará; Professora Adjunta; Professora Orientadora do Programa de Pós-graduação em Artes (Mestrado); Pesquisadora do Grupo de Pesquisa CNPq Concepções filosóficas do corpo em cena. Dramaturgista e diretora de espetáculos.

RESUMO

Estudo crítico do espetáculo 100 Gestos da Cia. Dani Lima (RJ/2012-2013) utilizando princípios da escrita de processo, conceito-método inaugurado em nossa tese de Doutorado (UNIRIO, 2012). Partindo do pressuposto de que uma obra de dança manufatura conceitos em seus fazeres, a comunicação pretende examinar aqueles perpetrados pelo espetáculo-objeto de estudo. Pretende ir mais longe, quando se interessa pelas torções impostas à escrita pela dança, dadas as resistências do próprio objeto em permanecer como tal. Hibridiza conceito e dança em seu fazer-dizer na busca por dizer-fazer em dança. Trata-se de uma escrita aderida à imundície da matéria da qual pretenderia evadir-se. É do corpo que se diz. É o corpo que diz. 100 Gestos parece oferecer-se generosamente à empreitada pelo que realiza: inventário corporal dos gestos que construíram o imaginário do século XX através de uma poética cotidiana do corpo. Corpo e mundo, uma vez em contaminação mútua para além das paredes da casa teatral, pedem por um texto que esfole a carne da escrita. Carne da memória da carne. Carne da escrita.

PALAVRAS-CHAVE: Escrita de processo : Corpo e mundo : Dança contemporânea


RESUMÉ

Étude critique du spectacle de danse 100 Gestos de la Cia Dani Lima (RJ/2012-2013) en utilisant principes de la écriture de processus, le concept-méthode établie dans notre thèse de doctorat (UNIRIO, 2012). En supposant qu'un travail de danse développe des concepts dans ses affaires, la communication vise à examiner celles perpétrées par le spectacle-objet d’étude. Veut aller plus loin, lorsqu’il s'intéresse aux torsions imposées à l’écriture par la danse, à cause des résistances du propre objet en rester comme tel. Hybride concept et danse sur sa faire-dire en cherchant un dire-faire dans la danse. Il s’agit d’une écriture adhérée à l'impureté de la matière qui chercherait à se soustraire. C'est le corps qui il est en cause. 100 Gestos semble s'offrir généreusement au but grâce à ce qu’il fait: un inventaire des gestes du corps qui ont construit l'imaginaire du XXe siècle à travers une poétique du corps quotidien. Corps et le monde, une fois en contamination mutuelle au-delà des murs du théâtre, exigent un texte qui écorche la chair de l'écriture. Chair de la mémoire de la chair. Chair de l'écriture.

MOTS CLÉS : Écriture de processus : Corps et le monde : Danse contemporaine

ROCHELLE, Henrique. A Crítica como Terceiridade na Experiência Estética: Dança e as Categorias Peirceanas. Campinas: Unicamp. Fapesp; Mestrado. Unicamp; Mestrado; Artes da Cena; Orientadora: Cássia Navas Alves de Castro.

Dança. Linguagem. Teoria das Categorias. Peirce. Terceiridade.

"RESUMO
Discutir a Dança como meio semiótico de construção, transmissão e compreensão de conteúdos passa por um trabalho de associação dessa linguagem artística à origem teórica da Semiótica, a Teoria das Categorias de Peirce. A partir de análises da Primeiridade, Secundidade e, sobretudo, Terceiridade no momento da apresentação de uma obra de dança, encontra-se um lugar para a Experiência Estética (em sua forma inicialmente proposta pelo semioticista), também dentro de segmentações triádicas dos elementos dessa forma de arte. O desenvolvimento dessa chave de classificações em graus mostra a análise crítica como um evento de terceiridade, dois níveis abaixo da experiência estética, esclarecendo questões do lugar da crítica (e do crítico, enquanto público especializado) na percepção da dança, além de suas inter-relações com as outras formas de resposta e entendimento de quem assiste à obra. A estruturação dos elementos da dança como linguagem a partir das Categorias peirceanas oferece uma associação entre as diversas formas de compreensão da dança, mostrando em que graus os aspectos da experiência se manifestam, e algumas das formas como eles se associam como um todo. "

Dance. Language. Theory of Categories. Peirce. Thirdness.

"ABSTRACT

To discuss Dance as a semiotic means of construction, transmission and understanding of contents requires a work of association between this artistic language and the origin of Semiotics, Peirce’s Theory of Categories. Through analysis of Firstness, Secondness and, mainly, Thirdness in the moment of presentation of a dance work, a place for the Aesthetic Experience (as understood by the semioticist) can be pointed out, also among triadic segmentations of the elements pertinent to this art form. The development of this graded roll of classification shows Critical Analysis as en event of thirdness, two degrees below the aesthetic experience, elucidating matters such as the place of criticism (and that of the critic, as specialized viewer) in understanding dance, as well as its interrelations to other response forms of those who watch the work. Structuring the elements of dance as a language from peircean categories offers an association between the many forms of understanding dance, showing the ways some aspects of the experience manifest, and some means of their association as a whole. "

RODRIGUES, Graziela. Campinas: UNICAMP. UNICAMP; O corpo identificado pelo fluxo de sentidos. Professora Titular.
RESUMO
Traça-se uma reflexão entre o método BPI(Bailarino-Pesquisador-Intérprete) e o método SE(Somatic Experiencing). Propõe-se o desenvolvimento da identidade corporal do artista que faz parte do processo de criação e pesquisa alvitrado pelo método BPI, um intenso trabalho interior da pessoa no contato com as suas sensações, sentimentos, imagens e movimento. De forma similar o método SE, criado por Peter Levine, estabelece estas mesmas conexões no trabalho com o trauma. Os caminhos, ou seja, os sistemas psicofisiológicos, são os mesmos. Rastrear as sensações e sentimentos desconfortáveis, e até assustadores, são essenciais para se atingir um corpo pleno de vida e é com este corpo identificado pelo fluxo dos sentidos que se quer dançar.
Palavras-chave:Bailarino-Pesquisador-Intérprete(BPI).SE(Somatic Experiencing). Processo de Criação.

ABSTRACT
It constructs a reflection between the BPI (Researcher-Performer Dancer) and the SE (Somatic Experiencing) method. It proposes the development of the artist's body identity that is part of the process of creation and research, suggested by the BPI method, an intense inner work of the person in contact with their sensations, feelings, images and movement. Similarly the SE method, created by Peter Levine establishes these same connections in the work with trauma. The paths, this is, the psychophysiological systems, are the same. Track sensations and uncomfortable and even frightening feelings, are essential in order to achieve a body full of life, and it is with this body identified by the flow of the senses that wants to dance.
Keywords: Researcher-Performer Dancer (BPI). SE (Somatic Experiencing). Creation process.

RODRIGUES, Renato Gonçalves. A DANÇA NO MOVIMENTO EVANGÉLICO NO BRASIL. Brasília- DF: UnB. Universidade de Brasília; Programa de Pós-Graduação em Arte PPG-Arte; Mestrado. Orientadora: Soraia Maria Silva. Bailarino e professor das licenciaturas em dança e educação física – UFG.

RESUMO
O presente artigo apresenta os resultados parciais de uma pesquisa de mestrado intitulada “A dança cristã protestante no Brasil: sua manifestação artística na atualidade”, que tem como objetivo compreender a dança como manifestação artístico-cultural no meio evangélico contemporâneo. E como objetivos específicos: Realizar uma revisão bibliográfica sobre a relação da dança com a religião cristã e suas implicações; Fazer um levantamento dos grupos existentes no país e de suas principais características; Identificar qual é a concepção de arte e de dança dos participantes desses grupos; E por último conhecer e analisar o que motiva a realização desses eventos nacionais. Foram investigados quatro festivais evangélicos de arte de projeção nacional, dois deles na região sudeste e dois na região centro oeste. Pautada numa perspectiva qualitativa de pesquisa, utiliza como instrumentos de coleta de dados questionários e entrevistas. Esta pesquisa se justifica pelo crescimento notável da dança dentro das igrejas evangélicas, a cada dia grupos e grupos são criados com o objetivo de fazer dança nesse ambiente eclesiástico. Além desses grupos, hoje em dia, muitos são os festivais de dança, ou de arte, que reúnem bailarinos de todo o país para ensinar dança e para orientar esses grupos para a prática da dança dentro da igreja.
Palavras chave: Dança; Religião; Cristianismo.

ABSTRACT
This paper presents partial results of a research entitled "The Protestant Christian dance in Brazil: its artistic expression today," which aims to understand the dance as artistic and cultural expression among contemporary evangelical. And the following objectives: To review the literature on the relationship between dance and the Christian religion and its implications; Make a survey of the existing groups in the country and its main features; Identify what is the conception of art and dance of the participants in these groups , and last to know and analyze what motivates the realization of these national events. We investigated four festivals evangelical art national prominence, two of them in the Southeast and two in the central west. Guided in a qualitative research uses as instruments for data collection questionnaires and interviews. This research is justified by the remarkable growth of dance within the evangelical churches, every day groups and groups are created with the goal of making dance in church environment. In addition to these groups, nowadays, there are many dance festivals, or art, bringing together dancers from around the country to teach dance and to guide these groups to practice dancing inside the church.
Keywords: Dance, Religion, Christianity.

SALES, Jonas de Lima. Corporeidades negras em cena – Reflexões. Brasília: UNB; Professor Assistente; Doutorando PPgArte/UNB; Artista cênico.

RESUMO

Esta proposta de comunicação objetiva refletir sobre as corporeidades negras constituídas nas expressões tradicionais do Maracatu e Maculelê, na elaboração estética do trabalho do artista cênico. Com isso, busca-se discutir suas técnicas e suas contribuições no processo criativo para a cena, inserindo uma reflexão a respeito das tradições que atravessam o espaço e o tempo e são contemporâneas. Esta discussão é fruto de pesquisa de doutorado em andamento no PPgArte/UNB.

Palavras-chaves: Corporeidade negra, Cena contemporânea, Tradição, Artista cênico.


ABSTRACT

This proposal aims to reflect on communication corporealities black incorporated in the expressions of traditional Maracatu and Maculelê in aesthetic elaboration of the work of scenic artist. With that, we try to discuss their techniques and their contributions in the creative process to the scene, entering a discussion about traditions across space and time and are contemporary. This discussion is the result of doctoral research in progress PPgArte / UNB.

Keywords: Embodiment black contemporary scene, Tradition, scenic artist.

SAMPAIO, Juliano. Ensino de dança e teatro: corpo e construção de conhecimento. Palmas: Universidade Federal do Tocantins, Licenciatura em Artes-Teatro; Professor Assistente; CNPq; Universidade de São Paulo – Instituto de Psicologia; doutorando; Lívia Mathias Simão.

RESUMO
O artigo apresenta reflexões emergidas no contexto das ações de ensino, pesquisa, extensão e criação artística, desenvolvidas na Universidade Federal do Tocantins (out/2012 – jul/2013), junto ao Projeto: “Corpo, Narrativa e Significação – diálogos entre a criação corpo/vocal e o desenvolvimento humano”. O projeto investigou processos de construção de conhecimento no âmbito da criação artística, tomando o corpo como matéria primordial das dinâmicas lúdico-estético-pedagógicas. Neste contexto, o projeto resultou na articulação entre as noções de imaginação, intuição, percepção e contato, desde a abordagem filosófica de John Dewey a respeito da experiência estética e a fenomenologia da percepção de Merleau-Ponty, com fins da compreensão dos processos de construção de uma curva de desenvolvimento do campo potencial de ação do sujeito-artista, nos termos de Ernst Boesch, no contexto do ensino de dança e do teatro. Como conclusão, portanto, assume-se a hipótese de que imaginação, intuição, percepção e contato fazem coabitar o que efetivamente são, o que poderiam ser e o que deveriam ser, no âmbito da construção de conhecimento, as relações eu/corpo-outro-mundo que o sujeito estabelece nas dinâmicas de criação artística.
Palavras-Chave: Corpo. Experiência Estética. Construção de Conhecimento.

ABSTRACT
The article presents some reflections from the context of the actions of teaching, research, university extension and artistic creation developed at the Federal University of Tocantins (oct/2012 – jul/2013), during the project: “Body, Narrative and Making Sense – dialogues between body/vocal creation and the human development”. The project investigated knowledge construction processes in the field of artistic creation, on which body was considered the principal substance of ludic-aesthetic-pedagogical dynamics. In this sense, this text resulted in an articulation among the notions of imagination, intuition, perception and contact from both the philosophical approach of John Dewey about of the aesthetics experience and the phenomenology of perception of Merleau-Ponty. In the context of dance and drama teaching, this articulation intends to promote the understanding of the construction process of a development curve of the potential field of action of the artist-subject, in the Ernst Boesch’s terms. Therefore, in the knowledge construction sense, it is presented here as the conclusion the hypothesis that the imagination, intuition, perception and contact make cohabit what are, what could be and what should be in the I/body-other-world relationships which the subject establishes in the dynamics of artistic creation.
Keywords: Body. Aesthetics Experience. Knowledge Construction.

SILVA, Eliana Rodrigues. Memórias em ilha de edição: arte, pesquisa e experiência. Salvador: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; Universidade Federal da Bahia; Professor Associado III. Pós Doutora pela Universidade de Paris 8, Avaliadora de cursos INEP/MEC. Coreógrafa e dançarina.

Dança: Pesquisa: Criação.

Este artigo traz elementos de discussão da experiência criativa a partir do que está no cerne de toda vivência artística, sejam seus agentes artistas ou artistas pesquisadores engajados em cursos de pós graduação. No entanto, no exercício da percepção e análise de seus estudos, estes últimos contam com ferramentas a mais, alternando-se entre os papéis que lhes são solicitados como artistas, analistas e até críticos genéticos."

Dance: Research: Creation.

This article discusses some elements of the creative experience coming from that which is in the center of all artistic experience, whether their agents are artists or researcher-artists engaged in post-graduation courses. Nevertheless, in the exercise of perception and analysis of their studies, the latter have extra tools in hand, as they switch between the roles that are required of them as artists, analysts and even genetic critics."

SILVA, Rosemeri Rocha. Configurações Temporais – Dramaturgia. Universidade Estadual do Paraná/ Faculdade de Artes do Paraná - UNESPAR/FAP; Curitiba; Professora, pesquisadora e coreógrafa.
 

O presente artigo trata da continuidade da proposta de estudo iniciada e apresentada no Congresso de 2013. O objetivo é apresentar o conceito de mapa de criação com suas etapas distintas de investigação, como uma estratégia de proceder no desenvolvimento de um projeto poético. A proposta é focalizar a discussão na terceira etapa desse mapa, nominada de configurações temporais – dramaturgia, que indicar/aponta algumas pistas de como pode se pensar a composição, ou seja, na trama que compõe a cena – a dramaturgia de um corpo que dança.


Palavras-Chave: mapa de criação;composição; dramaturgia.



This article deals with the continuity of the proposed study initiated and presented at the congress 2013. The goal is to introduce the concept of map creation with their different stages of research as a strategy to undertake development of a poetic project. The proposal is to focus the discussion on the third step of the map, nominated temporal settings - drama, which indicates / suggests some clues can be thought of as the composition, ie, in the plot that makes the scene - the dramaturgy of a dancing body .


Keywords: Map creation; composition; dramaturgy.

SILVEIRA, Juliana Carvalho Franco. Processos colaborativos de criação em dança no contexto educacional. Viçosa: Universidade Federal de Viçosa; Professora Assistente II. Bailarina e diretora.

RESUMO

O artigo investiga a prática colaborativa como metodologia de trabalho para o desenvolvimento de processos criativos em dança, na formação de artistas-pesquisadores. Articula o conceito de prática como pesquisa, sugerido por Pakes (2009), com o conceito de processos colaborativos como sistemas dinâmicos, onde a cooperação e o trabalho em equipe são essenciais às descobertas e inovações, como apresentado por MacKechnie e Stevens (2009). Além da pesquisa teórica realizada, o estudo baseia-se na prática colaborativa do Grupo Rascunho, que é vinculado à Universidade Federal de Viçosa como projeto de extensão e pesquisa. As conclusões indicam que o trabalho colaborativo potencializa a prática artística dos estudantes, além de promover o questionamento e a reflexão sobre suas escolhas, favorecendo, assim, a formação de artistas-pesquisadores. Todo esse processo prático e reflexivo é considerado substancial para estudantes que estão em formação e que estão se preparando para atuar profissionalmente na sociedade.


Palavras-chave: Processos colaborativos de criação. Dança. Prática como pesquisa.

ABSTRACT

This paper investigates the collaborative practice as a work methodology for the development of creative processes in dance, as part of the formation of artists-researchers. It articulates the concept of practice as research, as suggested by Pakes (2009), with the concept of collaborative processes as dynamic systems, where cooperation and teamwork are essencial for the discoveries and innovationtions, as presented by MacKechnie and Stevens (2009). Besides the theorical research, this study is based on the collaborative practice of Grupo Rascunho, that is connected to the Universidade Federal de Viçosa as an extension and research project. The conclusions indicate that the collaborative work potencializes the artistic practice of the students and encourage questioning and reflexion about their choices, promoting the formation of artists-researchers. All this reflexion process is considered substantial for students that are forming and that are being prepared to act professionally in society.

Keywords: Colaborative processes of creation. Dance. Practice as research.

SIQUEIRA, Arnaldo. Festivais de Dança: problematizações. Recife:Universidade Federal de PE-UFPE. Professor de Dança do Depto de Teoria da Arte e Expressão Artística da UFPE. Produtor cultural, curador e coreógrafo.

Atualmente, existe uma infinidade de festivais de dança no Brasil espalhados por todo o território nacional, tanto em capitais como em cidades do interior. Alguns deles oferecem programações concebidas com pouco rigor artístico, basicamente compostas de espetáculos de academias de dança – muitas vezes competindo entre si – estes eventos são direcionados a um público formado, em sua maior parte, por estudantes dessas mesmas academias, seus respectivos pais, parentes e amigos. Por outro lado, na última década vimos surgir importantes festivais de dança contemporânea em algumas capitais brasileiras. O comprometimento deles em atender demandas identificadas predominantemente junto aos profissionais da área parecem gerar também “efeitos colaterais” indesejados. À medida que tornaram suas propostas demasiadamente voltadas para um público especializado, em detrimento de outras platéias “não iniciadas”, mas também ávidas de fruírem dança, constatou-se uma perda gradual de espectadores ou a incapacidade crônica de alguns eventos para agregar novos públicos. Palavras-chave: Dança, festivais.
Abstract
Currently, there is many of dance festivals in Brazil scattered throughout the country, both in capital and in towns. Some of them offer programs designed with little artistic rigor basically composed of spectacles dance academies - often competing against each other - these events are targeted to an audience, for the most part, by students of those academies, their parents, relatives and friends. On the other hand, the last decade saw important emerging contemporary dance festivals in some capitals. The commitment to meet their demands identified predominantly with the professionals also seem to generate "side effects" unwanted. As they made their proposals too focused on a specialized audience, at the expense of other audiences "not started", but also eager to enjoy dance, it was observed a gradual loss of viewers or chronic inability to add some events to new audiences. Key words: Dance, Festivals.

SIRIMARCO, Gisela Dória. Abstract: “Trisha Brown: uma Dramaturgia Performativa na Dança Contemporânea”. Campinas: Universidade Estadual de Campinas; Prof.a Dra Cássia Navas; Doutoranda.

RESUMO: Dança contemporânea, performatividade, Trisha Brown, dramaturgia, campo expandido.

A partir dos anos sessenta, do século XX, os Estados Unidos da América testemunharam a emergência de um dos mais significativos grupos de dança Contemporânea do Ocidente, o Judson Dance Group. Figuras notórias da contra-cultura norte-americana frequentaram esse coletivo, dentre eles a coreógrafa e dançarina Trisha Brown. Nesse período, dançarinos profissionais começaram a compartilhar a cena com não-dançarinos’, ruas, parques e museus passaram a ser usados como espaços de apresentação, a relação entre artista e público se torna mais complexa, assim como o uso do corpo e do tempo. Esse foi o contexto em que a coreógrafa Trisha Brown começou a desenvolver o seu trabalho. Feitas essas colocações sse artigo pretende examinar a obra “Men Walking Down the Side of a Building”, obra concebida em 1972. Dentre as implicações que emergem dessa proposta a noção de uma dramaturgia performativa merece especial atenção. Até que ponto a obra de Brown pode ser considerada como um exemplo dessa dramaturgia? E ainda, como as tensões entre a “Cultura de Sentido”e a “Cultura da presença” podem colaborar para iluminar as especificidades dessa dramaturgia?




Abstract: contemporary dance, Trisha brown, performativity, dramaturgy, expanded field.
During the twentieth century from the sixties on the United States witnessed the emergence of one of the most significative Western contemporary dance groups known as Judson Dance Group. Many remarkable New York figures of counterculture took part of this ensemble, among them the dancer and choreographer Trisha Brown. At that time, professional dancers began to share the stage with non-professionals; performance spaces denied the italian format in order to occupy streets, parks and museums. Unconventional places turned out to be performance venues. These new creators proposed a transformation in the relationship between performers and audiences, as well as in the use of space, time and the body. That is the context where the work developed by Trisha Brown is inserted. Based on these considerations, this article intends to examine one of her Early Works, called “Men Walking Down the Side of a Building”, conceived in 1972. Amongst the implications that can emerge from this proposal the notion of performative dramaturgy deserves a special attention. At what level Brown’s Early Works opened new ground for the emergence of such a dramaturgy? How can the tensions between the ‘culture of meaning’ and the ‘culture of presence‘ clarify the specificities of this dramaturgy?

SOARES, Andréa C. M. O véu e o vento: um encontro poético entre a dança do ventre clássica e a dança contemporânea de Eva Schul. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Capes;3. Coreógrafa bailarina.

dança do ventre:dança contemporânea: improvisação.

Este artigo reflete sobre alguns princípios da poética de Eva Schul relacionando-os com aspectos da obra de Hans Thies Lehman (1999) e Sophie Guhéry (2004) sobre a dança contemporânea. O estudo apresenta a experiência da autora enquanto bailarina de dança do ventre e o encontro com a poética de Eva Schul. A partir da perspectiva de uma pesquisa em prática coreográfica, sob os preceitos da auto-etnografia (FORTIN, 2006), o estudo aborda como a descoberta de novos processos de improvisação para composição coreográfica revelaram-se como um importante fator para repensar a prática atual da dança do ventre e a relação do bailarino e seu espectador. Após participar das aulas de improvisação e de técnica contemporânea de Eva Schul, compreendeu-se que não só a dança do ventre pode servir de material para uma dança contemporânea, mas também a dança contemporânea mostrou-se um material valiosíssimo para a construção de uma nova poética para a dança do ventre.

belly dance: contemporary dance: improvisation.

This article reflects on some principles of poetic Eva Schul relating them to aspects of the work of Hans Thies Lehman and Sophie Salvatori about contemporary dance. The study presents the author's experience as a belly dancer and this meeting with the poetic choreography Eva Schul. From the perspective of a choreographic research into practice, under the precepts of auto-ethnography, the study discusses how the discovery of new processes of improvisation to choreography proved to be an important factor to rethink the current practice of belly dance and the relationship of the dancer and the spectator. After attending classes improvisation and contemporary technique of Eva Schul, it was understood that not only belly dance can serve as material for a contemporary dance, but to contemporary dance proved to be invaluable material for the construction of a new poetic for belly dancing.

TAVARES, Joana Ribeiro da Silva. Circulando – Um espaço para jovens com transtornos mentais. Rio de Janeiro: UNIRIO/PPGAC/PPGEAC, Professor Adjunto.

Transtorno Mental. Corpo. Inclusão.

Esta comunicação apresenta o projeto “Circulando”, que constitui-se, entre outras ações, da implantação de uma oficina na Escola de Teatro da UNIRIO, voltada para o trabalho corporal de jovens que sofrem de problemas relacionados à saúde mental (autistas e psicóticos). Trata-se da institucionalização do projeto “Ateliê de Teatro” (2010-12) realizado de modo experimental pelo coletivo Teatro de Operações. O projeto atende cerca de vinte jovens autistas e psicóticos e seus familiares, com a participação de cinco oficineiros da Escola de Teatro (UNIRIO) e seis clínicos da Escola de Psicologia (UFRJ). O trabalho caracteriza-se como um espaço de vivência, e tangencia o campo da dança, do movimento e da terapia. A sua metodologia é pautada no trabalho com objetos, na sensibilização musical, na inclusão no meio ambiente e na criação de pequenas cenas, ou eventos teatrais. Seus resultados compreendem a pesquisa e produção de conhecimento em artes/educação especial, possibilitando o acesso de jovens autistas e psicóticos às Artes Cênicas. Propõe interface entre as áreas de Artes e Saúde, estimulando novas zonas de diálogo e a intervenção em espaços não formais de ensino.

Mental Disorders. Body. Inclusion.

This communication presents the project "Circulation": a workshop of physical training for young people affected by mental disorders (autism and psychosis) developed at UNIRIO. “Circulation” is the result of a project (2010-12) conducted in experimental forms by the group Teatro de Operações, which has now been institutionalized. The project serves approximately twenty young autistics and psychotics and their families through the participation of five workshop-leaders (students of UNIRIO) and six clinicians from the Department of Psychology (UFRJ). The workshop could be characterized as the implementation of an experiential space drawing from the areas of dance, movement and therapy. The methodology is based on object-relation work, musical sensibilization, inclusion in the environment and on the creation of small theatrical scenes or “events”. The results of the workshop comprise research and the production of knowledge in the areas of arts and education for the disabled, thus giving young autistics and psychotics access to the Performing Arts. Our project proposes an interface between the areas of the Arts and Health Sciences, and education in informal spaces.

TEIXEIRA, Paula Caruso & RODRIGUES, Graziela Estela Fonseca.“Graça Bailarina de Jesus” e o Nascimento do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI). Campinas: UNICAMP; Instituto de Artes; realizando doutorado em Artes da Cena; Professora Orientadora: Profa. Dra. Graziela Estela Fonseca Rodrigues. Dançarina.

Esse texto fala do processo de criação do espetáculo “Graça Bailarina de Jesus ou Sete Linhas de Umbanda salvem o Brasil” desenvolvido em 1980 por Graziela Rodrigues e que marcou o nascimento do seu método. De 1980 a 1987 ela vivenciou o que intitula do seu primeiro percurso no método, experimentando-o no seu próprio corpo. “Graça Bailarina de Jesus” é fruto de inúmeras pesquisas e sobretudo, da inquietude da intérprete que buscou uma personagem e encontrou sua inspiração numa doméstica na rodoviária de Brasília. A partir desse encontro com o outro e consigo mesma, a criadora do BPI se lançou a pesquisar empregadas domésticas em agências de emprego e nas cidades satélites da capital federal. Aprofundou também os seus estudos sobre manifestações culturais brasileiras e rituais, em especial, sobre a Umbanda, que fazia parte do universo dessas mulheres. A personagem após dois a três meses de campo nasceu nos laboratórios com tal força, que quando retornou aos locais das pesquisadas é confundida com elas. “Graça” era o seu nome, uma doméstica que sonha dançar e no roteiro do espetáculo relembra no último dia de sua vida, a sua triste história que mescla sonho, desilusão e esperança. Tanto no processo de criação do trabalho como nas apresentações que foram inovadoras para a época, como uma apresentação num terreiro de Candomblé numa cidade satélite, “Graça Bailarina de Jesus” chamou a atenção do público e da critica pela sua singularidade. Um espetáculo que marcou não só a trajetória artística de sua criadora, mais também da plateia que o apreciou. Esse texto abordará essas e outras questões, mas principalmente o porquê da importância desse trabalho para o desenvolvimento do BPI. Esse estudo faz parte do projeto ainda em andamento do doutorado em Artes da Cena intitulado: “A história das origens da criação do método BPI e do seu desenvolvimento no primeiro percurso da sua criadora (1970-1987)”. A metodologia utilizada foi a pesquisa de campo, com a realização de entrevistas semiestruturadas, investigações bibliográficas e documentais.

PALAVRAS-CHAVES: Método Bailarino-Pesquisador-Intérprete. Danças do Brasil. História da dança.

TRAVI, Maria Tereza Furtado.Caminhos para dançar-se. Porto Alegre: UFRGS; Mestrado; Profª. Drª. Silvia Balestreri Nunes.

Esta pesquisa é um desdobramento de um estudo iniciado em 2009, no qual a autora investiga a relação do processo criativo de Pina Bausch com a psicanálise, no que se refere ao acesso ao inconsciente através da associação livre. A partir da aproximação dessas duas áreas, a autora tem como objetivo aprofundar essa comparação, ampliando a análise bibliográfica, e investigar se o processo coreográfico de Pina Bausch assemelha-se ao processo psicanalítico também quanto às concepções de setting e transferência, e, a partir daí, propor a psicanálise como um possível caminho na construção do dançar-se, tendo a subjetividade clivada como fonte de criação de movimentos.
Palavras-chave: Pina Bausch. Dança-teatro. Processo de criação. Psicanálise.

TRAVI, Maria Tereza Furtado. Ways to dance. Porto Alegre: UFRGS; Master Degree; Professor Silvia Balestreri Nunes, PhD.

This research is an outgrowth of a study started in 2009 in which the author investigates the relation between the creative process of Pina Bausch and psychoanalysis concerning the access to unconscious through free association. By approaching these two areas, the author aims to deepen the comparison, to expand literature analysis and to investigate whether the choreographic process of Pina Bausch resembles the psychoanalytic process regarding the concepts of setting and transference. Then, psychoanalysis may be suggested as a possible way to build dance, and subjectivity may be a source for the creation of movements. must be, somehow, into focus. For that, psychoanalysis may help art.
Keywords: Pina Bausch. Dance Theater. Creation Process. Psychoanalysis.

TURTELLI, Larissa; RODRIGUES, Graziela. Baixou o Santo?. Campinas: UNICAMP. Professora Doutora; Professora Titular. Pesquisa com financiamento FAPESP.

Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI). Umbanda. Dança do Brasil.

Esta comunicação refere-se a uma pesquisa em andamento que investiga diferentes aspectos referentes à recepção dos espectadores ao espetáculo de dança-teatro Fina Flor Divino Amor – Iyabá Legba Hei!. O espetáculo foi criado a partir de pesquisa de campo com as Pombas Giras da Umbanda. Os dados estão sendo recolhidos a partir de depoimentos voluntários dos espectadores, respostas a questionários, filmagens e diários escritos sobre as apresentações. Um dado instigante obtido até o presente momento é o fato de, algumas vezes, mulheres estrangeiras reconhecerem-se mais no espetáculo do que as brasileiras, o que nos levanta questões sobre os conflitos e preconceitos existentes no Brasil com relação ao ritual da Umbanda e especialmente às Pombas Giras. Outro aspecto marcante nesse sentido têm sido os questionamentos no seguinte sentido a respeito do que acontece em cena: "baixou o Santo"?

Dancer-Researcher-Performer (BPI); Umbanda. Brazilian Dance.

This reporting refers to an ongoing research that investigates different aspects concerning the reception of spectators to the spectacle of dance theater Fina Flor Divino Amor - Iyabá Legba Hey!. The show was created from field research with the Pombas Giras of the Afro-Brazilian religion Umbanda. Data is being collected from voluntary statements of spectators, answers to questionnaires, diaries and filming of the presentations. An instigating fact obtained so far is that, often foreign women recognize themselves more in the show than the Brazilian ones. This fact raises questions about the conflict in Brazil regarding the Umbanda ritual and especially regarding the Pombas Giras. Another striking aspect in this direction have been the questions in the following sense about what happens on stage: is she possessed?

VALARDÃO, S. TURTELLI, L. Dançando e Criando: um processo criativo com adolescentes em situação de risco a partir do Método BPI (Bailarino-Pesquisador-Intérprete). Campinas: UNICAMP; Mestrado; Profª Drª Larissa Turtelli.
RESUMO
O Método BPI (Bailarino-Pesquisador-Intérprete) possibilita o emergir de uma dança proveniente de um corpo que entra em contato com suas próprias origens culturais. Trata-se de um método de criação artística que propicia uma autodescoberta, que conecta o indivíduo consigo mesmo, fazendo surgir movimentos significativos para a própria pessoa e plenos de vitalidade. O questionamento da presente pesquisa é: como esse processo artístico se dará com adolescentes em situação de risco? Propõe-se desenvolver um processo de criação artística documentado a partir de aspectos do Método BPI com adolescentes, de dez a quatorze anos, educandos da entidade Centro de Estudos e Promoção da Mulher Marginalizada – CEPROMM, localizada no Jardim Itatinga, zona confinada de prostituição, na região sudeste de Campinas-SP. A iniciativa se desenvolve através da utilização de aspectos do Método BPI para esses adolescentes, procurando-se favorecer o desenvolvimento da identidade e autoestima de cada um dos participantes. O período para desenvolvimento e coleta de dados da pesquisa é de um ano e meio, ou três semestres, em atividades de duas a três vezes por semana. A abordagem é fenomenológica, teórico-prática no caráter descritivo qualitativo, sendo que a descrição e análise de dados serão fundamentadas nos eixos e ferramentas do Método BPI.
Palavras-Chave: Método BPI (Bailarino-Pesquisador-Intérprete). Danças Brasileiras. Adolescentes.
ABSTRACT
The BPI (Dancer-Researcher-Performer) Method allows the emergence of a dance from a body that comes in contact with their own cultural backgrounds. It is a method of artistic creation that provides a self-discovery, connecting the individual with himself, giving rise to significant movements for self and full of vitality. The questioning of the current research is how this artistic process would happen with teens at risk situation? It is proposed to develop a documented process of artistic creation from the BPI Method of adolescents, students from ten to fourteen from Center for the Study and Promotion of Marginalized Women entity – CEPROMM, located in Itatinga Garden, zone of prostitution in the region southeast of Campinas – SP. The initiative will be through the use of aspects of BPI Method for these adolescents, seeking to encourage the development of a identity and self-esteem each participant. The development period and collection of research data is a year and a half, or three semesters in two to three times a week activities. The approach is phenomenological, theoretical and practical qualitative descriptive in character, and the description and analysis of data will be based on the axes and tools of BPI Method.
Keywords: BPI (Dancer-Researcher-Performer) Method. Brazilian Dances. Adolescent.

VIEIRA, Marcilio de Souza. Décadas de 1960 a 1970: registros em dança da cidade do Natal. Natal, RN: Universidade Federal do Rio Grande do Norte; Professor Adjunto.

RESUMO
A dança na cidade do Natal tem seus antecedentes nos anos de 1960 quando por terras potiguares aportaram para apresentações no Teatro Alberto Maranhão companhias de dança advindas de outras partes do país e apresentações de dança de escolas de dança criadas em Natal desde os anos de 1960 com o intuito de fomentar a apreciação estética dessas dança nessa casa de espetáculo. O trabalho objetiva compreender como se deu a dança na cidade do Natal no período das décadas de 1960 a 1970. Apresenta a fenomenologia da memória como abordagem metodológica. Como técnica de pesquisa usamos os recortes de jornais, os folders de companhias e grupos que se apresentaram neste período no TAM e fotografias encontradas nas pastas dos arquivos do teatro. É preciso ressaltar que entre as décadas de 1960 e 1970, grupos e companhias foram criados, diversificando a linha coreográfica e incluindo outras técnicas, buscando experiências em outros centros onde a dança encontrava-se em estágio de maior desenvolvimento, como São Paulo, Rio de Janeiro, Recife e Salvador, promovendo um intercâmbio providencial para o desenvolvimento da dança em Natal.
Palavras-chave: Memórias de dança. Dança em Natal. Teatro Alberto Maranhão.

ABSTRACT
Dance in the city of Natal has its antecedents in the years 1960 when lands potiguares landed for presentations in the Alberto Maranhão Theatre dance companies coming from other parts of the country and dance performances from dance schools created in Natal from the 1960s with the intention of promoting aesthetic appreciation of these dance show in this house. This study understand how was the dance in the Natal city in the period from the 1960s to 1970. Displays the memory phenomenology as a methodological approach. As a research technique used the newspaper clippings, brochures of the companies and groups that appeared during this period at TAM and photographs found in file folders theater. It should be noted that between the 1960s and 1970s, groups and companies have been created, diversifying the line including choreographic and other techniques, seeking experiences in other centers where the dance was in a stage of further development, such as São Paulo, Rio de Janeiro, Recife and Salvador, promoting an exchange instrumental in the development of dance in Natal.
Keywords: Memories of dancing. Natal Dance. Alberto Maranhão Theater.

VILELA, Lilian F. Dança contemporânea e sua fruição pelas crianças: O que podemos aprender com isto? Campinas: UNICAMP; pesquisadora colaboradora do Laborarte. Bailarina, pesquisadora e professora de dança.
Resumo
Esta comunicação tece considerações acerca do crescimento de incentivos e criações de espetáculos de dança contemporânea destinados ao público infantil, e as implicações decorrentes deste fato. O estudo aqui apresentado privilegia o pesquisador ativo, aquele que se inscreve na pesquisa, como artista desta linguagem - pela experiência vivida em dez anos de atuação como intérprete-criadora da Balangandança Cia.-, e também, plateia de espetáculos destinados ao público infantil, com especial recorte na observação e acompanhamento de seis espetáculos selecionados pela Mostra Rumos Itaú Cultural Dança 2012/ 2013, na cidade de São Paulo. Esta comunicação traça indagações acerca dos modos de criação em dança contemporânea abordados nestes trabalhos, tais como, as escolhas estéticas das obras quanto à pesquisa de movimentos e composição cênica, as motivações de origem, e as concessões postas na relação entre artistas e espectadores. Como resposta, percebe-se a diversidade de abordagens estéticas e intencionalidades entre os grupos pesquisados, cada qual construindo conceitos próprios acerca da investigação em dança e da cultura infantil; abordagens estas potencializadoras da reflexão para a área da dança como um todo, bem como para a formação de público apreciador desta arte.
Palavras-chave: dança contemporânea, público infantil, fruição

Abstract
This communication makes considerations about increase of incentives and creations in contemporary dance performances aimed to children, and the implications of this fact. The study focuses on the active researcher, who enrolls the research as an artist of this language – the experience of ten years as a performer of Balangandança Cia. – as well as audience of spectacles aimed to children with a special observation six performances selected by Mostra Rumos Itaú Cultural Dança 2012/2013, in the city of São Paulo. This communication focuses on questions about the modes of creation in contemporary dance treated in these works, such as works of aesthetic inquiries as to research movements and scenic composition, the motivations of origin and the concessions put on the relationship between artists and spectators. As a result, we see the diversity of approaches and aesthetic intentions among the groups surveyed, each one buiding their own concepts about artistic research in dance and also on children´s culture, which may constitute axes of reflection to the field of dance as well as in forming specific audience to dance.
Keywords: contemporary dance, child audience, fruition

VITIELLO, JULIA ZIVIANI. O artista na universidade: seu espaço de atuação. Campinas: UNICAMP; docente. Bailarina, Coreógrafa.

RESUMO

No Brasil se verifica o crescimento de programas de graduação e pós graduação em artes, o que sem dúvida é um fato positivo. Porém, no que concerne a pesquisa e divulgação de trabalho, que envolvem procedimentos para a formação e a criação em dança, a situação nem sempre é satisfatória. Reflexões a respeito leva a questões sobre se estes programas em artes cênicas e cursos de dança estão preparados para produzir e divulgar a pesquisa artística, e se seus gestores da universidade sabem identificar quais são as necessidades específicas para desenvolvimento da docência, pesquisa e extensão na área.
É fato que o artista docente na universidade também encontra dificuldades para compreender o funcionamento da estrutura acadêmica, as quais diferenciam-se de sua formação e experiência artística. Esta situação gera um cenário de conflitos prejudiciais ao crescimento e fortalecimento destes novos programas. Uma reflexão acerca desta situação se faz necessária no presente, quando a dança contemporânea busca expandir seus campos de ação, sem delimitação entre métodos e técnicas, investigando, deslocando e relocando conceitos e princípios, que contribuam para a formação e criação de movimentos singulares, emergentes da compreensão e renegociação daquilo que acontece quando um movimento termina e outro começa, entre os passos e os deslocamentos no espaço e tempo.

Palavras-chave: artista na universidade. pesquisa artística. dança contemporânea.

ABSTRACT

In Brazil, it checks the growth of undergraduate programs and graduate in arts, which undoubtedly is a positive fact. However, regarding the research and dissemination of work, involving procedures for training and dance creation, the situation is not always satisfactory. Reflections about leads to questions about whether these programs in theater arts and dance courses are prepared to produce and disseminate the artistic research, and their managers know the university identify what are the needs for development of teaching, research and extension in the area .
It is a fact that the artist faculty at the university also finds it difficult to understand the functioning of the academic structure, which differ in their training and artistic experience. This creates a scenario of conflict adeverse to the growth and strengthening of these new programs. A reflection on this situation, it is necessary in the present, when the contemporary dance seeks to expand its field of action, without distinction between methods and techniques, investigating, shifting and relocating concepts and principles that contribute to the formation and creation of singular movements, emerging understanding and renegotiation of what happens when a movement ends and another begins, between the steps and movements in space and time.


Keywords: artist at the university. artistic research. contemporary

WEBER, SUZI. Teoria Bang Bang Porto Alegre: UFRGS, Professora adjunta; atriz e bailarina.

RESUMO
Esta comunicação aborda a criação Teoria Bang Bang, onde dois estudantes-atores, alunos de Inciação Científica, apresentam certas noções sobre dança, performance e improvisação. Teoria Bang Bang é uma palestra dançada que faz parte de um estudo maior onde a metodologia utiliza estudos téoricos, práticas artísticas, entrevistas e observações. A partir de uma seleção de textos de autores especializados tais como José Gil, Sally Banes, Merce Cunning, Steve Paxton, entre outros, os atores em cena apresentam e discutem conceitos oriundos das artes cênicas. Ao mesmo tempo, eles testam a elasticidade destes conceitos, demonstrando, apresentando, dançando, mostrando-se fazendo. Teoria Bang Bang busca aproximar processo e resultado. Ao longo da criação, pequenas performances foram realizadas em duas escolas públicas de Porto Alegre de modo a testar certos procedimentos. Estes experimentos foram essenciais e auxiliaram a contextualizar a criação em seu espaço institucional de ensino e latino-americano.
Palavras-chave : dança. Performance. Improvisação. Criação. teoria.

RÉSUMÉ
Cette communication aborde la création Theorie Bang Bang, dont deux étudiants-comédiens, jeunes chercheurs, présentent certaines notions sur la danse, la performance et l'improvisation. Théorie Bang, c’est une conférence dansée qui s'inscrit dans le cadre d'une vaste étude qui utilise en tant que méthodologie des études théoriques, des pratiques artistiques, des entretiens et des observations. À partir d'une sélection de textes d'auteurs tels que José Gil, Sally Banes, Merce Cunning, Steve Paxton, entre autres, ces comédiens en scène présentent et discutent des concepts du monde des arts de la scène. En même temps, ils testent l'élasticité de ces concepts, ils démontrent, présentant, dansant, montrent. Théorie Bang Bang cherche rapprocher le processus du résultat. Tout au long de la création, des performances ont eu lieu dans deux écoles publiques de Porto Alegre afin de tester certaines procédures. Ces expériences ont été essentielles et ont aidé à mettre en contexte la création d'un espace institutionnel de l’enseignement et Latino-Américaine.
Mots-clés: danse, performance, l'improvisation, la création, la théorie.

ZIMMERMANN, Elisabeth Bauch. A contribuição do pensamento junguiano à compreensão do processo criativo em dança. Campinas, SP: Universidade Estadual de Campinas. Instituto de Artes; Docente do departamento de Artes Corporais.

processos criativos: psicologia profunda: dança.

"RESUMO
Segundo Jung, o processo criativo é visto como ativação inconsciente de imagens arquetípicas e de sua elaboração em contato com o campo de relações conscientes do Eu. Observando as pessoas envolvendo-se na improvisação de dança é possível perceber que, ao mesmo tempo em que expressam criativamente a realidade da música, ocorre nelas, uma integração de várias dimensões psíquicas. À medida que isto ocorre as pessoas se deixam levar menos por formas meramente exteriores, e seus movimentos se tornam mais fluentes e abrangentes. As pessoas irradiam uma presença cênica efetiva, uma capacidade de reconhecer os próprios impulsos internos e de conduzir-se na relação com o meio exterior. Quando o processo interior é ignorado a consciência produz movimentos ordenados, repete padrões conhecidos, as pessoas parecem alheias e seus movimentos distanciados. O movimento relacionado com uma camada mais profunda da personalidade faz surgir novos impulsos, que desenvolvem a improvisação como um fio condutor, como uma Gestalt interna a qual, num determinado momento, é cumprida e deixa uma sensação de realização, tanto no artista, como no espectador. "

creative processes: depth psychology: dance.

"ABSTRACT
According to Jung, the creative process is seen as an activation of unconscious archetypal images and its elaboration occurs in touch with the field of conscious relations of the ego. Watching people getting involved in dance improvisation it is possible to notice that, while expressing creatively the music, therein occurs an integration of various psychological dimensions. As this happens people get less carried away by merely outer forms, and their movements become more fluent and comprehensive. People radiate a effective stage presence, an ability to recognize their own inner impulses and conduct themselves in relation to the external environment. When the inner process is ignored, consciousness produces ordered movements, repeating known patterns, people seem alien and their movements distanced. The movement related to a deeper layer of personality raises new impulses, which develop improvisation as a guideline, as an internal Gestalt which, at a given time is fulfilled and leaves a sense of accomplishment in both, artist as viewer. "