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ALEIXO, Fernando M. O (des)dizer sobre os dizeres sobre a voz: a fala e a cena. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia; Professor Adjunto. Ator.

RESUMO
A origem do ator, precedente a própria origem do teatro, está estreitamente ligada à história da humanidade (Carvalho, 1989 / Dubatti, 2008). Neste percurso, podemos observar que a arte do ator é fortemente ligada à utilização da voz, como forma de consolidar todos os aspectos ligados à representação, e que compreende a utilização diferentes modos de expressão vocal, dos cantos e recitações épicas até as poéticas da fala que caracterizam a diversidade do teatro contemporâneo.
Contudo, pouco se tem sistematizado sobre o trabalho vocal que, ou se confunde com estudos sobre o texto – estilos, gêneros, escolas, padrões gramáticos, retóricos, etc. – ou se restringe em análises e padronizações técnicas ancoradas em áreas como a música e, mais recentemente, como a fonaudiologia.
Este trabalho busca refletir sobre este tema, à luz das especificidades do teatro, procurando desconstruir alguns conceitos cristalizados que direcionam as reflexões elimitam as práticas de preparação técnica vocal do ator. Para isso, organiza conceitos sobre a presença, a performance e a alteridade na dimensão da vocalidade poética e da fala e a cena, a partir do trabalho do grupo de pesquisa sobre “Práticas e Poéticas Vocais”.
Palavras-Chave: corpo-voz. vocalidade poética. performance vocal. presença e fala.

RÉSUMÉ
L´origine de l´acteur, précédente à l´origine même du théâtre, est étroitement liée à l’histoire de l’humanité (Carvalho, 1989 / Dubatti, 2008). Dans ce parcours, nous pouvons observer que l´art de l´acteur est fortement liée à l’utilisation de la voix, comme façon de consolider tous les aspects liés à la répresentation, e qui comprennent l´utilisation des différents modes d´expression vocal, des chants épiques et des récitations, jusqu’à l’usage de la parole poétique, qui caractérise la diversité du théâtre contemporain.
Cependent, peu a été fait dans le domaine du travaux systématiques sur la voix, qui sont souvent confondues avec les études sur les textes – les styles, les genres, les écoles, les normes de la grammaire, la rhétorique, etc. – ou très limitée à l’analyse et normalisation des techniques liées à la musique, et plus récemment à « médecine de la voix ».
Ce travail est une réflexion sur ce sujet, pensée à la lumière des spécificités du théâtre, à la recherche d´une déconstruction des certains concepts cristallisés sur les pratiques de technique vocale de l´acteur. À cet effet, le travail organise concepts de présence, performance et altérité dans la vocalité, et aussi sur la parole poétique et la scène, concepts qui ont été compilés à partir du travail du groupe de recherche: «Pratiques et poétiques vocales».
Mots clés: corps-voix. vocalité poétique. performance vocale. présence et la parole

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ARAÚJO, Antonio. Ações Disruptivas no Espaço Urbano. São Paulo: Universidade de São Paulo; professor MS-3. Encenador

RESUMO
Como criar ações que sejam capazes de interferir no espaço público, criando zonas de perturbação e desequilíbrio que, ao mesmo tempo, desestabilizem a relação funcionalista e de uso cotidiano do espaço? As ações disruptivas buscam justamente provocar ruídos, estranhamentos ou falhas em lugares públicos, revelando contradições no espaço e/ou contradições do espaço. Trabalhando em outro tempo-ritmo, investindo em diferentes regimes de velocidade, instauram modos de percepção e de experiência diferenciados. São também capazes de desvelar práticas, lugares, arquiteturas e memórias que se encontravam escondidas ou soterradas, por meio de ações físicas e vocais concretas, realizadas pelos performers. Tal dinâmica gera mapeamentos alternativos do espaço urbano, percebido a partir de corpos em movimento, os quais criam uma geografia coletiva – e do coletivo. Nesse sentido, as ações disruptivas, ao promoverem uma produção temporária de espaço, interferem na dimensão pública dos lugares de circulação na cidade. Diferentes espaços e tempos se justapõem ou, ainda, são criados entre-espaços, fendas que se tornam visíveis, revelando a coexistência de distintas cidades em um mesmo território urbano. Esse artigo, portanto, pretende tratar das intervenções temporárias provocadas por ações disruptivas em espaços públicos, descrevendo e analisando tais ações.
Palavras-chave: Ações disruptivas. Intervenção urbana. Performance em espaços públicos. Percepção e experiência da cidade.

ABSTRACT
How to create physical actions that are able to interfere in the public space, creating zones of disturbance and unbalance that, at the same time, subvert the functional and everyday use of space? The disruptive actions search to provoke “noises”, strangeness or failures in public environment, revealing both contradictions in space as well as contradictions of the space. Basing themselves on different tempo-rhythms, experimenting distinct regimens of speed, they provoke other ways of perception and experience. They are also able to reveal practices, places, architectures and memories that were hidden or forgotten, through the physical and vocal actions executed by the performers. Such dynamics generates alternative mappings of urban space, which is realized through the moving bodies that, ultimately, create a collective geography. The disruptive actions create a temporary production of space and also interfere in the public dimension of traffic and flux in the city. Different times and spaces are juxtaposed or in-between spaces are created, revealing the co-existence of distinct cities in the same urban territory. This article intends to discuss the temporary interventions caused by the disruptive actions, describing and analyzing such actions.
Keywords: Disruptive actions. Urban intervention.Performance in public spaces.Perception and experience of the city.

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BAPTISTELLA, Rosana. Vazantes...  Campinas:  Universidade Estadual  de Campinas; Colaboradora. Diretora Cênica e Artista da Dança.

RESUMO
O presente artigo  faz uma  reflexão sobre o  espetáculo intitulado Vazantes... (2003-2009), em que profissionais da dança, do teatro e da música — que já vinham experimentando possibilidades fronteiriças entre essas artes — partem para  um processo  colaborativo em que  todos assinam a autoria do resultado que é levado a público. O processo de trabalho para montagem do espetáculo incluiu a proposta de transpor outras fronteiras: ir de São Paulo a Mato Grosso e da arte estudada na academia e feita entre artistas urbanos, com formação erudita, para uma troca com pessoas que vivem imersas em cultura popular. Os atores e o diretor musical foram a  campo conviver com a comunidade do São Gonçalo  Beira-Rio,  no  município de Cuiabá (Mato Grosso), campo  de pesquisa  da diretora  (entre  1995 e 1999).  Tiveram contato ainda  com batuqueiros e  batuqueiras  de Piracicaba,  Tietê  e  Capivari (São  Paulo), participando de festas do batuque e trabalhando a partir do material registrado pela diretora em pesquisa (entre 2001 e 2004). A escolha de festas como ponto de  partida  deve-se a  uma percepção em relação a  esse momento especial, ritualístico, em que está concentrado e simbolizado um saber e uma cultura da comunidade pulsante em  sua memória, repleta de  significados e simbolismos que transbordam através  dos  corpos  dos  participantes,  principalmente  dos mais  velhos — esse  corpo íntegro e grandiloquente é construído  conforme o sujeito  se constitui. A inteireza que é possível  se enxergar nesses indivíduos encontra  na  dança,  na cena,  na performance, o lugar  para revelar-se, manifestar-se  com  plenitude. E é  nesse sentido que tecemos a ponte com  o fazer  artístico;  esforçando-se por  encontrar  essa inteireza e permitindo-se transformar-se, cada artista-pesquisador vivencia o campo à sua  maneira, constrói relações, faz sua própria leitura, ressignifica. Atemporal, Vazantes... é construído por subjetividades, a partir de histórias de cada um dos artistas e de fragmentos  de memórias  de  Domingas, Severinas,  Ivos, Bugres,  Antonios, Anecides,  Rutes,  Terezas,  Odetes, Nemésias  e tantos  outros  que deixaram suas marcas no processo. Cíclico, o espetáculo trata de antagonismos que se transformam e se amalgamam: força e suavidade, loucura e sanidade, medo e coragem, equilíbrio e desequilíbrio,  desabrigo e proteção, ameaça e cumplicidade.  Quem assiste,  tece sua história, a partir  de seus  próprios referenciais  e  de  sua  memória, pois  o roteiro não é  fechado  em uma única leitura linear, formatada pelo olhar da direção e dos intérpretes.
Palavras-chave: Hibridismo. Fronteiras. Vazantes.

ABSTRACT
This article is a reflection about Vazantes... (2003-2009), in which professional dance,  theater  and  music  —  that were already experimenting with  these possibilities in the borderland between art — to start a collaborative process in which  all  artists are  authors.  The work  process  included  the  proposal  to transpose other boundaries: to go from Sao Paulo to Mato Grosso and studied art at the academy and made between urban artists with classical training, to exchange with people who live immersed in popular culture. The actors and the  music were living with the community of São Gonçalo Beira-Rio, the city of Cuiabá (Mato Grosso) and still had contact with drummers from Batuque de Piracicaba, Tietê and Capivari (Sao Paulo). The choice of parties as a starting point due to a perception of this special moment, ritual, which is concentrated in and symbolized a knowing and a pulsating culture of the community in his memory, full of meaning and symbolism that overflowed through the bodies of the participants, especially the older — the body whole and eloquent is constructed as the subject is constituted. The wholeness is possible to see these individuals in the dance, the scene, performance. And that is what we have made the bridge with the artistic, striving to find that wholeness and allowing yourself to become, each artist-researcher experiences the field in its own way, build relationships, make your own reading gives a new meaning. Timeless, Vazantes... is constructed by the stories from each of the artists and from fragments of memories of Domingas, Severinas, Ivos, Bugres, Antonios, Anecides, Rutes, Terezas, Odetes, Nemesias and many others who left their mark in this process. Cyclical, Vazantes comes to antagonisms that amalgamate and become: strength and softness, madness and sanity, fear and courage, balance and imbalance, displacement and protection, threat and complicity. Who watches, weaves his story from their own benchmarks and their memory, because the script is not locked into a single linear reading, formatted by the look of directors and performers. 
Keywords: Hybridity. Borders. Vazantes

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BEIGUI, Alex. O Drama Minimal: Apontamentos para uma Poética-política do Menos. Natal: UFRN/PPGArC; Docente; Ator

RESUMO
A partir de uma longa tradição dos estudos teatrais, percebe-se um movimento de afunilamento da cena teatral que influenciou e vem influenciando sobremaneira o texto teatral contemporâneo. Pode-se associar essa tendência a dois movimentos estéticos: O Minimalismo, pautado na eliminação do excesso das formas simbólicas; e, o Desconstrutivismo, expoente da negação dos sistemas macro políticos de interpretação do sujeito e das suas relações sociais. Soma-se à crise da representação, a crise do coletivo e da idéia de grupo, bem como o problema que a escrita teatral ocupa dentro e fora do espaço público em seu permanente jogo de acomodações do desejo privado do artista. Para avançarmos na questão, apontamos como marco desse afunilamento do drama e da cena a coletânea das peças de um ato intitulada First Season de Israel Horovitz e, mais especificamente, seu texto Acrobats marco da inserção da fisicalidade e materialidade enquanto elementos da escrita dramática.
Palavras-Chave: Drama. Minimal. Poética. Estética.Política.
 

ABSTRACT
From a long tradition of theatre studies one can note a particular move towards a shrinking of theatrical scene that has influenced and it is still influencing the contemporary theatrical text. This tendency can be associated to two aesthetic movements: the minimalism, which tries to eliminate the excess within the symbolic forms; and the deconstructivism which negates the macro politics of subject interpretation and of its social relations. Moreover, to the crises of representation is added the crises of the collective and of the idea of group, as well as of to the problem generated by the theatrical writing in and out public space within its permanent attempt to accommodate the individual desire of the artist. To advance further into the question, this work points out as the cause for this shrinking of the drama and of the scene the compilation of plays entitled First Season by Israel Horovitz and more specifically his text Acrobats which is considered the key for the physical insertion as an element designed for the drama writing.
Key-words: Drama. Minim.Poetics.Aesthetic. Politics.

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BELÉM, Elisa. Crise da representação: ações de Sophie Calle. Campinas: FAPESP/UNICAMP; bolsista de Doutorado em Artes da Cena; Dra. Suzi Frankl Sperber; Dr. Matteo Bonfitto Júnior.

RESUMO
Pretende-se discutir sobre a crise da representação através de uma breve análise do trabalho Prenez soin de vous (Cuide-se bem), de Sophie Calle. A artista francesa parte para criação de uma suposta carta enviada para ela via e-mail, por seu namorado, terminando o relacionamento. Calle convida cento e sete mulheres para realizar uma leitura registrada em vídeo, de diferentes formas. Serão abordados os sentidos gerados pelo ato performativo de Calle que lida com as fronteiras entre aquilo que pode ser considerado como não representável e a representação. Nesse recorte, objetiva-se debater a fim de estabelecer relações com a pesquisa de doutorado “Rupturas e experimentações de linguagem no teatro brasileiro contemporâneo”. Esse projeto de pesquisa vem sendo desenvolvido no Instituto de Artes da UNICAMP, sob o apoio da FAPESP.
PALAVRAS-CHAVE: Performance. Crise. Representação.

ABSTRACT
It is our intention to discuss about the crises of representation through a brief analysis of the work Prenez soin de vous (Take care of yourself), by Sophie Calle. The French artist creates her work based on a supposedly break-up email sent to Calle by her lover. Calle invited one hundred and seven women filming them reading the letter in different ways. We are going to discuss the meanings produced by Calle´s performative action on the borders between what cannot be represented and representation. It is our purpose to contribute to a debate related to the PhD research: “Ruptures and language experiments on the Brazilian contemporary theatre”. The project is being developed at the Arts Institute of UNICAMP, supported by FAPESP.
KEYWORDS: Performance. Crises.Representation.

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BONFITTO, Matteo. HIC et NUNC. Entre Identidades e Alteridades. São Paulo: Universidades Estadual de Campinas e City University of New York; Prof. MS-3, Ator e Performer.

RESUMO
Este trabalho examina algumas tensões existentes entre o trabalho do ator e o performer, através de uma articulacão que envolve dois eixos: a noção de ‘hic et nunc’ e a questão da identidade-alteridade. O objetivo é problematizar os possíveis pontos de contato e diferenças que envolvem o trabalho desenvolvido por esses dois artistas. A partir de tal problematização, implicações éticas, estéticas e políticas são apontadas.
Palavras-chave: ator. performer. atuação. não-atuação. alteridade.

ABSTRACT
This work examines some tensions between the work of the actor and the work of the performer, through an articulation that encompasses two axes: the notion of ‘hic et nunc‘ as well as the question of identity-alterity. The objective is to problematize possible points of contact and differences which are involved in the work developed by these artists. Such a problematization will generate in turn ethical, aesthetical and political implications.
Key words: actor. performer. acting. non-acting. alterity.

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BRAGA, Bya (Maria Beatriz Mendonça). Entre-lugares da atuação cênica: experiências sobre convívio, devoração e improviso na busca de composições em des-atos. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais; Professora Adjunta do Curso de Teatro e Programa de Pós-Graduação em Artes da Escola de Belas Artes; Atriz e diretora cênica.

RESUMO
Este trabalho é fruto de atividades de ensino e pesquisa no campo da atuação e direção cênica, no ano de 2010, cujos resultados incluem os seguintes espetáculos performativos: “Convescote do Abílio” e “À sombra do Anjo: teatro desagradável em cinco atos”, com desenvolvimento e apresentações públicas em Minas Gerais. O primeiro espetáculo foi criado e apresentado em diálogo com a área externa do Museu Histórico Abílio Barreto (Belo Horizonte); o segundo, em uma casa desativada dentro dos jardins do Museu de História Natural e Jardim Botânico da UFMG/Belo Horizonte). Nos processos criativos vivenciados, foram revisitadas pelos participantes (estudantes e artistas professores do Curso de Teatro da UFMG) algumas de suas experiências cênicas em parâmetros da atuação canônica ocidental. Estas referências, uma vez surpreendidas em suas potencialidades e lacunas para a realização de uma ação performativa hoje, foram revistas e rearticuladas, na prática, em busca de um convívio (DUBATTI) diferencial com o público. O artigo destaca, portanto, fragmentos dessas experiências, criadas sob parâmetros de pesquisa prática de ator e modos particulares de composição, que salientam expressividades individuais e estéticas híbridas. O mesmo enfatiza alguns entre-lugares (SANTIAGO) surgidos no percurso destas ações, tanto na composição de ações-fisicas como na performatividade em espaços alternativos, e aponta alguns possíveis “des-atos” no percurso que buscam conversar (MATURANA) sobre a ação de um des-artista (KAPROW).
Palavras-chave:Entre-lugar. Composição de ator. Teatro performativo. Des-artista.
 

ABSTRACT:
This work has resulted from teaching and research in the field of theatrical acting and directing in the year 2010, including the following performances: ‘Convescote do Abílio’and ‘À sombra do Anjo: teatro desagradável em cinco atos’ with development and public presentations in Minas Gerais. The first show was created and presented in dialogue with the outside area of the Historical Museum Abilio Barreto in Belo Horizonte. The second one was presented in a desused house in the gardens of the Natural History Museum and Botanical Garden, UFMG / Belo Horizonte. During those creative processes, the participants – including students and artists-teachers of the Course of UFMG Theatre, revisited some of their experiences in parameters established by western canonical theatre action. Those references were looked in their strengths and weaknesses to build a performative action today, and were reviewed and re-articulated, in practice, in search of a differential conviviality (DUBATTI) with the public. Therefore the article highlights fragments of those experiences, created under parameters of practical research of the actor and different compositional modes that emphasize individual expression and hybrid aesthetic. It highlights some entre-lugares (SANTIAGO) emerged in the course of these actions, both in composition of physical actions as well as in performativity in alternative spaces, suggesting some possible en route ‘un-acts’ that seek a dialogue (MATURANA) about the action of an un-artist (KAPROW).
Key-words: Entre-lugar. Composition of the actor.Theatre performative. Un-artist.

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BRITO, Marcelo Sousa. Pedra Afiada: um convite para o teatro invadir a cidade. Salvador: Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas. Universidade Federal da Bahia; Ator e Diretor.

RESUMO
Esta pesquisa – que culminou na Dissertação de Mestrado do autor – teve como objetivo recontar a história da cidade de Itambé, no Sudoeste baiano, a partir do olhar de seus sujeitos em encontro com o “seu lugar” de pertencimento. Para esta nova narrativa, fundamentada nos sujeitos, o diálogo entre Teatro e Cidade foi estabelecido, a cidade se tornou “laboratório” para a construção de um texto que pudesse invadi-la com esta outra história, de quem vive este espaço urbano. Os caminhos utilizados para atingir os objetivos foram diversificados, centrados em metod    ologias participativas que visam à construção coletiva de conhecimento, a partir da convivência com os moradores. Para isso, a “Fenomenologia da Percepção” de Maurice Merleau-Ponty foi de fundamental importância na construção desta dramaturgia do espaço, a partir de suas reflexões sobre os fenômenos existentes na relação entre o indivíduo e o lugar que ele habita. Autores como Beatriz Sarlo, Antônio Araújo, André Carreira, Peter Brook, Hannah Arendt e Jean-Pierre Ryngaert foram muito importantes como embasamento teórico no estudo da memória, da ação, do discurso e do cotidiano na dramaturgia contemporânea. Como resultado da pesquisa, os depoimentos dos moradores foram reunidos e, juntamente com a comunidade, o texto dramático foi criado, recontando a história deste lugar e apresentando as questões atuais dos habitantes que lá vivem, dentro de uma ação cênica fragmentada por toda a cidade.
Palavras-chave: Fenomenologia. Percepção. Dramaturgias. Cidade. Ação Cênica.

RÉSUMÉ
Cette dissertation a comme objectif raconter l´histoire d´une ville à partir du rencontre entre un individu et un lieu cher à lui, en faisant une lecture de ce lieu bien gardé et caché dans la memoire. En ayant comme prémice l´éxistence de ce “lieu” un dialogue entre le théâtre et la ville a été établi, en utilisant la ville de Itambé, au sud-est baianais, comme “laboratoire” pour la construction d´un text qui puisse envahir cette ville avec une autre histoire, l´histoire de celui qui vit cet espace urbain. Le chemins utilisés pour accomplir les objectifs ont été diversifiés et, pour autant, le travail a été centré en méthodologies participatives qui visent à la construction collective de connaissance, à partir de la convivialité avec les habitants. Pour cela, la Phénoménologie de la Perception de Maurice Merleau-Ponty a eu une fondamentale importance dans la construction de cette dramaturgie de l´espace, à partir des reflexions sur les phénoménes existentes dans la relaction entre l´individu et le lieu où il habite. Auteurs comme Beatriz SARLO, Antônio ARAÚJO, André CARREIRA, Peter BROOK, Hannah ARENDT et Jean-Pierre RYNGAERT ont été très importants pour approfondir la théorie dans l´étude de la memoire, de l´action, du discours et du quotidien dans la dramaturgie contemporaine. Dans la deuxième partie de la recheche, les dépositions ont été reunis et, avec la communauté, un text dramatique a été créé, en racontant l´histoire de ce lieu et en présentant les questions actuelles des habitants, dans une action scènique fragmentée pour toute la ville.
Mots-Clés: Phénoménologie. Perception.Dramaturgies.Ville.Actions scéniques.

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BULHÕES-CARVALHO, Ana Maria de. Da cena ao texto: configurações da teatralidade. Rio de Janeiro: UNIRIO; professor adjunto.

RESUMO
O conceito de teatralidade parece ter voltado ao centro dos debates teóricos que rediscutem a relação da cena com o texto. Esse conceito defende a autonomização da cena a despeito do recurso à dramaturgia. Na disputa entre as diferentes prerrogativas da cena ou do texto em relação à encenação, o conceito de pós-dramático relançou questões que atravessaram o teatro do século XX e continuam desafiando dramaturgos e encenadores. Algumas realizações recentes trazem novos elementos teatrais para o enriquecimento do debate.
Palavras-chave: Teatralidade. Dramaturgia cênica. Texto &encenação.Teatro pós-dramático.

ABSTRACT
The concept of theatricality seems to have returned to the center of the debate in the theories that revive the questioning of the text in relation to its use in the scene. This concept advocates the empowerment of the scene despite the use of dramaturgy. In the competition between the different importance of text in relation to the staging process, the concept of post-dramatic theatre reopened the discussion about the issues that crossed the theater of the twentieth century and continue to present challenges to both Playwrights and Stage Directors. Some recent achievements bring new theatrical elements to enrich the debate.
Key-words: Theatricality. Stage dramaturgy.Text & scene.Post-dramatic-Theatre.

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CALADO, Alexandre. Presenças: um referencial para a formação superior pública do artista teatral. São Paulo: Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo; doutorando; bolsista da Fundação para a Ciência e a Tecnologia (Portugal); professor orientador Antônio Januzelli. Fazedor e pesquisador de teatro.

RESUMO
O que proponho é uma discussão sobre a possibilidade de certa noção de presença constituir um referencial de trabalho em situações de ensino e aprendizagem, em instituições públicas de formação superior. As artes da cena estão de tal modo imbricadas com a ideia de presença que a relação entre os termos carece de uma justificação delongada: a produção e a recepção são síncronas e coextensivas para o espectador que se apresenta, há um espetáculo que acontece sempre no aqui e agora da cena, é difícil não pensar logo na presença do ator, talvez mesmo a primeira ideia que nos ocorre. É que a noção de presença persiste operante nos discursos e no pensamento dos fazedores da cena, ela é retomada na dança, nas artes visuais; ela parece ter ganho relevância com as experimentações que desde a década de setenta do século passado invadem os palcos com elementos estranhos à representação, tendo contribuído para o aparecimento das noções de estética performativa e de teatro pósdramático, bem como às ideias de cena abstrata e de incursão do real. Quando se fala em teatro e no ofício do ator, em particular, a noção de presença aparece como uma sombra que atormenta os discursos, difícil de apreender, impossível de afastar. O que queremos saber é se esta noção nos pode servir para pensar a formação do artista que quer fazer teatro atuando em cena. Tomando como ponto de partida entradas do termo «presença» em dicionários contemporâneos de língua portuguesa, teatro e filosofia, discuto como o sentido de «presença temporal» pode contribuir para uma reflexão emancipatória do trabalho e da formação em artes cénicas. Sustento que há uma prevalência no uso do termo «presença» para designar um índice de eficácia na execução em cena, o qual compromete um entendimento mais amplo das liberdades e responsabilidades do fazedor de teatro. Acredito que ao considerar a presença do ator num plano temporal alargado para além do tempo da apresentação do espetáculo se pode resistir a uma ideia instrumentalizadora do trabalho artístico do ator. Um semelhante movimento conceitual pode contribuir para valorizar no ator não apenas a capacidade de atuação mas também a sua ação como compositor de espetáculos e a sua atividade como agente da vida cultural. Esta tomada de posição ganha um significado particular no contexto das discussões sobre o ensino superior público, onde se deseja tanto um aprofundamento das aprendizagens, quanto uma implicação crítica dos sujeitos na dinâmica das contemporâneas sociedades do conhecimento.
Palavras-chave: artista cénico, presença temporal, ensino superior artístico público, emancipação.

ABSTRACT
I present a discussion about the possibility of a certain notion of presence being able to guide theatre teaching and learning within higher education institutions. The scenic arts are to such a degree connected with the idea of presence that a long justification may be superfluous: production and reception are synchronic, there’s always some kind of event that happens here and know on stage, it’s hard not to think immediately about the actor’s presence. Presence persists operating in the theatre practitioner’s discourses and reflections, it is used in dance and visual arts; it even seems to have gained relevance throughout the experiences that along the last decades of the former century have invaded the stage. The appearance of notions like performative, postdramatic and abstract theatre in the last years seem to indicate the profusion of elements that are strange to representation and point to the real of the theatrical situation. When we speak about theatre and actor’s work, in particular, the notion of presence is like a shadow, hard to apprehend, impossible to cast away. What we want to know is if this notion can help us think the education of the artist who wants to make theatre on stage. Taking as starting point different entries for «presence» from contemporary Portuguese, theatre and philosophy dictionaries, I discuss how the sense of «temporal presence» may foster an emancipatory reflection on the work and learning in the scenic arts. I sustain that there’s a general commitment to the use of «presence» as a designation for an efficiency criteria which compromises a wider understanding of both the actor’s liberty and responsibility. I believe that through a temporal understanding of presence beyond the time of presentation we can start to resist the instrumental view of acting and artistic work of the theatre maker. Such a conceptual move may help to promote not only acting but also the actor’s ability as a theatre deviser and as a cultural agent. This standing point seems to me particularly relevant in the context of higher education public institutions, where both deep learning and critical engagement are aimed.
Key words: theatre artist, temporal presence, higher artistic public education, emancipation.

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CASTRO; Kely Elias de. Pisando em território híbrido: o ator no Teatro de Animação contemporâneo. São Paulo: ECA/USP; mestra em artes. Atriz.

RESUMO
O presente trabalho tem como objetivo realizar uma reflexão sobre a pluralidade de linguagens artísticas que são contempladas no Teatro de Animação, tocando em aspectos relacionados diretamente ao trabalho do ator. Para tanto, tomará como ponto de partida o repertório de espetáculos do 12º Festival Internacional de Teatro de Bonecos de Belo Horizonte. O evento é uma das referências para o Teatro de Animação no Brasil por reunir parte das relevantes produções atuais nesta área. Neste ano o festival acontece entre 9 e 19 de junho e apresenta 9 espetáculos nacionais e 9 internacionais.
A diversidade de técnicas e conceitos dramatúrgicos encontrados nos espetáculos do festival é que motiva esta análise. Para citar apenas algumas das técnicas encontradas, pode-se destacar: Teatro de Objetos, Máscara, Boneco de Luva, Sombra e Manipulação Direta. Em relação aos diferentes conceitos de dramaturgia, o estudo pretende dar ênfase para aqueles aspectos que dizem respeito diretamente trabalho atoral: a atuação do ator-manipulador, como ele aparece em cena e como transita entre a interpretação e a manipulação do objeto.
A análise teórica se baseia em trabalho de campo realizado durante o referido festival. Esta etapa consiste na participação como público e como artista (visto que a autora é integrante de um dos grupos teatrais participantes do evento, a Cia Truks), além da realização de entrevistas com diretores e atores de algumas das companhias presentes.
Palavras-chave: Teatro contemporâneo; Teatro de Animação; Ator.

ABSTRACT
This present work aims to accomplish a reflection about the plurality of the artistic languages that the Theatre of Animation contemplates, talking about the aspects directly related to the actor’s work. In order to achieve this aim, the present work starts since the repertory of the 12o Theatre of Animation International Festival of Belo Horizonte. This event is one among the references of the Theatre of Animation in Brazil because it joins part of the relevant current productions in this area. In this year the festival happens between June 9 and June 19 and presents 9 national and international spectacles.
The diversity of techniques and dramaturgic concepts found in the spectacles of the festival motivates this analysis. Talking about just some of the techniques found, we can underline: Theatre of Objects, Mask, Glove Puppet, Shadow and Direct Manipulation. In relation to the different dramaturgic concepts, this work aims to emphasize those aspects directly related to the actor work: the performance of the manipulator-actor, how it is showed in the scene and how it transits between the interpretation and the manipulation of the object.
The theoretical analysis is based on the field survey made during the festival. This step consists of the participation as a spectator and as an artist (because the author is integrant of one of the theatre groups that participate of the event, the Cia Truks), apart of the interviews with the directors and actors of some groups in the festival.
Key Words: Contemporary theater; Theater of Animation; Actor.

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COELHO, Paula A. B. A. Relato Pessoal como Matéria da Experiência Coletiva. João Pessoa: UFPB; Professora Adjunta I. Atriz.

 

RESUMO
O experimento “Histórias de Sem Réis”, realizado como intervenção em praças do interior da Paraíba pelo Teatro Alfenim visa estabelecer com o público um diálogo direto a partir do mote “Compro sua história. Pago à vista.”. Interessa ao grupo experienciar a dimensão social do depoimento voluntário de pessoas que, a partir do jogo da encenação transformam relatos da memória individual em “cena”, de modo que esta seja compartilhada pela audiência. Os relatos, Registrados em vídeo, servirão de matéria para um curta-metragem. A forma de abordagem dos espectadores baseia-se na relação pragmática da mercantilização. “Artistas de rua” seduzem o público a comercializar sua história e se comprometem a pagar pela narrativa. Esse apelo à participação de um elemento da plateia estabelece entre os demais espectadores e o grupo um espaço de improvisação no qual o participante instado a narrar sua história assume o protagonismo da cena, sendo sua narrativa compartilhada pelo público e pelos artistas de forma a embaralhar as fronteiras que separam o ato de sua representação. O objetivo da cena é a tentativa de resgatar o espaço da experiência narrativa, como nos ensina Benjamin, de modo a que a “História de Sem Réis” sirva apenas de pretexto para que a plateia encene sua própria experiência.
Palavras-chave: Narrativa. Teatro de rua. Relação ator e público.

ABSTRACT
The experiment “Historias de Sem Reis” (Without Money Stories) was realized as interventions on public squares in the interior of Paraiba state (Brazil) by Alfenim Theater Company. The group tried to establish a direct dialogue with the public through the strophe: “I buy your story. Pay cash.” Alfenim’s interest is to try the social dimension of a voluntary report starting from this game and turning individual memories into scenes, sharing them with the audience. These reports are captured on video for further work. Alfenim’s actors approach the public through a pragmatic relation of mercantilism. Street actors seduce their public to sell their stories in exchange for money. Through this behavior an individual, formerly a spectator, now establishes an improvisation space among the other spectators and Alfenim’s actors, acting as a protagonist with his story being shared by the public and the artists in order to blur the lines of the representation act. The goal of the scene is to rescue the narrative experience, as told by Benjamin, in order that “Without Money Stories” is an excuse to have the public “acting” their own experience.
Keywords: Narrative. Street Theater.Actor-spectator relation.

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CORRADINI, Sandra. Processo Colaborativo e Sujeito Autoral em Dança. Salvador: PPGDança/UFBA; Mestre em Dança. Artista-Pesquisadora em Dança.

RESUMO
Mais que afirmar qualquer suposto teórico acerca da autoria na dança, este trabalho indaga o direito de propriedade de idéias configuradas em processos compositivos em dança, inscritos em contextos colaborativos. Destina-se a uma breve reflexão teórico-crítica sobre o sujeito autoral no processo colaborativo em dança, aqui proposto no sentido de contribuir com o atual debate sobre o tema, cujos estudos ainda se mostram incipientes neste campo do conhecimento. Reconhece-se a recorrência da temática da contaminação como plano para o qual converge grande parte dos discursos de artistas-pesquisadores do corpo, que, criadores de suas próprias obras, ficam por vezes perplexos ante ao plágio e à reprodução irreverente de suas idéias conformadas em produto artístico, quase sempre não referenciadas. Há, contudo, diversos aspectos que subjazem à prática colaborativa em questão, que prescindem de maior atenção investigativa, dado que não somente as idéias migram sem controle entre trabalhos artísticos e contextos distintos, como também os sujeitos criadores, que, na busca de sobrevivência, deslocam-se regulamente entre diferentes grupos, coletivos e campos de atuação, posicionando-se como interlocutores e autores particulares de suas próprias criações, afirmando ao mesmo tempo que estas, elaboradas em contextos colaborativos, resultam da autoria compartilhada entre todos. Tal problemática parece se complexificar quando os processos são interrompidos em virtude dos conflitos neles engendrados, tornando tanto a prática coletiva como a obra inexeqüível. Entende-se que as obras configuradas em contextos colaborativos resultam do encontro entre diferentes – diferentes sujeitos, corpos e campos disciplinares, que dialogam, compartilham e negociam idéias, conhecimentos e saberes diversos, co-atuando em zona de transitividade – lugar de experiência que se instaura a partir de condições favoráveis à aproximação entre duas ou mais instâncias do conhecimento que apresentem afinidades conectivas e que se perpetua ao passo da maturação da experiência relacional configurada neste contexto. A horizontalidade – muitas vezes, exaltada – nas relações entre os sujeitos criadores que atuam no processo colaborativo parece ser um desejo de uma realidade a ser alcançada, do mesmo modo que a autoria compartilhada de uma obra artística elaborada por meio de processo colaborativo parece não resultar da soma das autorias particulares de cada um de seus sujeitos criadores. À luz dos estudos de Foucault acerca do autor, pretende-se compreender estes aspectos que permeiam os processos colaborativos em dança na atualidade.
Palavras-chave: Dança. Autor. Autoria Compartilhada. Processo Colaborativo. Zona de Transitividade.

ABSTRACT
Rather than asserting any theoretical assumption about the authorship of dance, this work asks the right of ownership of ideas set in compositional processes in dance, enrolled in collaborative contexts. Intended to reflect briefly on the theoretical-critical authorial subject in the collaborative process of dance, here proposed to contribute to the current debate on the subject, whose studies show this nascent field of knowledge. It recognizes much of the discourse of artist-researchers from the body, which, creators of their own works, sometimes are perplexed before the plagiarism and irreverent reproduction of their ideas conformed into artistic product, almost never referenced. However, there are several aspects that underlie the collaborative practice in question, which prescind from a greater investigative attention, since not only the ideas migrate out of control between different artistic works and contexts, as well as creative subjects, which in search of survival are moving regularly between different groups, colletives and fields of atuation, positioning themselves as interlocutors and individual authors of their own creations, while stating that these, developed in collaborative contexts, the result of shared authorship among all. This problematic seems to complexify when processes are interrupted because of the conflicts engendered in them, making both the collective practice and work unenforceable. It is understood that the works set in collaborative contexts result of the encounter between different – different subjects, bodies and disciplines – that dialogue, share and negotiate various ideas, knowledge and learning, co-operating in the transitivity zone – a place of experience that is established from the favorable conditions for closer relations between two or more instances of knowledge which have affinities connectives and that perpetuate the step of maturation of relational experience set in this context. The horizontality – often exalted – in relations among individuals who work in creative collaborative process seems to be a desire for reality to be achieved in the same way that the shared authorship of a work of art developed through the collaborative process does not seem to result the sum of the individual authorship of each of his creative subjects. In light of Foucault’s studies about the author, seeks to understand these issues that permeate the collaborative processes in dance today.
Keywords: Dance. Author.Shared Authorship.Collaborative Process. Transitivity Zone.

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COPQUE, Hayaldo. Marc Chagall e o teatro. Salvador: PPGAC – UFBA; Mestrando; Ora. Profa. Dra. Catarina Sant’Anna. Dramaturgo, encenador e ator.

RESUMO
O presente artigo procura expor as relações entre o famoso pintor russo Marc Chagall (1887-1985) e o teatro. Essas relações vão muito além dos trabalhos desenvolvidos por ele como cenógrafo e podem ser checadas na forte carga cênica de algumas de suas obras. Além disso, já em suas primeiras experiências como espectador, em São Petersburgo, no começo do século XX, é possível notar a grande influência do teatro sobre o pintor. É a partir das montagens de intenso caráter simbolista de Vsevolod Meyerhold, no Teatro de Vera Komissarevskaya, que Chagall irá encontrar alguns dos elementos mais significativos de seu projeto poético.
Palavras-chave: Marc Chagall. Vsevolod Meyerhold. Teatralidade. Simbolismo.
 

ABSTRACT
The present article seeks to expose the relations between the famous Russian painter Marc Chagall (1887-1985) and the theater. These relations go far beyond of the works he developed as scenographer and can be checked in the scenic high load of some of his works. Also, already in his first experiences as spectator, in St. Petersburg, in the early twentieth century, it is possible to observe the strong influence of the theater on the painter. It is from the productions of great symbolic weight of Vsevolod Meyerhold, at Vera Komissarevskaya’s Theatre, that Chagall will find some of the most significant elements of his poetic project.
Keywords: Marc Chagall. Vsevolod Meyerhold. Theatricality. Symbolism.

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CONCEIÇÃO, Giorgia. Reflexões sobre o New Burlesque e suas reverberações na performance. Salvador: PPGAC – Universidade Federal da Bahia; Mestranda em Artes Cênicas; Orientadora Professora Doutora Betti Grebler. Performer e diretora teatral.

RESUMO
O termo burlesco é proveniente do latim burrula, dim. burra (brincadeira, burla, farsa). Seu papel, em variados contextos históricos, está repetidamente relacionado ao questionamento de padrões vigentes, sejam eles de âmbito estético ou social. A vocação da burla para o apontamento e crítica à convenção aparece em aspectos das comédias de Aristófanes, passando pelos contadores de história e menestréis medievais, a Commedia Dell’Arte, o Teatro de Revista, o Vaudeville, Music Hall, Cabaret, e mesmo em boa parte da produção de arte contemporânea e performance. Pretendo problematizar o fenômeno chamado como New Burlesque - que se caracteriza principalmente por performances femininas nas quais o corpo e o gênero são assuntos e objetos fundantes – no intuito de explicitar o amplo potencial político (no sentido das micropolíticas) e performático desse fenômeno que vem ganhando espaço num meio cultural alternativo e ao mesmo tempo popular. Este campo abre frestas para a criação de sexualidades dissonantes, gêneros performativos e instigantes relações entre artistas e público. Recorro ao burlesco na performance como uma possibilidade de incitar (e excitar) espaços interativos, conectivos. O “novo” burlesco pode saltar em nosso contexto como cena capaz de conectar pessoas, suportes e mídias através de espaços físicos e/ou virtuais. Propondo modos de relação que escapam aos padrões comportamentais e identitários vigentes.
Palavras-chave:New Burlesque. Burlesco. Performance. Gênero. Corpo.

RESUMEN
El termino burlesco proviene del latim burrula, dim. burra (jugetear, burla, farsa). Su función, en diferentes contextos históricos, esta frecuentemente relacionado a los cuestionamientos de patrones actuales, sean ellos del ámbito estético o social. La tendencia de la burla para el apuntamiento y la critica a lo convencional aparece en aspectos de las comedias de Aristófanes, pasando por los contadores de historias y juglares medievales, la Comedia Dell’Arte, el Teatro de Revista, el Vaudeville, Music Hall, Cabaret, y así mismo en buena parte de la producción del arte contemporáneo y performance. Pretendo problematizar el fenómeno llamado New Burlesque - que se caracteriza principalmente por performistas femeninas, en las cuales el cuerpo y el género son cuestiones y objetos fundantes – en la intención de explicar el amplio potencial político (en el sentido de las micro políticas) y performatico de ese fenómeno, que viene ganando espacio en un medio cultural alternativo y al mismo tiempo popular. Este campo abre una fisura para la creación de sexualidades disonantes, géneros performativos y relaciones incitantes entre artistas y publico. Recorro lo burlesco en la performance como una posibilidad de incitar y excitar espacios interactivos y conectivos. El “nuevo” burlesco puede saltar en nuestro contexto como una escena capaz de conectar personas, soportes y medios de comunicación, a través de espacios físicos y/o virtuales. Proponiendo formas de relación que escapan a los patrones de comportamiento e de identidad actuales.
Palavras-claves:New Burlesque. Burlesco. Performance. Género. Cuerpo.

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COSTA, Maria Helena Braga e Vaz da. Cinema, Tecnologia, Estética: Reflexões sobre a cor no cinema. Natal: Universidade Federal do rio Grande do Norte; Professora Associada do Departamento de Artes e do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas – UFRN; Bolsista Pq – CNPq

RESUMO
Este trabalho discute as reflexões e teorias que tentam explicar o processo de introdução de novas tecnologias no cinema, mais especificamente aquelas que tratam da introdução e utilização da cor no contexto cinematográfico. Pretende-se aqui discutir a respeito das motivações relacionadas aos fatores tecnológicos e estéticos que influenciaram na constituição, forma e resultado do processo de introdução da cor como uma nova tecnologia e/ou opção estética. Entre as mais discutidas explicações apresentadas pelos historiadores, teóricos e estudiosos do cinema para a adoção de uma nova tecnologia como a cor pela indústria cinematográfica, estão as que identificam o uso da cor como: – (1) resposta à “tendência realista” que dominou a área no período do seu desenvolvimento; (2) resposta às determinações econômicas que favoreciam a introdução de uma nova tecnologia como possibilidade de lucro para a indústria; (3) resposta ao interesse pelo desenvolvimento estético no contexto dos gêneros fílmicos fantasioso como os musicais por exemplo. Argumentou-se que o filme, com elementos tais como o som e a cor, atinge uma aura de autenticidade, preservando e aperfeiçoando um senso de realidade. Logo, a cor poderia ser vista como um elemento que aproximaria o filme da realidade. Contudo, críticos da ideologia realista contrariavam a idéia de que a introdução da cor no cinema significasse uma melhoria no realismo em pelo menos duas maneiras. Primeiro, eles destacavam a incompatibilidade da cor com o realismo narrativo como conseqüência de problemas perceptivos. Segundo, eles advertiam para os usos não-realistas aos quais foi imposta à cor. A ideologia do realismo pode ter sido um primeiro fator determinante para a motivação do desenho tecnológico no cinema, mas claramente não foi a única necessidade preenchida pela inovação tecnológica. Este trabalho amplia a discussão e o entendimento sobre a questão. A análise da introdução da cor no cinema oferece um exemplo interessante em que o “ganho no realismo” não foi tão direto quanto afirmam alguns teóricos. Ao contrário, a transição dos filmes em preto-e-branco para os coloridos, ao menos inicialmente, foi plena de experimentos estéticos não-realistas. Uma questão importante que deve ser destacada é a de que, em determinado momento, os cineastas despertaram para o potencial da cor como um modo expressivo para enfatizar efeitos dramáticos. A cor constituía-se em um elemento significante da narrativa. Na medida em que participou no contexto da produção de significados estes por sua vez incorporados às convenções do realismo fílmico.
Palavras-chave: Cinema, tecnologia, arte, cor

ABSTRACT
This article aims to analyze theories that deal with the introduction of new technologies in the cinema, especially the ones that explain the introduction of color. The work discusses the motivations that drive technological development and investigates the factors, technical and aesthetic, that influence the establishment and deployment of a given technology and the impact of the latter on the established film industry. The intention here is to critically look at the different explanations that have been offered to account for the introduction of color. Some film historians argue that color was introduced to function as an element that could bring an aesthetic option to emphasize drama within film. The introduction of color has also been theorized as a response to the realist tendency that dominated the field at the time it was developed. Here, particular attention is given to the analysis of the theory of cinematic realism, though this work demonstrates that other factors can better explain the occurrence of color in the cinema. In particular it will be considered here the economic determinations which favored the introduction of color as a new product bringing profits to the film industry at a time of great economic difficulty, it will also draw on examples to think about the exploitation of color in particular cinematic genres. Summing up, this article discusses the “politics” of color.
Key-words: Cinema, technology, art, color

Keywords: relational art. Performance art.Meta-fiction. Documentary. Theatre.

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CURVELO, Marília Nascimento. (Re)significando o Espaço Escolar com a Dança: um Olhar sobre a Experiência do Colégio Estadual Thales de Azevedo. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Mestranda; Professora Orientadora: Lúcia Helena Alfredi de Matos. Licenciada em Dança.

RESUMO
Este texto propõe uma reflexão sobre a dança que acontece no Colégio Estadual Thales de Azevedo. O projeto “Educando o olhar para a dança” aconteceu na referida escola entre abril e junho de 2011 e teve como principal objetivo proporcionar experiências corporais em dança através dos Processos Criativos. Utilizou-se o método (auto) biográfico na perspectiva ensinoaprendizagem. Percebe-se que, quando a prática docente em dança promove a discussão sobre o corpo na contemporaneidade, além de experiências corporais, estéticas e artísticas significativas, os estudantes tendem a demonstrar interesse pelos processos criativos vivenciados e as demais metodologias aplicadas. A socialização dessa experiência pode favorecer a reflexão sobre a prática docente, como também servir de parâmetro para a valorização da dança no espaço escolar e seu definitivo reconhecimento como campo/área de conhecimento.    
Palavras-chave: Ensino da Dança. Arte Educação. Escola Pública. Colégio Estadual Thales de Azevedo.

ABSTRACT
This paper proposes a reflection about the dance that happens in State College Thales de Azevedo. The project “Raising our gaze to the dance” took place at that school between April and June 2011 and aimed to provide bodily experiences in dance through creative processes. We used the method (auto) biographical perspective on teaching and learning. It can be seen that when the teaching practice of dance promotes discussion on the body in contemporary as well as bodily experiences, aesthetic and artistic heritage, students tend to show interest in the creative process and experienced the other methodologies. The socialization experience that may encourage reflection on teaching practice, but also serve as a parameter to the appreciation of dance in the school and its recognition as the definitive field / area of expertise.
Keywords: Teaching Dance. Art Education. Public School. Colégio Estadual
Thales de Azevedo.

 

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DE LIMA CAETANO, Patricia. Água Viva: experimento criativo de um corpo-fluido. Salvador: Universidade Federal da Bahia; estudante de pós-graduação; capes; doutoranda; Ciane Fernandes. Dançarina e performer.
 

RESUMO
Este trabalho pretende discutir os princípios norteadores do processo criativo da performance ‘Água Viva’, através da qual procura-se responder à hipótese de que a técnica somática Body Mind Centering (BMC) e os processos corporais por ela desencadeados permitem a construção de um corpo-fluido, poroso, permeado por intensidades e aberto aos devires. ‘Água Viva’ é fruto de investigações poéticas em torno do elemento água e tem como tema a tríade nascimento-morte-renascimento. O princípio motor desta performance é a consciência celular, que pode ser vivenciada por meio de imagens corporificadas e constitui um dos princípios básicos do BMC. As imagens da água foram evocadas por um corpo-zona-limítrofe que em sua potência de abertura aos devires líquidos passeia pela vida das partículas aquáticas presentes no micro-corpo-celular, corpo-placenta, corpo-cosmo-oceano. Esse corpo-zona-limítrofe é o próprio corpo-fluido que em sua qualidade de fluidez e vibratilidade torna-se limiar, lugar de passagem. Os ‘sacos d’água’ que constituem a série dos Objetos Relacionais, criados pela artista plástica Lygia Clark, foram utilizados no intuito de potencializar o acesso tanto imagético quanto sensível e intensivo-vibrátil do corpo-fluido.
Palavras-chave: corpo-fluido. corpo-intensivo. Body Mind Centering
 

RÉSUMÉ
Ce document traite des principes directeurs du processus de création de la performance “L’eau vivante” par lequel nous cherchons à répondre à la hypothèse selon laquelle la technique somatique Body Mind Centering (BMC) et les processus corporels declenchés pour sa experimentation on permet la construction d’un corps-fluide, un corps poreux, imprégné par des intensités et ouvert à des possibilités de devenir. “L’eau vivante” est le résultat des enquêtes poétiques autour de l’element l’eau. Elle a pour thème la triade naissance-mort-renaissance. Le principe moteur de cette performance est la conscience cellulaire, qui peut être expérimenté à travers des images encorporés. Ça constitue un des principes fondamentaux de BMC. L’images de l’eau ont été evoques par un corps-zone-frontière en sa puissance d’ouverture aux devenirs liquides. Il se promène à travers la vie des particules liquides présents dans le corps-micro-cellulaire, le corps-placenta, le corps-cosmos-océan. Ce corps-zone-frontière est le corps-fluide même qui à travers sa qualité de fluidité devient point de passage. “Les sacs de l’eau” qui constituent la série des “Objets Relationnels”, créee par l’artiste Lygia Clark, ont été utilisés afin d’améliorer l’accès imagetique, sensible et intensive-réssonant du corps-fluide.
Mots clés: corps-fluide. corps-intensive. Body Mind Centering

 

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DELDUQUE, Carolina. Tradição, Stanislavski e contemporaneidade: uma experiência em Moscou. Unicamp; estudante de Pós-graduação; FAPESP; bolsista de mestrado; Verônica Fabrini. Atriz e pesquisadora.

RESUMO
Este artigo é resultado parcial da pesquisa de mestrado em andamento “A ação física na cena contemporânea”, que busca refletir sobre as repercussões e pertinências da “tradição stanislavskiana” nos dias de hoje. O presente artigo tem como base a experiência da pesquisadora na participação do Seminário Internacional Stanislavski System Today (Moscou-Rússia, 27 de Abril a 04 de Maio de 2011). Por meio de um contato profícuo com a tradição stanislavskiana no lugar em que ela nasceu, a pesquisadora verificou e experimentou aspectos do Sistema de Stanislavski inéditos em sua bibliografia, fomentando os questionamentos acerca das “metamorfoses” do “Sistema” no correr dos anos e refletindo sobre as diferenças culturais envolvidas na apreensão do mesmo. A reflexão será centrada na exposição e análise dos seguintes aspectos: “tempo-ritmo”, “círculos de atenção da dramaturgia”, “exercícios de percepção” e a nomenclatura internacionalmente conhecida “Sistema de Stanislavski”.
Palavras-chave: Sistema de Stanislavski. Círculos de atenção.Dramaturgia.

ABSTRACT
This article is the partial result of master’s research in progress “The physical action on the contemporary scene”, which seeks to reflect on the implications and relevance of “Stanislavki´s tradition” on nowadays. The present article is based on the researcher’s experience in participating in the International Seminar Stanislavki´s System Today (Moscow-Russia, April 27 to May 4, 2011). Through a fruitful contact with the Stanislavki´s tradition in place of his birth, the researcher observed and experienced aspects of the Stanislavsky System unpublished in his bibliography, encouraging the questioning about the “metamorphosis” of the “System” in the course of the years and reflecting on the cultural differences involved in the apprehension of it. The discussion will focus in displaying and analyzing of the following aspects: “tempo-rhythm”, “circles of attention from the dramaturgy”, “exercises of perception” and the nomenclature internationally known “Stanislavski System”. Keywords: Stanislavski System. Circles of attention. Dramaturgy.

 

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DONADEL, Márcia. Disponibilidade para a improvisação ̶ um paralelo entre as ideias de Arthur Lessac e Steve Paxton. Porto Alegre: Programa de Pós- Graduação em Artes Cênicas; UFRGS; CAPES; Bolsista de Mestrado; Orientadora Profa. Dr. Silvia Balestreri Nunes; Atriz-Pesquisadora.

RESUMO
Falar sobre criação parece envolver a mesma urgência e perturbação com que se entra em cena para tentar vivê-la. O que está em jogo, em ação quando um ator cria? Como entramos em disponibilidade tal? Naquele momento único, singular, situado no único tempo-espaço em que vivemos: agora, aqui? Este momento pode figurar-se em improvisação. Assim, as circunstâncias dadas parecem ser: atores com seu passado-memória-presente, intensidades que atravessam e os milésimos de segundo entre a decisão de agir e a ação em si. Neste contexto, este artigo propõe um paralelo entre os gaps of awareness pensados por Steve Paxton e o conceito de instintivo e natural trabalhado por Arthur Lessac. Pesquisas nas quais a busca pelo acesso às sutilezas do fazer “sem saber” podem ser a chave para as descobertas.
Palavras-chave: Criação do ator. Improvisação.Consciência.

ABSTRACT
Talking about creation seems to be as urgent and distressful as trying to create a work of art. What is at stake when an actor creates? As we enter this availability? What happens at that moment uniquely situated in the only space-time we live in: now, here? I invite you to think that this is improvisation. Thus, the given circumstances appear to be: actors with their past- memory-present, intensities that pass through and the milliseconds between the decision to act and action itself. In this context, I propose a parallel between the gaps of awareness designed by Steve Paxton and the concept of instinctive and natural actions considered by Arthur Lessac. Studies in which the quest for conscious access to the subtleties of moving “without knowing it”, may be the key to the findings.
Keywords: Creation of the actor. Improvisation. Awareness.

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ELIAS, Marina. Campo de Visão: um Procedimento de Exploração e Potencialização da Palavra Improvisada. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro – UFRJ; Professora Adjunta. Atriz, Integrante do Grupo de Pesquisa em Dramaturgias do Corpo (DAC/UFRJ), Diretora Artística da Cia. SeisAcessos (SP).

RESUMO
Muito se trabalha no teatro a exploração da palavra e das sonoridades, buscando ampliar as possibilidades técnico-poéticas de um texto cênico e aquilo que configura seu entorno: espaços e tempos, nuances e dinâmicas na cena. Problematiza-se a motivação do texto que vai ser dito e como ele será dito. Quando se trata do contexto da improvisação encontramos menos estudos e sistematizações que promovem um espaço de investigação e aprimoramento da palavra improvisada, de um fluxo livre de texto que é processado e verbalizado em improviso, sem que esteja apoiado em uma temática específica ou em um texto teatral. Este artigo pretende apresentar e discutir o Campo de Visão (LAZZARATTO, 2011) como um espaço-potência para explorar a palavra improvisada.
Palavras-chave: Campo de Visão. Palavra Improvisada. Improvisação.

ABSTRACT
There are many studies about the word and the sonorities in theater, studies and proposition that lead the actor to expand his vocal repertory and everything else that configures its context: elements that go beyond the meaning of the text, the word that create spaces and dynamics. So, there are many interesting and potent thoughts about what motivates the text that is going to be said, and specially about how it is going to be said. But when it comes to the improvisation context we found fewer studies and systematization that promote a space of research and refinement of the impromptu word. This article wants to present and discuss the exercise “Campo de Visão” (Field of View) (LAZZARATTO, 2011) as a potential space to explore and investigate the improvised word.
Keywords: Field of View. Improvised Word. Improvisation.

 

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FAGUNDES, S. Patricia. O processo de ensaios como mecanismo de relações: um dispositivo festivo. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul, professor adjunto. Universidade Carlos III de Madrid, doutorado realizado (bolsa CAPES). Encenadora, diretora da Cia Rústica de Teatro.

RESUMO
O trabalho, desenvolvido a partir da tese de doutorado A Ética da Festividade na Criação Cênica, propõe um modelo aberto de metodologia de ensaios, a partir da perspectiva de uma ética do encontro e da diversidade, que celebra o plural, o corpóreo e o próximo, aceitando o caos e a turbulência como parte de uma existência complexa e multidimensional. Nesse estudo, ética e estética são consideradas como elementos indissociáveis, em constante sinergia. Todo procedimento, discurso ou metodologia artística nasce de um conjunto de opções que implica uma visão e uma relação particular com o mundo e com o outro. O teatro é um evento que acontece entre atores e espectadores em um espaço-tempo compartilhado e a criação cênica um encontro que envolve colaboração e a experiência da alteridade; os ensaios definem micro-territórios de sociabilidade, que compõem e interferem no tecido do mundo. Evitam-se divisões estritas entre processo e produto: um espetáculo é seu processo, mesmo que não seja imediatamente evidente, como os nervos e as veias são partes do corpo. O diálogo entre teoria e prática teatral é um vetor fundamental da investigação, traçado a partir da experiência da autora como encenadora e professora. O corpo conceitual se compõe a partir de trajetórias transversais entre diferentes áreas do conhecimento, assim como entre distintos criadores e práticas cênicas. O procedimento é intencionalmente polissêmico, optando por tecer uma rede ampla de relações para considerar o papel e a potência da criação cênica no mundo atual. Qual seria a imagem mais adequada para um modelo de processo de ensaios, corpo ou máquina? É possível que estas divisões não sejam mais viáveis, somos “tecnocorpos”, conectados em um sistema de informação global. “Dispositivo-ensaio” como o que dispõe, corpo-máquina e centro de conexões, um conjunto de procedimentos, ações e conceitos para disponibilizar estratégias de criação; os ensaios como sistema vivo autopoiético e mecanismo de relação.
Palavras-chave: Processos de ensaio. Metodologias de criação cênica. Cena contemporânea.

RESUMEN
El trabajo, desarrollado a partir de la tesis La Ética de la Festividad en la Creación Escénica, propone un modelo abierto de metodología de ensayos, desde la perspectiva de una ética del encuentro y de la diversidad, que celebra lo plural, lo corpóreo y lo próximo, aceptando el caos y la turbulencia como parte de una existencia compleja y multidimensional. En este estudio, ética y estética son consideradas como elementos indisociables, en constante sinergia. Todo procedimiento, discurso o metodología artística nace de un conjunto de opciones que implican una visión y una relación particular con el mundo y con el otro. El teatro es un evento que ocurre entre actores y espectadores en un espacio-tiempo compartido y la creación escénica un encuentro que envuelve colaboración y la experiencia de la alteridad; los ensayos definen micro territorios de sociabilidad, que componen y interfieren en el tejido del mundo. Evitase divisiones estrictas entre proceso y producto, un espectáculo es su proceso, aunque no sea inmediatamente evidente, como los nervios y las venas son parte del cuerpo. El diálogo entre teoría y práctica teatral es un vector fundamental de la investigación, trazado a partir de la experiencia de la autora como directora de escena y profesora. El cuerpo conceptual se compone a partir de trayectorias transversales entre diferentes áreas del conocimiento, entre distintos creadores y prácticas. El procedimiento es intencionalmente polisémico; este estudio no se apoya en una línea teórica, autor o creador exclusivo, optando por tejer una red amplia de relaciones para pensar el papel y la potencia de las dinámicas de la creación escénica en el mundo actual. ¿Cuál sería laimagen más adecuada para un modelo de proceso de ensayos, cuerpo o máquina? Es posible que estas divisiones no sean más viables, somos tecnocuerpos conectados en un sistema de información global. Dispositivo-ensayo como lo que dispone, cuerpo-máquina y centro de conexiones, un conjunto de procedimientos, acciones y conceptos para poner a disposición estrategias de creación; ensayos como sistema vivo autopoético y mecanismo de relación.
Palabras llave: Procesos de ensayo. Metodologias de creación escénica. Escena contemporanea.

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FEIX Tania Alice.A meditação como possibilidade criativa para o performer. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro; professora adjunta de Performance, Dramaturgia e Teoria Teatral; performer, escritora e diretora teatral.

RESUMO: Esta comunicação consiste em pensar as possibilidades oferecidas pela prática da meditação (shamata) para o performer que trabalha com intervenções urbanas e/ou modalidades de atuação fora do regime de representação tradicional, dentro da perspectiva de construção de uma “cultura de paz” (Lama Padma Samten). A prática da meditação é pensada como uma ferramenta existencial que oferece novas possibilidades para a construção do ser, construção esta que passa uma possível reprogramação neuronal, que, por sua vez, permite uma ampliação da liberdade de escolha do performer diante das experiências e vivências cotidianas. Neste sentido, a meditação é também vista como um treinamento possível para o performer, na medida em que gera uma presença e capacidade criativa intensificada e o libera de uma forma de atuação condicionada no mundo, permitindo a construção de novos territórios criativos, fundamentais para o século XXI.
Palavras-chave: performance. meditação. criação contemporânea.

RESUME
Cette communication porte sur les possibilités offertes par la pratique de la méditation (shamata) pour le performer qui réalise des interventions urbaines et/ou agit en dehors des chemins proposés par le contexte de la représentation traditionnelle, en oeuvrant dans la perspective de construction d’une “culture de paix” (Lama Padma Samten). La méditation est envisagée comme un moyen de transformation existentielle, capable de construire une nouvelle manière d’être au monde au travers d’une reprogrammation neuronale pouvant être effectuée par cette pratique et qui conduit à l’augmentation de la liberté de choix du performer par rapport au monde qui l’entoure. La méditation est également envisagée comme un entraînement possible pour le performer, dans la mesure où sa pratique contribue à intensifier la présence et la capacité créative de l’artiste, en le libérant d’une manière d’être au monde conditionnée et en permettant la construction de nouveaux territoires créatifs, fondamentaux pour le XXIème siècle.
Mots-clés: performance. méditation. création contemporain

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FERRACINI, Renato. Processos e procedimentos práticos e teóricos para pensar/ criar o corpo-em-arte: Corpo-Subjétil. Campinas: LUME – UNICAMP; Pesquisador PQ e Coordenador; CNPq; Bolsista de Produtividade; FAPESP; Coordenador de Projeto Temático de Equipe.

RESUMO
O texto terá como objetivo discutir métodos, processos e procedimentos para se pensar conceitualmente o corpo-em-arte ou corpo-subjétil. Parte-se da premissa que esse corpo-em-arte (que chamamos também de corpo-subjétil) não é um corpo instrumental, mas um corpo que nesse território de busca de fissuras e linhas de fuga de suas ações comuns pensa e cria.
Palavras-chave: Metodologia. Corpo. Criação. Conhecimento.

ABSTRACT
The text will aim to discuss methods, processes and procedures to think conceptually in-the-art body or body-subjetil. It starts with the premise that the body-in-art (which we also call subjetil-body) is not an instrumental body, but a body that territory to search for cracks and lines of flight of its common stock thinks and creates.
Keywords: Methodology. Body. Creation. Knowledge.

RÉSUMÉ
Le texte aura pour objectif de discuter des méthodes, processus et procédures de penser conceptuellement le corps-en-art ou subjétil. Il commence avec la prémisse que le corps-en-art n’est pas un corps instrumental, mais un corps de ce territoire pour rechercher les fissures et les lignes de fuite de ses actions ordinaires pense et crée.
Mots clés: Méthodologie. Corps. Création. Connaissance.

 

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FIGUEIREDO, Valeska. SOARES, Marília Vieira. O compartilhamento das percepções passadas e das atuais na experiência estética. São Paulo: FAPESP; bolsa de doutorado; UNICAMP; Doutorado em Artes; Orientadora Profª. Marília Vieira Soares; dançarina, pesquisadora e professora de dança. Campinas: UNICAMP; Professora efetiva; dançarina, pesquisadora e professora de dança.

RESUMO
Este trabalho parte da ideia de que a experiência estética é uma experiência de compartilhamento. A relação entre criadores, intérpretes, espectadores, obra e mundo se caracteriza pela conexão recíproca de todos entre si. Para perceber esteticamente, é preciso recriar experiências passadas a fim de que elas integrem um novo padrão. Este mecanismo ocorre tanto no processo de criação quanto no de apreciação. Na percepção estética, o presente não está desvinculado do passado, ao invés disso, o passado se transpõe para o presente, expandindo-o e aprofundando-o. A estruturacão cênica deve estar absolutamente imbricada ao processo criativo. Para se constituir como uma experiência estética, uma criação não deve estar vinculada a escolhas pré-determinadas. O que se tem inicialmente são apenas possibilidades a serem experimentadas. O inesperado é uma condição. É possível aprender com o próprio trabalho, observando a construção daquilo que não compunha o projeto e o objetivo inicial. Uma criação artística deve ser reconstruída até atingir o seu próprio fim, isto é, a consumação do seu processo.
Palavra-chaves: experiência estética. percepção. compartilhamento.

ABSTRACT
This paper is based on the idea of aesthetic experience is an sharing experience. The relationship between creators, performers, spectators, artwork and world is characterized by the reciprocal connection among all of them. To perceive aesthetically is important to recreate past experiences in order to integrate a new pattern. This happens in both, the creation and the appreciation process. In the aesthetic perception, the present is not unbound to past; instead, the past is transposed to present, expanding it and deepening it. The scenic structure must be absolutely intertwined with the creative process. To be constituted as an aesthetic experience, the scene structuring should not be composed by pre-defined choices. What there are initially are only possibilities to experience. The unexpected is a condition. It is possible to learn with our own work by observing the construction of something that was not part of the project or the initial aim. An artistic creation must be reconstructed up to the point it reaches its own end; the consummation of its process.
Keywords: aesthetic experience. perception. sharing.

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FORNACIARI, Christina Gontijo. Cidade em transe, corpo em trânsito: “Corpomídia” e “Corpo sem Órgãos” em Performafunk. Salvador: UFBA; doutoranda; Bolsista CNPq; Orientadora: Ivani Santana.

RESUMO:
A presente comunicação pretende abordar a concepção e as ressonâncias conceituais do projeto “Performafunk”, contemplado com o Prêmio Funarte Artes Cênicas na Rua 2009. Ao instituir o funk carioca como ponto de partida para questões relevantes no universo contemporâneo da dança, do teatro e das epistemologias do corpo, o mencionado projeto abre questionamentos acerca das instâncias criadas pelos corpos que habitam essa manifestação cultural, sob o ponto de vista das teorias da comunicação, da antropologia, da dança e do teatro. A abordagem do trabalho passa pelo viés do “Corpo sem Órgãos”, conceito cunhado pelos filósofos Gilles Deleuze e Félix Guattari com base em escritos de Antonin Artaud, abrangendo também as noções de “Corpomídia”, sob o olhar de Helena Katz e Christine Greiner, e o entendimento pós-moderno de movimento, dança, teatro e cognição.
Palavras chave: Corpo sem Órgãos – Corpomídia – artes cênicas – funk carioca

ABSTRACT:
The present paper aims to approach the conception and the theoretical echoes of the project “Performafunk”, which was awarded with the FUNARTE Prize for Urban Theatre in 2009. As it institutes the funk carioca as a departure point for relevant issues in today’s universe of dance, theatre and the epistemologies of the body, the mentioned project opens a discussion about the instance created by those bodies inhabiting such cultural manifestation (funk carioca), under the umbrella of communication, anthropology, dance and theatre theories. The approach is done via the concept of “Body without Organs”, coined by French philosophers Gilles Deleuze and Félix Guattari based on writings of Antonin Artaud, also taking in consideration the notion of “Corpomídia”, coined by Christine Greiner and Helena Katz, and the post-modern understanding of movement, dance, theatre and cognition.
Key words: Body without Organs – Corpomídia – performing arts – funk carioca

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IRLANDINI, Isabella Azevedo. Reflexões sobre a voz no teatro de animação. Florianópolis: UDESC; Mestranda; Orientador: Prof. Valmor Beltrame, PPGT; CAPES; bolsa de mestrado. Encenadora e atriz.

RESUMO:
Estuda-se o uso da voz encarnada-desencarnada no teatro de animação, no qual, devido à enorme variação de tipos de bonecos-objetos e de situações, atrizes-bonequeiras/atores-bonequeiros buscam vozes diferenciadas, timbres e ressonâncias variados. Ao animar o inanimado, a/o atriz-bonequeira/ator-bonequeiro trabalha para dar a impressão de vida ao boneco-objeto através do movimento, da respiração e da voz. A voz encarnada-desencarnada está intimamente ligada a este processo de animar o inanimado. Uma das especificidades do teatro de animação está no fato do boneco-objeto ter a sua fonte sonora externa ao seu corpo-matéria. E é no jogo, no movimento e com a voz que se cria a animação. Consta-se uma tensão entre o encarnado e o desencarnado como parte fundamental na prática do teatro de animação. A investigação também leva em conta a presença marcante da tecnologia mediando a voz nessa arte: a voz encarnada como matéria corpórea em confronto à voz mediada; desencarnada no processo de filtragem, ampliação ou fixação. Nessa perspectiva pergunta-se: quais as implicações para o teatro de animação no uso cada vez mais frequente da voz mediatizada com o uso de microfones ou gravações?
Palavras-chave: encarnado-desencarnado. Objetos animados. Tecnologia.

ABSTRACT:
This is a study of the embodied-disembodied voice in figurative puppetry and animated objects. Due to the wide variety of puppets-objects and situations, puppeteers search for different kinds of voices, timbers and resonances. While animating the unanimated, the puppeteer works to give the impression of life to the puppet-object through movement, breath and voice. The embodied-disembodied voice is deeply linked to this process of animating the unanimated. The fact that the puppet-object has its sound source outside its body-matter is a specific feature of figurative puppetry and animated objects. And it is in the act of playing with movement and voice that the animation is created. The continuous tension between embodiment and disembodiment is a key element in figurative puppetry and animated objects. This investigation takes in consideration also the increasing presence of technology mediating the voice in this art form: the embodied voice as physical matter in resistance to the mediated voice, disembodied through the process of filtering, amplification and fixation. Following this perspective one should ask: what are the implications to the performance of figurative puppetry and animated objects to the ever so growing use of mediated voices through microphones and recordings?
Keywords: Voice. Embodied-Disembodied.Figurative Puppetry and Animated Objects.Technology.

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LEAL, Mara Lucia. Memória e Autobiografia na Composição da Cena. Uberlândia: UFU; Professora Assistente; UFBA; Doutorado em Artes Cênicas; Professor Orientador Fernando Passos. Atriz e Performer.

RESUMO
Nesta comunicação apresentarei as questões norteadoras de minha tese de doutorado, na qual refleti sobre a importância da memória pessoal e coletiva para a criação artística. Para tanto, parti de minhas experiências como atrizperformer- pesquisadora-docente, centrando a observação em processos que trabalham na intersecção entre vida e arte, entre memória e ficção para a composição da cena. A memória é aqui pensada em sua relação estreita com experiência, autobiografia e criação na contemporaneidade. Por isso, direcionei meu olhar para artistas contemporâneos que trabalham com a memória pessoal como procedimento artístico. Vejo o trabalho criativo a partir da memória pessoal como procedimentos que colaboram para outras possibilidades dramatúrgicas e coreográficas que tentam criar contradiscursos à lógica dominante.
Palavras-chave: Autobiografia. Memória. Cena.

ABSTRACT
This paper presents the guiding questions of my doctoral dissertation, which considered the importance of personal and collective memory for artistic creation. For that, I started from my experiences as an actress-performerteacher- researcher, focusing on the observation that processes work at the intersection between art and life, between memory and fiction in the composition of the scene. Memory is here considered in its close relationship with experience, creation and autobiography in contemporaneity. So I directed my gaze to contemporary artists working with personal memory and artistic procedure. I see creative work from the personal memory as procedures to cooperate in other theatrical and choreographic possibilities trying to create a counter-discourse to the dominant logic.
Keywords: Autobiography. Memory. Scene.

 

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LAGE, André Silveira. Os retratos e auto-retratos de Antonin Artaud : a experiência do rosto. São Paulo: Universidade de São Paulo ECA-USP; Bolsa de Pós-doutorado FAPESP. Pesquisador, professor e performer
RESUMO
A partir de uma série de auto-retratos e retratos (Paule Thévenin, Pierre e Florence Loeb, Jacques e Rolande Prevel, Arthur Adamov, Roger Blin, Colette Thomas, Minouche Pastier, Lily Dubuffet e outros) produzidos por Antonin Artaud, entre 1946 e 1948, tentarei mostrar como o tema da reivindicação revolucionária de um novo corpo humano está também vinculado à experiência do rosto, de um “rosto” por vir, de um “rosto humano” que ainda não encontrou a sua “face”. Desconstruindo a lógica da semelhança com o modelo, da cópia fiel, os retratos e auto-retratos de Artaud colocam em cena uma espécie de crueldade gráfica que resiste à representação e que nos faz ver o desmoronamento da figura, a desfiguração do “rosto humano”, ou ainda, a profunda relação entre o “rosto humano” e a morte : “O rosto humano é uma força vazia, um campo de morte” – afirma Artaud na plaqueta “O rosto humano” [Le visage humain], escrita em 1947 para apresentar os seus desenhos e retratos na Galeria Pierre Loeb.
Palavras-chave: Antonin Artaud. Auto-retratos e retratos. Experiência do rosto

RÈSUMÈ:
A partir d’une série d’auto-portraits et portraits (Paule Thévenin, Pierre e Florence Loeb, Jacques e Rolande Prevel, Arthur Adamov, Roger Blin, Colette Thomas, Minouche Pastier, Lily Dubuffet et autres) produits par Antonin Artaud, entre 1946 et 1948, j’essaierai de montrer comment le thème de la reivendication révolutionnaire d’un nouveau corps humain est lié à l’expérience du visage, d’un “visage” à venir, d’un “visage humain” qui n’a pas encore trouvé sa “face”. Desconstruisant la logique de la similitude avec le modèle, de la copie fidèle, les portraits et auto-portraits d’Artaud mettent en scène une espèce de cruauté graphique que resiste à la représentation et que nous fait voir l’effondrement de la figure, la desfiguration du “visage humain”, ou encore, le profond rapport entre le “visage humain” et la mort: “Le visage humain est une force vide, um champs de mort” – affirme Artaud dans la plaquette “Le visage humain”, écrite en 1947, lors de l’exposition de ses dessins et portraits à Galerie Pierre Loeb.
Mots clés: Antonin Artaud. Portraits et auto-portraits. expérience du visage

 

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LESSA, Sandra Urizzi. A Busca por Narradores no Cotidiano: uma Experiência. Bacharelada em Comunicação das Artes do Corpo; Mestranda Instituto de Artes; FAPESP; UNICAMP.

RESUMO
Ouvir histórias de vida pode ser um modo de investigar qualidades do tradicional e do contemporâneo? Esta é a pergunta que gera impulsos para uma pesquisa teórico-prática que tem como principal referência a obra de Walter Benjamin, cujo tema da narratividade possui um denso espaço. Ele atribui ao ato de narrar a capacidade de gerar uma profunda experiência humana possível de dilatar a relação com o tempo e o espaço. Por meio de uma relação viva com o passado podemos atualizar a memória ao trazê-la para o presente e refletir sobre tradição, experiência e narração. Por outro lado, nas artes contemporâneas podemos encontrar uma busca por qualidades que possam gerar uma dilatação no momento presente e que integrem os elementos que compõem tal momento, muitas vezes fazendo das situações inesperadas sua maior riqueza. Intervir no cotidiano buscando modos para ouvir o outro tem sido um caminho trilhado nos últimos anos desta pesquisa; onde também se acaba criando uma fricção com a afirmação de Benjamin de que a narração está em via de extinção. Um desafio que tece memórias compondo uma coleção de histórias de vida de pessoas que até então eram minhas desconhecidas. Se o tempo da sociedade atual não beneficia experiências profundas, torna-se um desafio encontrar modos no cotidiano para ouvir, conhecer e reconhecer histórias, atentando para o momento presente com as possíveis latências.
Palavras-chave: História de Vida. Narratividade. Experiência. Tradição. Contemporâneo

ABSTRACT
Listening to stories of life can be a way of investigating qualities of traditional and contemporary? This is the question that generates a pulse for theoretical research and practice that has as main reference the work of Walter Benjamin, whose theme of the narrative has a dense space. This attaches to the act of narrating the capacity to generate a profound human experience as possible to extend the relationship with time and space. Through a living relationship with the past can upgrade the memory to bring it to the present and reflect on tradition, experience and narration. On the other hand, in the contemporary arts can find a search for qualities that can generate an expansion in the present moment and to integrate the elements that make up that time, often making the most of unexpected wealth. Intervene in the daily seeking ways to hear the other has been treading in the last year of this research, which also ends up creating friction with the statement that Benjamin narration is in danger of extinction. A challenge that weaves memories composing a collection of life stories of people who were my hitherto unknown. If time does not benefit society today profound experiences, it becomes a challenge to find ways in everyday life to hear, know and recognize stories. Attending to the present moment with the possible latencies.
Keywords: Life Story. Narrativity. Experience. Tradition. Contemporary.

 

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LOPES, Melissa; DAMHA, Miguel (co autor). A mímesis corpórea como ponto de partida para a aplicação do conceito de memória nas pesquisas dos Grupos Matula Teatro e Os Fofos em Cena. Campinas: UNICAMP;Fapesp; Doutoranda no Programa de Pós Graduação Artes da Cena.Orientador: Prof.Dr.Renato Ferracini.
RESUMO
A pesquisa do Grupo Matula em seus primeiros cinco anos foi bastante influenciada pela mímesis corpórea, metodologia sistematizada LUME- Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da UNICAMP. Desde seu início, os atores do Matula sempre tiveram como ponto de partida para sua criação artística a observação e a codificação de matrizes corporais e vocais de pessoas do cotidiano e de imagens estanques. Para a elaboração de personagens, sempre foi necessário o contato dos atores com realidades sociais que comumente se encontram à margem da sociedade. Esta aproximação sempre se deu por meio de depoimentos, confissões e histórias que na maioria das vezes estavam associadas a imagens de memórias. Muitos dos relatos colhidos tornavam presentes os acontecimentos e por este motivo eram carregados de emoções e sentimentos. Posteriormente, em sala de trabalho, os atores procuravam ativar e reativar no corpo o correspondente àquelas ações físicas e vocais, assim como a organicidade deste material tal qual observado. A busca dos intérpretes era tornar este material ao mesmo tempo, orgânico e artístico. Na Mímesis Corpórea a memória é o ponto de partida para a relação do ator com ações físicas, vocais, imagens registradas coletadas no cotidiano, que quando manipuladas e presentificadas serão corporificadas por ele como uma segunda pele. O tema da memória torna-se presente não somente nesse instante do trabalho, na tentativa de reproduzir o material observado, como também no exercício artístico dos atores. Durante esse trabalho de apreensão de matrizes pudemos detectar que todo o objeto que fora escolhido pelos atores correspondiam a memórias pessoais e que necessariamente eram ligadas às nossas origens. É importante salientar que essa característica de aproximação de memórias não aconteceu de forma racional, mas sim através de uma seleção natural que ocorria durante o treinamento de apreensão das matrizes observadas e codificadas que eram repetidas incessantemente no corpo dos atores. Esta ativação das ações também se dava principalmente pelo canal da Memória. A escolha de contrapor a metodologia de mímesis corpórea nas pesquisas dos atores do Grupo Matula Teatro e a Cia. Os Fofos Em Cena se deve ao fato deste último ter realizado uma forma diferente de apropriação da metodologia de criação que parte diretamente do universo pessoal de cada ator e de um texto dramático, que contrapõe o modo conduzido pelo Grupo Matula. Apesar de se tratar de pesquisas distintas, as experiências de cada um desses grupos se utilizaram da metodologia em mímesis corpórea para acionar o que denominamos de um “corpo memória”.
Palavras Chaves: Mímesis Corpórea, Corpo Memória, matrizes

ABSTRACT
Matula’s research group in its first five years was greatly influenced by mimesis corporea, systematic methodology-LUME Interdisciplinary Center for Theatrical Research, UNICAMP. Since its inception, Matula actors have always had as a starting point for his artistic creation observation and coding of arrays and vocal body of people everyday and images watertight. For the development of characters, it was necessary to connect the actors with the social realities that often at the margins of society. This approach has always gone through testimonials, confessions and stories that were most often associated with images of memories. Many of the stories collected and made these events because of this were loaded with emotions and feelings. Later in the work room, the actors tried to activate and reactivate the body corresponding to those physical and vocal actions, as well as the organic material of this as we observed. The search of the performers was to make this stuff at the same time, organic and artistic. In Mimesis Corpórea memory is the starting point for the relationship with the actor’s physical actions, vocals recorded images collected in everyday life, that when manipulated will be embodied and made present by him as a second skin. The theme of memory becomes present not only at this moment working in an attempt to reproduce the observed material, but also in the performance art of the actors. During this work to seize arrays that could detect any object that was chosen by the actors correspond to personal memories and that they were necessarily connected to our origins. Importantly, this approach characteristic of memories did not happen in a rational way, but through a natural selection that occurred during training of the headquarters of seizure observed and coded that were repeated endlessly in the body of the actors. This activation of the actions also occurred mainly through the channel of memory. The choice to contrast the methodology of the research bodily mimesis Actors Group Matula Teatro and Os Fofos em Cena. The scene is because of the latter have made a different form of ownership of the methodology of creation that comes directly from the personal universe of each actorand a dramatic text, which contrasts the way led by the Group Matula. Despite being of different surveys, the experiences of each group were used in the methodology mimesis body to trigger what we call a “body memory”.
Keywords: mimesis corpórea, body memory,dies

 

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MADEIRA, Marina. O ator e o meio ambiente: relação e trocas significantes. Natal: UFRN; Mestranda em Artes Cênicas; CAPES; Orientador Prof. Dr. Alex Beigui de Paiva Cavalcante. Atriz e pesquisadora.

RESUMO
Este trabalho compõe parte da pesquisa de mestrado que venho desenvolvendo e que tem como objeto principal a investigação do trabalho do ator em cenas de rua (espaços abertos) e sua relação consigo mesmo e com o meio ambiente. Para tanto, utilizo como elemento-base da investigação o conceito de “afecto”, desenvolvido por Gilles Deleuze, Félix Guatarri e por Benedictus de Spinoza, bem como uma minuciosa cartografia da tradição teatral que aponta para a necessidade no trabalho do ator de abertura para o que vem de fora como parte integrante do processo de criação, equilibrando seu “interno” com o “externo”. No presente trabalho, pretendo fazer um recorte epistemológico da noção de composição atoral a partir dos escritos de autores como Jerzy Grotowski e Peter Brook, além de, posteriormente, analisar o material coletado em entrevistas e depoimentos de atores praticantes de teatro na rua (espaços abertos).
Palavras-chave: ator, relação, jogo, afecto, recepção.

ABSTRACT
This work is a part of a master degree research that I am conducting. Its main subject is the investigation of the actor’s work and performance on the street and the relationship with him/herself and the environment. The theoretical axis revolves around the concept of “affect” ( to influence, influence) developed by Gilles Deleuze, Felix Guattari and Benedictus de Spinoza. A detailed mapping of theatre tradition will be made, pointing out to the actor’s necessity to take into consideration the relationship between the environment and his/ her work as an important part of a creative process, in order to balance out inner processes with the stage “per se”, the outside world. As a part of this endeavor, I base my epistemological position regarding the actor inner composition (awareness, composition and processing of diverse elements and stimuli) on the works of authors such as Peter Brook and Jerzy Grotowski. Afterward, the collected data, consisting of interviews with street actors, will be analyzed.
Keywords: actor, relationship, play, affect, reception.

 

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MONTEIRO, Gabriela Lírio Gurgel. Titulo: “Espaços cinéticos, imagens teatrais”. Prof. Adjunto ECO/UFRJ. Pesquisadora CNPQ: “A teatralidade cinematográfica e o uso de novos dispositivos na criação de imagens”(FAPERJ/PIBIC/PIBIAC)

RESUMO
Refletir sobre as relações entre o teatro e o cinema contemporâneos significa ampliar as bases da discussão ancoradas na tentativa de delimitar espaços específicos de representação ocupados por uma ou outra arte. Em um momento de convergência tecnológica, imagens antes restritas a espaços contíguos e demarcados deslocam-se, ampliando zonas fronteiriças, provocando no espectador a impressão de que tais imagens sobrevivem para além do suporte escolhido. Notamos isso em inúmeros espetáculos que fazem uso de trechos de filmes, videoclipes, imagens-documentais, imagens caseiras, fotos, slides, imagens criadas in loco com o uso de retroprojetor, imagens irreconhecíveis, borrões, letterings, entre muitas outras. Este estudo pretende investigar como tais imagens corroboram para refletirmos sobre novas dramaturgias que se caracterizam por delinear vias de escape, compondo lugares de passagem híbridos, flutuantes.
Há de se pensar o destino das nouvelles images, a que se propõe Raymond Bellour (2002). Imagens que aparecem e desaparecem, sem deixar vestígios, que existem somente na articulação/conexão com outras tantas imagens e que, juntas, compõem espaços estratégicos, porosos e, de certo modo, independentes daquilo que, inicialmente, foi pensado como destino possível para elas. Imagens imprevisíveis porque em sua mobilidade, na composição com outras, em redes, avançam indefinidamente.
Palavras-chave: Teatro. Cinema. Imagem

ABSTRACT
Reflecting on the relationship between theater and contemporary cinema means to broaden the base of the discussion anchored in an attempt to define specific spaces occupied by each art. At a time of technological convergence, images previously restricted to contiguous and demarcated spaces are moving, expanding border areas, causing the viewer the impression that such images survive beyond the support chosen. We note that in many shows that make use of film clips, video clips, documentary images, home images, photos, slides, images created in situ with the use of overhead projector, unrecognizable images, blurs, letterings, among others. This study aims to investigate how such images corroborate for thinking about a new drama that is characterized by outlining avenues of escape, forming hybrid and floating passageways.
One has to think about the future of ‘nouvelles images’, which proposes Bellour Raymond (2002). Images that appear and disappear without trace, that only exist in the joint / connection with other images and so many that together make up strategic spaces, porous and, in a sense, independent of what initially was thought possible as a destination for them. Images unpredictable because of its mobility advance indefinitely in composition with others in networks, advance indefinitely.
Keywords: Theatre. Cinema. Image

 

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MOURA, Jan. Processos de Criação Compartilhada e Formações Rizomáticas. Cuiabá: Universidade Federal de Mato Grosso; Mestrando Em Estudos de Cultura Contemporânea; Orientadora Dra. Maria Thereza Azevedo. Ator, Encenador e Produtor Teatral.
RESUMO
Toda construção teatral é antes de tudo uma construção coletiva. Mas alguns artistas, a partir de determinada época da história do teatro, decidiram que sua arte deveria ser autônoma, livre de imposições. A criação compartilhada, seja ela em processos coletivos, colaborativos ou outra terminologia ou variação que possa existir, dá a arte teatral um caminho mais complexo e rico para a expressão estética, provocando diversas revisões e mudanças de posturas, atitudes e paradigmas. Criar em um grupo, companhia ou coletivo pautado pela horizontalidade na formação estrutural cria condições para que as subjetividades dos envolvidos encontrem caminhos mais livres e desafiadores para se expressarem. A autonomia criativa dos artistas determina um ambiente rizomático formado por vontades, desejos e histórias que se cruzam e se entrelaçam, formando uma rica e complexa rede estética. De acordo com Vygotsky, o ser humano se desenvolve na relação com o outro, e processos horizontais, democráticos possibilitam esse crescimento. O presente artigo analisa essas formações rizomáticas (Deleuze) estabelecidas em coletivos que optaram por processos de criação compartilhados. Fazendo uma reflexão sobre as possibilidades que se abrem e buscando compreender de que forma essas escolhas influenciam no processo e no resultado da criação, utilizando para tanto conceitos de Lev Vygotsky, Gilles Deleuze e José da Costa.
Palavras-Chaves: Processo. Compartilhamento. Coletivo. Criação. Rizoma

RESUMÉ
Chaque construction théâtrale est avant tout une construction collective. Mais certains artistes, à partir d’une certaine époque de l’histoire du théâtre, a décidé que son art doit être autonome, libre de charge. La création partagée, que ce soit des processus collectifs, de collaboration ou d’autres termes ou des variations qui peuvent exister, un art théâtral cède la place à l’expression esthétique plus complexe et riche, ce qui conduit à plusieurs révisions et des changements de postures, des attitudes et des paradigmes. Créer un groupe, d’entreprise ou collective guidée par la formation de la structure horizontale crée des conditions dans lesquelles l’identité des personnes impliquées sont plus libres et stimulant les moyens de s’exprimer. Autonomie fournit un environnement de création des artistes formés par rhizomatique besoins, désirs et les histoires qui se croisent et s’entrecroisent, formant un réseau esthétique riche et complexe. Selon Vygotsky, l’être humain se développe en relation avec les autres, et les processus horizontal, démocratique permettre cette croissance. Cet article examine ces formations rhizomatique (Deleuze), établi dans les conventions collectives qui ont choisi de construire les processus partagés. Après réflexion sur les possibilités qui s’ouvrent et essayer de comprendre comment ces choix influent sur le processus et le résultat de créer, d’utiliser les deux concepts de Lev Vygotsky, Gilles Deleuze et José da Costa.
Mots clés: Processus. Partage.Collective.Création.Rhizome

 

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MOURA, Lino Daniel. Entre Carmens e Severinas: Uma proposta de entendimento sobre transculturação na dança. Salvador: Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas; Universidade Federal da Bahia; Sócio estudante. Mestrando PPGAC UFBA. Professor, coreógrafo e dançarino.

RESUMO
Este artigo trata de um possível entendimento sobre transculturação na dança a partir da análise do espetáculo Entre Carmens e Severinas dirigido por Daniel Moura, estreado em 2009 em Salvador. Atrelando aspectos culturais entre o nordeste brasileiro e a dança flamenca, o espetáculo apresenta um produto estético transculturado a partir do diálogo entre o flamenco, as músicas de compositores nordestinos e elementos artesanais como o fuxico, a renda e a chita. O olhar lançado na observação destes elementos tem como base as considerações sobre transculturação feitas por Fernando Ortiz, atrelados a entendimentos sobre cultura e identidade em autores como Nestor Garcia Canclini e Stuart Hall.
Palavras-chave: Dança. Transculturação. Identidade.

ABSTRACT
This article deals with a possible understanding of transculturation in dance from the analysis of the performance Entre Carmens e Severinas directed by Daniel Moura, premiered in 2009 in Salvador. Combining cultural aspects of northeastern Brazil and flamenco dancing, the show presents an aesthetic product crosscultured from the dialogue between flamenco, songs of composers from the Northeast and handicrafts such as typical brazilian handmade ornament designed for clothing and one kind of flowery fabric with vibrant colors.The watchful look at these elements is based on the considerations made by Fernando Ortiz on transculturation, rooted in understandings of culture and identity in such authors as Nestor Garcia Canclini and Stuart Hall.
Keywords: Dance. Transculturation.Identity.

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NUNES, Silvia Balestreri. Pinóquios de Carmelo Bene e constituição de uma máquina atorial. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; professor adjunto.

RESUMO:

Com a publicação, no ano de 2010, de uma tradução brasileira para o principal texto do filósofo Gilles Deleuze acerca do teatro de Carmelo Bene – Un Manifeste de Moins -, é perceptível um aumento do interesse no país pela obra desse criador italiano, falecido em 2002, após uma fértil carreira no teatro, no cinema, tendo também realizado produções para rádio e televisão. Destacam-se ainda, em sua obra, uma rica discografia, produções que se caracterizam por aproximar-se da música operística e uma literatura para e sobre a cena que impressiona pela singularidade, ironia e riqueza de estilo. É com a obra impressa ou registrada em suportes audiovisuais que se conta hoje para captar o que de novo ainda aportam as criações do artista e suas contribuições para a própria cena e para o pensamento sobre esta. Acrescente-se a elas a possibilidade de leitura dos signos, através de uma memória das sensações de seus espectadores, na direção que lhe dá Deleuze inspirado em Proust. Propõe-se, nesta comunicação, a apresentação de um estudo da obra Pinocchio de Collodi segundo Bene, através de uma comparação entre o texto original de Collodi e o texto do próprio Bene publicado em suas obras completas. Será considerada, ainda, na presente análise, a versão televisiva de Bene para o Pinocchio e textos de especialistas em sua obra. Este estudo pretende traçar uma aproximação ao conceito de máquina atorial inventado por Bene, buscando compreender em que medida ele começou a ser desenvolvido em seus muitos “Pinóquios”, bem como destacando as características da atorialidade beneana ali presentes.
Palavras-chave: Carmelo Bene. Pinóquio. Máquina Atorial
 

RESUMEN
Con la publicación de una traducción brasileña del principal texto del filósofo Gilles Deleuze sobre el teatro de Carmelo Bene en el año 2010 [Un Manifeste de Moins (Un manifiesto menos)], puede percibirse en dicho país un incremento del interés en la obra de este creador italiano fallecido en el año 2002, al cabo de una fecunda carrera en el teatro y en el cine, con realizaciones también de producciones para radio y televisión. En su obra cobran relieve a su vez una rica discografía, producciones que se caracterizan por su acercamiento a la música operística y una literatura para y sobre la escena que impresiona por su singularidad, su ironía y su riqueza de estilo. Y es precisamente con la obra impresa o con la registrada en soportes audiovisuales que se cuenta actualmente para captar qué de nuevo aportan aún las creaciones del artista: sus contribuciones a la propia escena y al pensamiento referente a la misma. A ellas se suma la posibilidad de leer los signos a través de una cierta memoria de las sensaciones de sus espectadores, en la dirección de lectura que le imprime Deleuze inspirándose en Proust. En esta comunicación se hace una presentación de un estudio de la obra Pinocchio de Collodi según Bene, mediante una comparación entre el texto original de Collodi y el texto del propio Bene publicado en sus obras completas. También se consideran en el presente análisis la versión televisiva de Bene para Pinocchio y textos de expertos en su obra. En el estudio se pretende efectuar un acercamiento al concepto de máquina actoral inventado por Bene, en una búsqueda por entender en qué medida el autor lo empezó a desarrollar en sus diversos “Pinochos”, como así también destacar las características de la actoralidad beneana allí presentes.
Palabras claves: Carmelo Bene. Pinocho. Máquina Actoral

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OLINTO, Lidia. A precisão cênica do ritmo orgânico: um estudo sobre Akropolis de Jerzy Grotowski sob a ótica do binômio reprodutibilidade-espontaneidade. Campinas: UNICAMP; CAPES; bolsista de mestrado; Prof. Orientador Matteo Bonfitto. Atriz e Dramaturgista

RESUMO
Dentro da concepção mais usual de ‘precisão cênica’, o enfoque dado à dimensão estética mostra-se mais evidente que outros aspectos de ordem não formal, como, por exemplo, as configurações psíquica e energética do desempenho cênico. Todavia, esta acepção formalista da ‘precisão cênica’, essencialmente próxima ao conceito de ‘coreografia’, não poderia ser aplicada de maneira genérica, pois as propostas de alguns encenadores exigem do artista em cena (ator-bailarino) uma precisão de caráter psicofísico, ou seja, uma mobilização integral de todos os recursos atorais, sendo estes físicos ou não físicos. Poder-se-ia afirmar ser este o caso de grande parte das experimentações de Jerzy Grotowski, dentre as quais está Akropolis – uma de suas peças mais famosas. Esta montagem apresenta algumas especificidades entorno da precisão psicofísica e, partindo desta premissa, este artigo propõe descrevê-las e discuti-las. Tendo em vista tal objetivo, serão analisados como fontes primárias de pesquisa: o vídeo documentário da peça feito pela televisão norte-americana PBL e os textos de Ludwik Flaszen, Eugênio Barba e Jerzy Grotowski produzidos no período em questão: entre os anos de 1959 e 1962. Estas fontes referem-se, direta e indiretamente, ao espetáculo em si, ao seu processo de criação e ao treinamento físico-vocal desenvolvido na época. Através da análise destas fontes, será possível demonstrar como que na criação deste espetáculo fica perceptível certa transitoriedade entre uma precisão em um nível ainda formal para um tipo de precisão mais concretamente observável como psicofísica: A Precisão do Ritmo Orgânico.
Palavras-chave: Precisão cênica. Grotowski. Organicidade.
 

ABSTRACT
The usual concept of ‘scenic precision’ is related to the notion of ‘choreography’. In this case, the focus of the artistic work seems to be relatively more concentrated in the aesthetic dimension than in the non-formal aspects of performance such as the psychic and energetic qualities. However, this aesthetic concept of ‘scenic precision’ isn´t good enough to understand many acting experiences. Some directors require the artist (actor-dancer) to have a psychophysical performance, a integral mobilization of both physical and nonphysical resources. This is the case of most of J. Grotowski´s propositions, as, for example, Akropolis, one of his most famous plays. Based on this premise, this paper proposes to describe and discuss Akropolis´s peculiarities on scenic precision. To achieve this goal, it will be analyzed the following research sources: a video documentary produced by the American television channel PBL and texts by Ludwik Flaszen, Eugenio Barba and Jerzy Grotowski. They are referring directly or indirectly to this play´s creative process and its physical and vocal training during the period (1959-1962). Using these sources, it will be possible to demonstrate how Akropolis is transitional work from one in a formal scenic precision to another in a more concretely psychophysical level: The Precision of Organic Rhythm.
Keywords: Scenic precision. Grotowski.Organicity.

 

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OLIVEIRA, Aline Mendes de Oliveira. Relações contemporâneas e conceituais entre teatro e cinema: edição, montagem e dinâmica cênica. Belo Horizonte: Universidade Federal de Ouro Preto; professor assistente. Universidade Federal de Minas Gerais; doutoranda; Professor Orientador : Prof. Dr. Fernando Antônio Mencarelli. Encenadora.

RESUMO
O objetivo deste texto é discutir as possíveis relações conceituais entre o teatro e os suportes audiovisuais que incorporam o movimento em sua estrutura. A ideia é centrar-se para efeitos deste estudo, inicialmente na linguagem cinematográfica e refletir sobre a relação desta como resultante de um processo da edição e montagem (a imagem captada e revelada) e um possível diálogo conceitual com a imagem cênica, observando seu caráter poético e sua relação com luz, sombra e a articulação dos elementos próprios da encenação (que podem se construir também através de um processo de edição e montagem cênicas). Observando o caráter plástico da imagem e considerando as características próprias do cinema, (e por nossa reflexão e possível aproximação, também do teatro) focaremos no conceito da expressão cinematográfica como imagem em movimento, seguindo o pensamento deleuziano, onde o representado no cinema é um representado em devir e qualquer coisa representada, mesmo estática, encontra-se quando filmada inscrita na duração e passível de transformação. A partir daí, pensaremos a noção de representação no teatro e no cinema e suas imagens em mutação e neste caso, ligada a este sentido da narrativa da imagem movimento.
Palavras-chave: Imagem, encenação, narrativa cênica, cinema, imagem-movimento.

ABSTRACT
The objective of this text is to discuss the possible conceptual relations between the theater and audiovisual supports that incorporate the movement in its structure. The idea is to focus for this study, initially in the cinematographic language and to reflect on this relationship as a result of a process of editing and montage (the image captured and revealed) and a possible conceptual dialogue with the scenic image, observing the poetry character and its relation with light, shade and the joint of the proper elements of the scenario (which can also be constructed through a process of editing and montage scenic). Observing the plastic character of the image and considering the proper characteristics of the cinema, (and for our reflection and approach possible, also of the theater) will focus on the concept of the cinematographic expression as image in movement, following the Deleuzian thought, where the represented one in the cinema is one represented in devir and any represented thing, even static, is entered when filmed in the duration and suitable of transformation. From there, we will think the notion of representation about the theater and the cinema and its images in mutation and this in case that linked to this sense of movement image narrative.
Keywords: Image, staging, scenic narrative, cinema, motion-picture.

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OLIVEIRA, Lenine Vasconcellos de. Música e a Ilusão Representativa. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro; Professor Assistente; Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro; Doutorando (PPGAC); Dra Ana Maria de Bulhões-Carvalho. Músico.

RESUMO
Palavras-chave: Música. Presença. Performance.
No entendimento pós-dramático de teatro, toda realização, mesmo estando dissociada da criação de uma ilusão representativa, ganha potência cênica. Ao perceber o ato do músico presente na cena teatral, a tensão existente e explícita entre realização e representação permite uma abordagem conceitual em que se atribua um caráter essencialmente cênico à qualidade de presença experimentada pelo músico ao produzir música. O músico ao exercer o seu ofício na cena, produz uma arte incapaz, devido à sua natureza concreta, de representar algo. Será o entendimento da arte teatral para além da representação que contemplará, inclusive na assunção por parte da percepção do espectador, a presença do músico como cênica, abordando também a música como arte siamesa das demais artes cênicas, incluída no mesmo conjunto do teatro, da dança e da performance.

ABSTRACT
Keywords: Music. Presence.Performance.
In the concept of Post-Dramatic Theater, every single action becomes potencially a scenic act, although it is not associated to a creation of a representative ilusion. In perceiving the act of the musician in the teatral scene, the tension existent and explicit between action and representation allows a conceptual approach, where can be assigned a essencially scenic character to the quality of presence experienced by the musician when he produces music. The musician, in performing his specific activity in scene, produces a art that, by its concrete nature, is incapable of represent anything. It will be the understanding of Theater beyond of construction of a representative ilusion, that will contemplate, also in the view of the audience, the presence of the musician in scene as a scenic act, allowing the understand of Music as a siamese sister from the Scenic Arts.

 

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PADILHA, Priscila Genara. A composição de uma canção. Porto Alegre: UFRGS; mestrado; PROF-CAPES; bolsista; UDESC; doutoranda; Sandra Meyer. Atriz, encenadora e professora de teatro.

RESUMO
O artigo relata o processo clownesco de montagem de Canção de Ninar de Samuel Beckett, tentando promover um diálogo entre o sistema de Konstantin Stanislavski e conceitos da filosofia da diferença de Gilles Deleuze. O espetáculo foi estruturado a partir de alianças feitas entre as ações físicas do ator e os elementos da Análise Ativa mais oportunos à obra de Beckett. As ações físicas, na experimentação com o texto de Beckett, transformaram-se em sensações e o único acontecimento de Canção de ninar tornou-se uma imagem esgotada. A linha transversal de ações físicas virou linha de variação de sensações. Caminhos construídos pelas intensidades que atravessam Beckett, o que demandou uma adequação dos procedimentos tanto para um contato mais estreito com a obra, quanto para sua concretização cênica.
Palavras-chave: Ação física. Análise Ativa. Sensação. Beckett.
 

RESUMEN
El trabajo describe el proceso de la puesta em escena clownesca de Canção de Ninar de Samuel Beckett, tratando de promover un diálogo entre el sistema de Konstantin Stanislavskiy e los conceptos de la filosofía de la diferencia de Gilles Deleuze. La escena fue estructurada a partir de alianzas entre las acciones físicas del actor y los elementos del Analisis Activo más adecuados para la obra de Beckett. Las acciones físicas, en la experimentación con el texto de Beckett, se convirtieron en sensaciones y el único acontecimiento de Canção de Ninar se convirtió en una imagen de agotamiento. La línea transversal de las acciones físicas se convertió en línea de variación de sensaciones. Caminos construidos por las intensidades de Beckett, que requieren un ajuste de los procedimientos para un contacto más estrecho con la dramaturgia y para su realización escénica.
Palabras-clave: Acción física. Análisis Activo. Sensación. Beckett.

 

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PARRA, Sandra P. Furlanete. Sobre ‘ Treinamentos Psicofísicos em Performance’: desdobramentos possíveis. Londrina: UEL; Professora Assistente; performer, atriz.

RESUMO
O presente artigo é um estudo de caso de prática artística realizada no curso de Artes Cênicas da Universidades Estadual de Londrina – UEL. Baseado no artigo “Treinamentos Psicofísicos em Performance: vivências extraclasse”, de Samira Borovik, foi proposto ao coletivo performático “Laranjas Podres Performáticas” que cada performer criasse para si um “treinamento-vivência” que lhes permitisse, ou que lhes auxiliasse a entender a criação mais como momentos de condensação criativa do que como um fato deslocado, desconectado da vivência diária do artista. Assim, atividades cotidianas, seja ligadas aos interesses artísticos dos performers, seja momentos de ócio e contemplação, deverão ser sistematizadas de forma a permitir que essa ação venha a ser aprofundada na criação, ou crie desdobramentos que não vão se perder, que vão poder ser agregados ao trabalho como um todo. E que então preparam efetivamente para a construção da cena, de alguma forma. A proposta foi apresentada aos artistas do coletivo a partir de perguntas como “o que é que você sente que precisa fazer para poder criar? Para poder alargar, dilatar teu corpo na performance, dilatar o alcance, a profundidade, o significado do que você está fazendo? Pode ser qualquer coisa: andar pela cidade olhando para o topo dos prédios, ou assistir os vídeos da lady gaga 150 vezes cada um – qualquer coisa que altere tua percepção e te jogue mais fundo no que você está fazendo.” Os resultados desta proposta serão apresentados e discutidos no corpo do artigo.
Palavras-chave: Coletivo performático. Treinamento em performance. Treinamento-vivência.
 

ABSTRACT
This article is a case study of artistic practice at the course Performing Arts held at University of Londrina – UEL. Based on the article “Psychophysical Training in Performance: extracurricular experiences” from Samira Borovik, has been proposed to the performative collective “Laranjas Podres Performáticas” that each performer create for himself a “training-experience” which would allow or help them to understand the creative process better as moments of creative condensation than as a fact of place, disconnected from the artist’s daily life. Thus, daily activities, whether related to the performers’ artistic interests, or moments of leisure and contemplation, should be systematized so as to allow this action to be taken further in the creation, or create developments that will not get lost, which will be households to work as a whole. And then prepare effectively for the construction of the scene, somehow. The proposal was presented to the collective as questions like “what do you feel you need to do to create? To extend, expand your body in performance, extend the breadth, depth, the meaning of what you’re doing? It can be anything: walking around town looking at the tops of buildings, or watch lady gaga’s videos 150 times each one – anything that alters your perception and throw you deeper into what you’re doing.” The results of this proposal will be presented and discussed in the article.
Key words: Performative collective. Training in performance.Training experience.

 

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POSSANI, Maria Alice; TAGUCHI, Cristiane Malagoli (co-autora). Rastros para o processo de formação do ator. Campinas: UNICAMP; Fapesp; Mestrado em Artes da Cena; Orientador Prof. Dr. Renato Ferracini.

RESUMO
Esse artigo pretende mapear princípios e procedimentos dentro do campo do treinamento e preparação do ator a partir de textos e depoimentos de atores do Odin Teatret (Dinamarca), Lume Teatro e Matula Teatro (Campinas, SP). Nestes três grupos é possível identificar uma genealogia no que se refere ao treinamento do ator, na medida em o trabalho nesse campo desenvolvido pelo Lume foi fortemente influenciado pelas experiências dos primeiros atores do grupo junto ao Odin – influência que persiste até hoje através de intercâmbios constantes entre os atores dos referidos grupos. Esse treinamento foi apreendido pelos atores do Lume e compartilhado intensamente com os atores do Matula Teatro, principalmente durante os primeiros quatro anos de existência deste último (2000 a 2004), e segue ecoando até hoje. A partir de escritos e falas das atrizes Julia Varley e Iben Nagel Rasmussen (Odin Teatret), Jesser de Souza e Carlos Simioni (Lume) e Alice Possani (Matula); o presente texto busca identificar os princípios recorrentes, as especificidades e as transformações do treinamento na trajetória de cada grupo; atravessando-os pelos conceitos de memória e micropercepção que vem sendo trabalhados no projeto de Mestrado “Treinamento do ator: a memória e as micro-percepções como caminho para o corpo em cena”, com orientação do Prof. Dr. Renato Ferracini, ator do Lume. Esta pesquisa integra o Projeto Temático Memória(s) e Pequenas Percepções, também coordenado por Ferracini.
Palavras-chave: Treinamento de ator. Memória.Micropercepção.
 

ABSTRACT
This article aims to map out principles and procedures within the field of training and preparation of the actor from texts and interviews with actors of Odin Teatret (Denmark), Lume Teatro and Matula Teatro (Campinas, SP). In the three groups is possible to identify a genealogy when it comes to training the actor, as the work in this field developed by Lume was strongly influenced by the experiences of the first actors of the group next to Odin – influence that continues today through constant exchanges among the actors of such groups. This training was perceived by the actors in Lume and shared intensively with the actors of the Theatre Matula, especially during the first four years of existence of the Matula (2000 to 2004), and continues to echo today. From the writings and speeches of actress Julia Varley and Iben Nagel Rasmussen (Odin Teatret), Jesser de Souza and Carlos Simioni (Lume) and Alice Possani (Matula), this text seeks to identify applicants with the principles, the specifics and the transformations of training in the trajectory of each group going through them with the concepts of memory and micropercepção that has been worked on Master’s project “Training of the actor: the memory and micro-perceptions as a way for the body on stage” with the guidance of Prof.. Dr. Renato Ferracini, actor Lume. This research is part of the Project Theme Memory(s) and Perceptions Small, also coordinated by Ferracini.
Keywords: Training in acting. Memory.Micropercepção.

 

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LARANJEIRA, Carolina Dias. Apontamentos sobre os estados tônicos em criações e teorizações nas Artes Cênicas. Salvador: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia; FAPESB; bolsista de doutorado; Profª Drª Eloisa Leite Domenice. Dançarina e Coreógrafa.
RESUMO
O presente artigo discorre sobre a produção de modos diferenciados de se estar em cena, tendo como viés as práticas de artistas da dança, do teatro cujos trabalhos corporais enfatizam os estados tônicos. Por meio de reflexões e teorizações de artistas e teóricos busca-se identificar e ressaltar as escolhas estéticas ou os procedimentos preparatórios envolvendo o trabalho com a lentidão, a postura e os micro-movimentos e aproximá-las do pensamento sobre a função tônica de Hubert Godard. Propõe-se, dessa forma, uma abordagem sobre as questões concernentes ao corpo em cena sob uma perspectiva que privilegia os estados corporais e as variações tônicas em detrimento da lógica do passo e do movimento.
Palavras-chave: corpo em cena; estados tônicos; estados corporais; dança; teatro.

RÉSUMÉ
Le présent article traite de la production des différents modes d’être sur scène, par le biais des pratiques corporels des artistes en danse et en théâtre dont les ouvres soulignent les états toniques. À travers des réflexions et des théories des artistes et des théoriciens on cherche à identifier et mettre en évidence les choix esthétique ou des procédures impliquées aux travaux préparatoires à la lenteur, la posture e les micromouvements en les rapprochant de la pensée sur la fonction tonique d’Hubert Godard. Il est proposé, donc, une discussion sur les questions concernant le corps sur scène dans une perspective qui met l’accent sur les états corporels et les variations toniques au détriment de la logique du pas e du mouvement.
Mots-clés: corps sur scène ; états tonique; états corporels; danse; théâtre.

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NUNES, Alexandre Silva. Míticas e mística da ação física. Goiânia: Universidade Federal de Goiás; professor adjunto. Encenador e performer.

RESUMO
O presente artigo busca refletir acerca do conceito de ação física, questionando algumas de suas premissas e problematizando outras. Para isso, ele analisa as definições basilares do conceito, recorrendo ainda à etimologia dos termos que compõem a expressão. A partir destes dados elementares, busca identificar os aspectos simbólicos e metafóricos que tanto a expressão quanto o conceito abrigam, inspirados por referenciais técnicos e científicos, de modo a revelar os aspectos míticos que estão implicados neles. Num segundo momento, o artigo irá assinalar a ocorrência de diversos elementos de caráter místico que se relacionam ao nascimento do conceito.
Palavras-chave: ação física. mito. técnica. poesia

ABSTRACT
This article aims to reflect on the concept of physical action, questioning some of its assumptions and questioning others. For this, it examines the basic definition’s concept even resorting to the etymology of the terms that comprise the expression. From these basic facts, seeks to identify the symbolic aspects and metaphorical that both expression and concept contains, inspired by scientific and technical references in order to reveal the mythical aspects that are involved in them. Secondly, the article will indicate the occurrence of various mystical elements that relate to the concept’s birth.

 

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LEWINSOHN, Ana C. A Potência das Metáforas em Sala de Trabalho. Campinas: UNICAMP; bolsista FAPESP; doutoranda; orientador: Renato Ferracini. Atriz e professora.

RESUMO
Cada sala de ensaio, cada grupo e processo de criação utiliza, em suas práticas, o que podemos chamar de metáforas de trabalho. As metáforas de trabalho são ideias, ações, imagens, comandos verbais utilizados em práticas de ensaio, aulas ou processos criativos para auxiliarem os atuantes a entrarem em um estado corporal diferente do cotidiano, numa zona de experimentação. A utilização de metáforas de trabalho em práticas teatrais determina a construção de um corpo-em-arte, gerando e potencializando estados de criação, repetição, atualização e manutenção de ações-matrizes físico-vocais no contexto poético ficcional e espetacular. Esse artigo busca investigar a potência dessas metáforas, na busca de criar uma relação mais íntima entre os conceitos sobre arte e a prática artística, e de uma reflexão teórica cada vez mais próxima do processo criativo, utilizando seus paradigmas, sua linguagem e suas imagens para discutir questões pertinentes sobre o trabalho do ator contemporâneo.
Palavras-chave: práticas de criação; metáfora de trabalho; preparação do ator.

ABSTRACT
Each rehearsal room, and each group creation process uses in his practice, which we call metaphors work. Metaphors work are ideas, actions, images, verbal commands used in practices, lessons or to help their creative processes to come into an active body state different from everyday life, in an area of experimentation. The use of metaphors of theatrical work in practice determines the construction of a body-on-the-art, creating and empowering states to create, repeat, update and maintenance of motherboards shares in physical and vocal spectacular fictional and poetic context. This paper investigates the power of these metaphors in the quest to create a more intimate relationship between the concepts of art and artistic practice and theoretical reflection more closer to the creative process, using its paradigms, its language and images to discuss pertinent questions about the work of the contemporary actor.
Keywords: creation process; metaphor work; Actor Prepares.

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LINKE, Ines. Estratégias da arte. Diálogos e fracassos. São João del-Rei: Universidade Federal de São João del-Rei; professora assistente; Universidade Federal de Minas Gerais; doutoranda; Or. Prof. Dra. Maria Angélica Melendi. Artista plástica e cenógrafa.

RESUMO
A erosão dos valores durante o século XX resultou na abolição das categorias e parâmetros tradicionais da arte. Falou-se no fim da arte, o pós-modernismo caiu fora de moda, mas ainda não foi concebido o que poderia estar no seu lugar. Criaram-se trajetos conflituosos com trabalhos provisórios e colaborações sem muita credibilidade, ações cênicas ambíguas e com pouca eficácia: obras não autorais, intervenções, ações micro-poliíticas que se situam na interface entre arte e vida num campo interdisciplinar indefinido onde se fala de tudo menos de arte.
No presente, as políticas culturais incentivam uma “arte para todos” visando a democratização da cultura, o acesso ao lazer, ao divertimento e aos espaços comunicativos da estética relacional. Dentro dessa proposta as estratégias artísticas que são desenvolvidos no espaço urbano participam da construção da imagem da cidade como lugar da diversão e participam no projeto da melhoria da “qualidade de vida” a cada ação. Assim as intervenções urbanas viraram lugar de propagar a voz oficial das políticas públicas. Dessa forma vemos hoje muitas práticas “micropolíticas”, ações artísticas não-pretensiosas, inofensivas, leves, divertidas que ajudam quebrar a rotina (para as pessoas que conseguem vê-las) e oferecem uma experiência compensatória a uma vida esvaziada de sentido, sem permitir uma significação ou estabelecer novas relações.
Estratégias da arte: diálogos e fracassos estuda os grupos que misturam arte e ativismo político e atacam os males e contradições da sociedade contemporânea pensando nas possibilidades, limites e perigos das ações propostas em diferentes contextos. Com o objetivo de sensibilizar e criar uma consciência crítica da sociedade e dos seus problemas, muitos desses grupos valorizam a participação do público e enfatizam a dimensão ética e os aspetos relacionais dos seus trabalhos. Grupos como Eating in Public e This Land Your Land usam procedimentos artísticos para difundir suas ideias. Sabotagem, denúncias, compartilhamentos, alternativas são algumas das suas estratégias.
Estratégias da arte: diálogos e fracassos analisa alguns trabalhos recentes desses grupos que misturam arte e ativismo político e outros que enfatizam o aspecto ético. Investiga-se os aspetos relacionais que parecem incapazes de reverter a superficialidade da experiência perceptiva. Acredita-se que muitas dessas experiências coletivas, ambientes democráticos e procedimentos éticos oferecem respostas que agradam a todos. Mas acredita-se que elas são expressões da situação de interregno porque muitas vezes negam a possibilidade da formalização de significados, da construção de conteúdos e da formulação de perguntas que criam a possibilidade de interpretação, de conscientização e de modificação da situação presente.
Palavras-chave: Arte, Estética relacional, Ativismos, Diálogos, Colaboração

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MEYER, Sandra. Presença: entre percepção e ação. Florianópolis: Universidade do Estado de Santa Catarina. Programa de Pós-Graduação em Teatro. Professor associado.

RESUMO
O artigo propõe uma abordagem da ideia de presença a partir da noção de percepção e consciência do estado do corpo no espaço e tempo. O envolvimento motor na percepção é chave para o entendimento de uma abordagem cinética, considerando que a percepção simula a ação, e que a ação organiza a percepção. Estudos sobre percepção e ação provenientes das artes do movimento, da filosofia e das ciências cognitivas são a estratégia para compreender a organização destes fenômenos no corpo em ação.
Palavras-chave: Corpo. Presença. Percepção. Ação.

ABSTRACT
The article proposes a boarding of the idea of presence from the notion of perception and conscience of the state of the body in the space and time. The motor involvement in the perception is a key for the agreement of a kinetic boarding, considering that the perception simulates the action, and that the action organizes the perception. Studies on perception and action proceeding from the arts of the movement, the philosophy and the most cognitive sciences are the strategy to understand the organization of these phenomena in the body in action.

 

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OLIVEIRA, Cristóvão de. Nem fixo nem instável: a potência das afetações recíprocas nas relações de grupalidade. Florianópolis; Universidade do Estado de Santa Catarina; Bolsista PROMOP/UDESC; Mestrado em Teatro; PPGT/UDESC; Profª Drª Sandra Meyer Nunes; Ator e Diretor.
 

RESUMO
Em que medida nos deixamos contaminar pelo trabalho alheio? Certamente em diversas camadas de nosso próprio fazer artístico, fazemos uso e referência a técnicas e procedimentos de criação os mais diversos, que encontram ressonância nas pulsões e ideologias propagada na grupalidade onde nos inserimos. Enfatizando a relação construída pela Periplo, Compañia Teatral, de Buenos Aires/Argentina, com três atuantes grupos teatrais do Estado de Santa Catarina, especialmente no que se refere às afetações – entendidas aqui como zona de contaminação onde o trabalho de um influencia e projeta o trabalho do outro – faremos um mergulho na poética destes artistas, identificando quais movimentos impulsionaram cada grupo a seguir por caminho próprio. Buscaremos encontrar as similaridades em seus processos criativos e pontuar em que lugar se encontra a relação entre Téspis Cia de Teatro (Itajaí/SC), Cia Carona de Teatro (Blumenau/SC) e La Trama Cia. Teatral (Joinville/SC) com seus mentores. Nesta seara, nos apoiaremos nas ideias de Gilles Deleuze sobre acontecimento e singularidade, bem como nas reflexões de Peter Pal Pelbart a partir de conceitos como grupalidade, afetação recíproca e contaminações.
Palavras-Chave: Afetações. Singularidades. Processos Criativos.
 

ABSTRACT
To what extend do we allow ourselves to contaminate the work of another? Indeed in several layers of our own making art, we make use of and reference to techniques and procedures for creating the most diverse, they find resonance in the instincts an ideologies propagated groupality in which we operate. Emphasizing the relationship built by the Periplo, Compañia Teatral, from Buenos Aires/Argentina, with three active theater groups in the state of Santa Catarina/Brazil, especially with regard to affectations – understood here as the area of contamination where the work of a design and influence the other’s work – we’ll swim in the poetry of these artists, identifying movements propelled by each group to follow their own path. We’ll try to find similarities in their creative processes and rate at which place is the relationship between Téspis Cia de Teatro (Itajaí/SC), Cia Carona de Teatro (Blumenau/SC) e La Trama Cia. Teatral (Joinville/SC) with their mentors. This harvest, we’ll support the ideas of Gilles Deleuze on the event and singularity as well the reflections of Peter Pal Pelbart from concepts such as group awareness, and affectation reciprocal contamination.
Keywords: Affectations, Singularities, Creative Processes.

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QUILICI, Cassiano Sydow. O conceito de “cultivo de si” e os processos de formação e criação do ator/performer. São Paulo: Universidade Estadual de Campinas, professor assistente doutor.

RESUMO
Este trabalho explora o conceito de “cultivo de si”, investigado pelo filósofo japonês Yasuo Yuasa, como ponto de partida para abordar o ator/performer na contemporaneidade. “Self-cultivation” é uma tradução para “shugyo”, princípio fundamental em algumas artes tradicionais japonesas. Trata-se também de uma noção profundamente enraizada na cultura e na vida cotidiana, advinda da presença do zen budismo. Ela traz uma compreensão singular das relações mente/ corpo, vistas a partir da experiência vivida do sujeito. Daí desdobra-se uma série de proposições práticas e exercícios, que visam despertar certas qualidades de consciência e transformar o modo de ser do praticante. O texto apresenta a atualidade dessas questões, numa discussão crítica e propositiva sobre os processos de treinamento do ator/ perfomer.
Palavras-chave: cultivo de si, treinamento, ator-performer, zen budismo

ABSTRACT
This paper explores the concept of “self-cultivation”, investigated by Japanese philosopher Yasuo Yuasa, as a starting point to approach the actor/performer in the contemporaneity. “Self cultivation” is a translation for “shugyo”, the fundamental principle in some Japanese traditional arts. Having arisen from the presence of Zen Buddhism, and being deeply rooted in the Japanese culture and daily life, “shugyo” brings a singular understanding of mind/body relations from the perspective of the subject’s lived experience. Several practices and exercises unfold from this view in an attempt to awake some consciousness qualities that will transform the practioner’s way of being. This paper presents the importance and updatedness of these questions in a critical discussion that proposes training processes for the actor/performer.
Key-words: self-cultivation, training, actor/performer, Zen Buddhism

 

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RAUEN, Margie (Margarida Gandara Rauen). Participação: o ex-público e o ativismo. Guarapuava: UNICENTRO (Univ. Estadual do Centro-Oeste); Professora Associada. Artista.
 

RESUMO
Este trabalho aborda ações artísticas, cujo objetivo seja reposicionar o público como agente anárquico externo (Margie Rauen, 2009) ou explorar a arte como “interstício social” (termo Marxiano aplicado na Estética Relacional – Nicolas Bourriaud, 1998). A pesquisa prioriza a poética participativa, termo utilizado, na Arte Contemporânea, para designar processos criativos que propõe a agência do ex-público. O campo de investigação consiste de vivências diversas em espaços públicos ou virtuais, transcendendo questões recepcionais e priorizando o tipo e o grau de interferência das pessoas no tempo real do evento. O estudo comparativo sugere que as poéticas participativas reconfiguram a arte como capital radical e não apenas cultural, produzindo grande impacto relacional ao potencializar redes de ativismo, embora se instaurem a partir de procedimentos de composição convencionais, tais como apropriação, ressignificação, transposição, modificação de materiais, espaços e/ou suportes convencionais, inclusive em meios digitais.
Palavras-chave: Processos criativos. Engajamento político. Público.
 

ABSTRACT
[Participation: the ex-audience and activism] This paper addresses artistic actions that focus upon repositioning the audience as an anarchic external agent (Margie Rauen, 2009) or on exploring art as a “social interstice” (a Marxian term applied in Relational Aesthetics – Nicolas Bourriaud, 1998). Research has focused on the so-called poetics of participation, a term which has been used to define creative processes in Contemporary Art that imply the agency of the ex- audience. The investigation field is beyond the scope of reception theory. It consists in diverse experiences in public venues or web-based, and pursues the kind and the degree of interference brought about by the people engaged during the actual time of the event. The comparative study has indicated that the participation poetics reconfigure art as radical capital, rather than merely cultural, producing great relational impact as they boost the potential of activism networks, in spite of emerging from conventional composition procedures, such as appropriation, resignification, transposition, change of conventional materials, spaces and/or supports, including production in digital media.
Key words: Creative processes. Political engagement.Audience.

 

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RAYMUNDO, Jaqueline Rodrigues de Souza. Teatro e Software: jogos de caixas pretas. Rio de Janeiro: UNIRIO; Mestre em Artes Cênicas; UFRJ (ECO) (Polo Digital); Pesquisadora Associada. Atriz, Performer, Diretora Teatral.

RESUMO
Frente à diversidade dos processos de troca entre teatro e software – onde a prática teatral é influenciada e potencialmente se abre a desterritorializações e reterritorializações do evento cênico – os caminhos percorridos por entre essas fronteiras, estão ainda fixados em superfícies quase impenetráveis. Tensões friccionadas nos debates entre teatro e “novas tecnologias” devem ser esgarçadas, nos lugares de seus processos de criação, de modo a penetrar nos universos do teatro e do software, na tentativa de desvelar suas “mágicas”, seus códigos, em movimentos iterativos de “branqueamento” das caixas pretas. Processos de criação genitores de uma multiplicidade de processos conceptores de tantos outros processos. Desvelamento que não busca reflexões em termos de verdade[s]. Mas, precipitar a criação de acontecimentos, reações em cadeia, encadeadas por órbitas multi escalares do pensamento.
Palavras-chave: Teatro. Software. Processos (criação). Processos (acontecimento). Relações Humano- Com

putador (pensamento).

ABSTRACT
Face of the diversity of exchange processes between theater and software – where theatrical practice is influenced and potentially opens itself to deterritorializations and reterritorializations of the theatrical performance – the paths taken through these boundaries are still set in almost impenetrable surfaces. Under friction tensions established in the debates between theater and “new technologies” must be ripped off in the places of their creative processes, in an attempt to reveal their “magic”, their code, through iterative movements of “whitening” the black boxes. Creative processes that are genitors of a multiplicity of processes that are conceptors of many other ones. Such unveiling, does not seek for truth[s] reflections. But, precipitating events’ creations, chain reactions, chained by multi-threaded orbits of thought.
Keywords: Theatre. Software.Processes (creation).Processes (event). Human- Computer Relationships (thought).

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RIBEIRO, Valécia. Em/Entre um ser há/e um outro – Processos poéticos entre o corpo do artista e sua própria imagem na mediação tecnológica. Salvador: Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas – Universidade Federal da Bahia (PPGAC – UFBA); doutoranda; Professora Orientadora Ivani Santana. Artista visual.

RESUMO
O desenvolvimento das tecnologias digitais vem transformando a criação do artista ao trabalhar sua própria imagem, a percepção do seu corpo e, assim, a construção da própria obra. O que tem proporcionado novos entendimentos sobre o que é ser corpo na contemporaneidade, sobre a maneira como nos vemos e acessamos nosso corpo, abrindo diferentes possibilidades de expressão com as mídias contemporâneas. A exposição “Em/Entre um ser há/e um outro” faz parte de um processo colaborativo de criação entre a artista visual Valécia Ribeiro (Brasil), dentro da sua pesquisa de doutorado sobre a relação corpo-imagem que realiza no Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas na Universidade Federal da Bahia – PPGAC – UFBA e o artista e músico Cyrille Brissot (França) na investigação das possibilidades de expressão na interação com as novas mídias, a partir da sua atuação no «Institut de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique» – IRCAM. O projeto envolve diversos meios de expressão: fotografia, vídeo, performance, instalação, pintura, etc., explorando diferentes linguagens da arte contemporânea na convergência desses meios no digital. A criação artística desse trabalho explora a fusão dos corpos, das imagens e dos meios, partindo da impossibilidade de ter corpo sem a relação das tramas culturais de imagens que se superpõem a todo momento, propondo, assim, a interação corpo e imagem. As obras que compõem a exposição “Em/Entre um ser há/e um outro” – realizada em novembro de 2010 no MAM – Museu de Arte Moderna da Bahia com a curadoria de Ivani Santana –, fazem parte de uma mesma poética: uma poética da fusão, criada pela transparência, na qual as imagens se sobrepõem uma às outras, se amalgamam, para criar novos corpos, novos sentidos, nos quais não é mais possível definir onde estão os limites entre ser um e outro. Um outro que é também o próprio mundo.
Palavras-chaves: Corpo. Imagem. Mediação tecnológica. Processo de criação.
Ribeiro, Valécia. Dans/Entre un être il y a/et un autre – Processus poétiques entre le corps de l’artiste et sa propre image dans la médiation technologique.

RÉSUMÉ
Le développement des technologies numériques a transformé la création de l’artiste lorsque celui-ci travaille sur sa propre image, la perception de son corps et donc la construction de l’oeuvre elle-même. Ceci offre de nouveaux éclairages sur ce que signifie être corps dans la contemporanéité, sur la maniére dont nous nous voyons et accédons à notre corps, ouvrant différentes possibilités d’expression avec les médias contemporains. L’exposition “Dans/Entre un être il y a/et un autre” fait partie d’un processus collaboratif de création entre l’Artiste visuel Valécia Ribeiro (Brésil), dont la thèse de doctorat porte sur la relation corps-image (thèse réalisée dans le Programme d’Etudes Supérieures en Arts Scènique à l’Universidade Federal da Bahia – PPGAC – UFBA) et l’Artiste, musicien Cyrille Brissot (France) spécialiste des techniques d’expression portant sur l’interaction avec les nouveaux médias (recherches réalisées dans l’«Institut de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique» – IRCAM). Le projet englobe divers moyens d’expression : la photographie, la vidéo, la performance, l’installation, la peinture, etc., et explore différents langages de l’art contemporain dans la convergence de ces médias dans le numérique. La création artistique de ce travail explore la fusion des corps, des images et des médias, en partant de l’impossibilité d’avoir un corps sans la relation des trames culturelles d’images qui se superposent à tout moment, en proposant, par conséquent, l’interaction entre le corps et l’image. Les oeuvres qui composent l’exposition “Dans/Entre un être il y a/et un autre” – qui s’est tenue à novembre 2010 au MAM – Museu de Arte Moderna da Bahia, ayant pour curatrice Ivani Santana – font parties d’une même poétique : une poétique de la fusion, créée par la transparence, dans laquelle les images se chevauchent les unes aux autres, s’amalgament, afin de créer nouveaux corps, nouvelles significations, dans lesquelles il n’est plus possible de définir où sont les frontières entre être soit être “un”, soit être “autre”. Un autre qui est aussi le propre monde.
Mots-clés: Corps. Image.Médiation technologique.Processus de création.

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ROJAS, Paula. O trabalho do ator: da teoria à prática no espetáculo Solness: um drama do silêncio. San José – Costa Rica: Símbolo. Cía.Escénica. Professora da Escola de Artes Cênicas da Universidade Nacional da Costa Rica (UNA) e membro ativo de Símbolo. Cía. Escénica. Mestre em Teatro- UDESC. Atriz e pesquisadora de teatro.

RESUMO
Esta comunicação busca analisar os procedimentos técnicos e estéticos atorais explorados no espetáculo Solness: um drama do silencio, concebido como um laboratório prático para revistar e confrontar os conceitos teóricos aplicados na minha dissertação de mestrado, titulada “A interpretação não-naturalista nos espetáculos Agreste e o Pupilo quer ser tutor”; este trabalho investiga em ambas propostas cênicas a existência de alguns princípios presentes no teatro de máscaras, no teatro de marionetes e no teatro Nô, impregnado pelo conceito de teatralidade de Josette Féral e sua relação com a mimese. É de esperar que o passo de um trabalho escrito à cena promova a criação de metodologias de trabalho novas para os participantes que os afastam do modo naturalista de atuar, sendo para eles seu lugar de conforto e que esta experiência represente um novo olhar da pesquisa inicial transformando-a e chegando a outras impensadas conclusões.
PALAVRAS-CHAVE: Trabalho do ator, processos criativos, fronteiras
 

RESUMEN
Esta comunicación busca analizar los procedimientos técnicos y estéticos actorales explorados en el espectáculo Solness: un drama del silencio, concebido como un laboratorio práctico para revisar y confrontar los conceptos teóricos aplicados en mi tesis de maestría, titulada La interpretación no- naturalista en los espectáculos Agreste y el Pupilo que ser tutor; este trabajo investiga en ambas propuesta escénicas la existencia de algunos principios presentes en el teatro de máscaras, en el teatro de marionetas y en el teatro Noh, impregnado por el concepto de teatralidad de Josette Feral y su relación con la mimesis. Es de esperar que el paso de un trabajo escrito a la escena promueva la creación de metodologías de trabajo nuevas para los participantes que los aleja del modo naturalista de actuar, siendo para ellos su lugar de conforto y que esta experiencia represente una nueva manera de ver la investigación inicial transformándola y llegando a otras inimaginables conclusiones.
Palabras-llave: Trabajo del actor, procesos creativos, fronteras.

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ROJO DE LA ROSA, Sara. A Propósito de uma Leitura Dramática”. Belo Horizonte: UFMG. Professor Associado, Pesquisador Bolsista de Produtividade do CNPq e Pesquisador Mineiro da Fapemig. Diretora.

RESUMO
O Mayombe Grupo Teatro fez uma leitura dramática de “Lágrimas de um guarda-chuva”, de Eid Ribeiro, no dia 8 de junho de 2011. O processo de construção desse trabalho foi governado pelo desejo. Desejo de fazer, de criar, de compartilhar propostas e, como sempre, uma luta contra o relógio de cada um. Por que isso é possível? O texto de Eid convoca e, além disso, existe o desejo, no grupo, de quebrar com o tempo linear para transformar a experiência num instante de “prazer”, corporificar a literatura sem que deixe de ser literatura. Criar outros formatos para fazer e para falar da arte. Em relação ao texto, do título até a última fala, consiste, principalmente, num jogo em que o que está colocado em questão é a função da arte numa sociedade na qual esta perdeu seu lugar. Digo, principalmente, porque não se pode esquecer que a ação dramática coloca no palco seres que nasceram ou que foram jogados numa estrada sem cidadania. São corpos à deriva, nos quais o que prima são os instintos de vida/ sexo, morte/ sobrevida. Dentro desse universo, o corpo é entendido como passível de ser morto, estuprado, usado. Tudo isso, dentro de uma estética que brinca com o grotesco e com o riso diante da inumanidade. A peça dói, porque se testemunha esse mundo e não se pode fazer nada ou quase nada, senão fugir como a protagonista Zambê, a mulher-macaco. Neste século XXI, grande parte da arte foge dessa realidade e se refugia num debate intimista ou supostamente subversivo a convenções e cânones sem nenhuma reflexão sobre os jogos de poder, de destruição e de animalidade que estamos vivendo. As peças de Eid são diferentes: mergulham dentro do sujeito para olhar a sociedade. As imagens que nascem de seus textos “tomam posição”, mas uma posição que não esquece a linguagem metafórica e passional da arte. Mesmo que seja, como no caso de “Lágrimas de um guarda-chuva”, para mostrar um mago (artista) que já não tem truques para envolver um povo contaminado pela peste, fazendo que essa imagem reflita como espelho os artistas do presente, desolados, tentando retirar coelhos da cartola para ver se alguém volta a sentir com os velhos/ novos truques.
Palavras-chave: Literatura. Leitura. Teatro. Desejo. Arte.

RESUMEN
Mayombe Grupo Teatro realizó una lectura dramática de “Lágrimas de um guarda-chuva” de Eid Ribeiro el día 8 de junio de 2011. El proceso de construcción de ese trabajo fue gobernado por el deseo. Deseo de hacer, de crear, de compartir propuestas y, como siempre, una lucha contra el reloj de cada uno. A pesar de ello, el deseo permitió que fuese posible. ¿Por qué sucedió eso? El texto de Eid convoca y, además, existe la necesidad, en el grupo, de quebrar con el tiempo lineal para transformar la experiencia del tempo en un instante de “placer”, corporificar la literatura, sin dejar de ser literatura. Crear otros formatos para hacer y para hablar del arte. En relación al texto, del título hasta el último parlamento consiste, principalmente, en un juego en que lo que está siendo problematizado es la función del arte en una sociedad en la cual éste perdió su lugar. Digo, principalmente, porque no se puede olvidar que la acción dramática trae al palco seres que nacieron o que fueron lanzados en una vía sin ciudadanía. Son cuerpos a la deriva, en los cuales priman los instintos de vida/sexo, muerte/sobrevida. Dentro de ese universo, el cuerpo es entendido como susceptible de ser muerto, estuprado, usado. Todo eso, dentro de una estética que juega con el grotesco y con la risa frente a la inhumanidad. La pieza duele porque se testimonia un mundo en el cual no se puede hacer nada o casi nada, sólo huir como el personaje protagonista, Zambê, la mujer macaco. En este siglo XXI, gran parte del arte huye esa realidad y se refugia en un debate intimista o supuestamente subversivo a las convenciones y cánones sin ninguna reflexión sobre la red de poder, destrucción y animalidad que se vive. Las imágenes de Eid Ribeiro “toman posición”, pero una posición que no se olvida del lenguaje metafórico. Aunque sea como en “Lagrimas de un paragua” para mostrar un mago que ya no tiene más trucos para hipnotizar a un Pueblo contaminado por la peste, haciendo que esa imagen refleje como espejo a los artistas del presente, desolados intentando retirar conejos de su sombrero de copa para ver si alguien vuelve a sentir con los viejos/nuevos trucos.
Palabras clave: Literatura. Lectura. Teatro. Deseo. Arte.

 

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SALVADOR, Lenine Guevara Oliveira. Presença e Presente_Interstício entre estudos do Corpo e do Tempo na Performance. Salvador: UFBA; Mestrado; Ciane Fernandes. Performer e professora.

RESUMO:
O artigo refere-se à proposta de conexão entre a noção da produção de presença na Performance Art e Dança, (através dos artigos de André Lepecki e Peggy Phelan no livro Of The Presence of the Body_ Essays on Dance and Performance Theory), e da noção da presença cênica como reflexão entre o Teatro e a Performance, (através do livro Teatro Contemporâneo no Brasil: Criações Partilhadas e Presença Diferida, de José da Costa). A escolha desta ligação aconteceu como necessidade de produzir reflexão sobre a noção de presença para o projeto de mestrado, Espera: Acontecimento-Esvaziamento quando a-com/tece, Intervenções no espaçotempo Espera. A investigação pretendida se deu em tentativa de conectar o entendimento dos autores ao que se refere a noção de presença sobre a angulação do tempo presente, quando em eventos com ênfase na expressão do corpo. Presença, ainda seria uma noção concernente aos acontecimentos e preocupações sociais sobre o prisma de posicionamento ético, deslocado por vezes para expressões estéticas na contemporaneidade.
Palavras-chave: Presença. Presente. Corpo. Ética.Estética.

ABSTRACT
The article refers to the proposed of connect the notion between the presence production in Dance and Performance Art (through the articles of Andre Lepecki and Peggy Phelan in the book Of The Presence Of The Body_ Essays on Dance and Performance Theory), and notion of stage presence as a reflection of Theatre and Performance ( through the book Teatro Contemporâneo no Brasil: Criações Partilhadas e Presença Diferida, of José da Costa). The choice of this link came as the need to produce reflection on the notion of presence to the master’s project, Waiting: happening-Emptying when do not weaving with, Speakers in the spacetime Waiting. The research took place in attempt to connect the understanding of the authors referred to the notion of presence on the angulation of the present time, when in events with an emphasis on expression of the body. Presence, would still be a notion relative of happennings and social concerns above a prism on the ethical position, sometimes shifted for aesthetic expression in contemporary.
Keywords: Presence. Present. Body.Ethic.Aesthetic.

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SAIDEL, Henrique. O estar e o infiltrar-se – ação performática e espaço urbano. Curitiba: Faculdade de Artes do Paraná / FAP; Professor Colaborador. Diretor, ator, cenógrafo e performer.

RESUMO
Neste trabalho, reflito sobre ações performáticas que se infiltram no espaço público de tal forma que seja impossível dissociar um do outro sem prejuízos para ambos, adentrando territórios onde a noção de autoria é alvo de questionamento. Apresento uma rápida descrição e analiso ações performáticas realizadas em espaços urbanos da cidade de Curitiba, das quais participei desde a concepção até os desdobramentos finais. As obras analisadas possuem um forte caráter metalinguístico e irônico, e absorvem, dentro das suas estruturas movediças, as ações dos espectadores, que alteram a sua relação com o espaço urbano, com os demais espectadores e com a performance, criando uma rede de infiltrações. Conceitos como os de não-lugar (Augé), pós-teatro (Cohen), e TAZ / zona autônoma temporária (Bey) articulam-se com a metalinguagem (Jakobson; Brait) e a ironia (Muecke; Hutcheon) para compor este estudo.
Palavras-chave: Ação performática. Espaço público urbano. Infiltrações. Co-autoria. Ironia.

RESUMEN
En este trabajo reflexiono sobre acciones performativas que se filtran en el espacio público de tal manera que es imposible separar el uno del otro sin daño para ambos, profundizando en territorios donde la noción de autoría es objeto de cuestionamientos. Presento una breve descripción y analizo las acciones performativas tomadas en espacios urbanos de la ciudad de Curitiba, de las cuales participé desde la concepción hasta los resultados finales. Las obras analizadas tienen un fuerte carácter metalingüístico y irónico, y absorben, dentro de sus estructuras fluctuantes, las acciones de los espectadores, que alteran su relación con el espacio urbano, con otros espectadores y con la performance, creando de una red de infiltraciones. Conceptos como el no-lugar (Augé), post-teatro (Cohen), y TAZ / Zona Autónoma Temporal (Bey) se articulan con el metalenguaje (Jakobson, Brait) y la ironía (Muecke; Hutcheon) para componer este estudio.
Palabras-clave: Acción performativa. Espacio público urbano. Infiltraciones. Co-autoria. Ironía.

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SALVATTI, Fabio. Faça você mesmo um agente compositor contemporâneo. Florianópolis: Universidade Federal de Santa Catarina; Professor Adjunto. Diretor Teatral.
 

RESUMO
O modo de exercício político “faça você mesmo” (do it yourself – DIY) vem norteando grande parte de ativismo político desde a segunda metade do século XX. Nele, a autonomia, a autoexpressão e a auto-organização são valorizadas em detrimento da representação delegada, pretendendo uma chance de envolvimento pessoal na transformação do mundo. Este envolvimento sem mediadores vem construindo redes de colaborações horizontais, distintas das relações hierárquicas de partidos, sindicatos e outras agremiações políticas. Considerando-se que uma parcela significativa de coletivos e indivíduos que fazem parte destas redes propõe ações que se situam em um campo contínuo e indistinto entre arte e ativismo, pode-se aproximar o conceito de “faça você mesmo” das práticas criativas da cena contemporânea.
O locus do espectador contemporâneo tem sido desestabilizado em processos artísticos de estética relacional, nos quais as relações autorais da cena são explodidas e compartilhadas com o público. Nestes casos, todos os participantes do processo artístico passam a ser agentes compositores cujas proposições são determinantes para eventos que perdem o caráter fechado de obras de arte e ganham o estatuto aberto de vivências artísticas. Esta recontextualização do “ex-espectador” é manifestamente política, com orientação desierarquizante e horizontal. Neste aspecto, o “faça você mesmo” surge como modo operador para o agente compositor da cena contemporânea e pode servir para seu exame.
Palavras-Chave: Faça você mesmo. Agente Compositor. Ativismo Político. Performatividade.
 

ABSTRACT
The mode of political exercise “do it yourself” (DIY) has guided most of political activism since the second half of the twentieth century. In DIY the autonomy, self-expression and self organization are valued at the expense of delegate representation, intending a chance of personal involvement in transforming the world. This involvement without intermediaries has been building networks of horizontal collaborations, different than the the hierarchical relationships seen on political parties, unions and other political associations. Considering that a significant portion of collectives and individuals that are part of these networks proposes actions that are located in a continuous and blurred field between art and activism, we can approximate the concept of “do it yourself” and the creative practices of the contemporary scene.
The locus of the contemporary spectator has been destabilized in artistic processes of relational aesthetics, in which relations of scene’s authorship are exploded and shared with the audience. In these cases, all participants of the artistic processes become composer agents whose propositions are crucial to events that lose their closed character of art work and gain the status of open artistic experiences. This recontextualization of the “ex-audience” is clearly political, non-hierarchical and horizontally oriented. In this respect, “do it yourself” appears as a operative mode for contemporary scene composer agent and can help its exam.
Keywords: Do it yourself. Composer agent.Political Activism. Performativity.

 

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SILVA, Amabilis de Jesus. Roupas super-poderosas. Curitiba: Faculdade de Artes do Paraná.
 

RESUMO
A partir do projeto “Roupas super-poderosas”, desenvolvido com estudantes com altas habilidades/super-dotação das escolas municipais de Curitiba, pretendemos refletir sobre o uso simbólico das roupas/figurinos nas linguagens cênicas e fílmicas. O intento é traçar uma metáfora, levando em consideração os estudos de Maria Lúcia Prado Sabatella sobre as dificuldades de adaptação encontradas pelos estudantes e os escritos de Lois Gresh e Robert Weinberg acerca das utilizações de alta tecnologia recorrentes nas aventuras dos super-heróis.
Os modos de criação e recriação do corpo humano e seu entorno, de modo fantástico ou baseado em dados científicos, servem como enriquecimento do imaginário, ao tempo em que impulsionam novos entendimentos e campos de pesquisas voltados para outros estados do corpo.
Palavras-chave: figurino; altas habilidades; super-heróis; imaginário.
 

RÉSUMÉ
A partir du projet “Vêtements super puissants”, developpé avec des étudiants surdoués des quelques écoles publiques de Curitiba, nous allons réflechir sur l’utilisation symbolique des vêtements/costumes dans l’arts des spectacles vivantes et dans le langage cinèmatographique. Le but est de tracer une métaphore, en considerant les études de Maria Lúcia Prado Sabatella sur les dificultes d’adaptation que les étudiants surdoués sentent et les écrits de Lois Gresh et Robert Weinberg par rapport les utilisations des hautes Technologies presents dans les aventures de super-héros
Les modes de création et récreation du corps humain et leur autour, de façon fantastique ou scientifique, nous enrichessent l’imaginaire de la même façon que stimule des nouvelles compreensions des “etats des corps”
Mots clés:: Costume, des hautes habilites, super-héros, imaginaire

 

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SILVA, Dora de Andrade. Poéticas da Interferência: diferentes protocolos de criação e seus meios. Campinas: Unicamp; doutoranda em Artes da Cena; bolsa CAPES; Or. Profa. Dra. Antonieta Marília de Oswald de Andrade; Bailarina, professora e pesquisadora.
 

RESUMO
Os processos de criação e estruturação cênica podem ser atravessados e determinados pelos mais diversos elementos inicialmente exteriores ao produto ou pesquisa artística proposta. Tais fatores, previstos ou não, podem acabar por determinar a criação de novos modos de fazer e até mesmo o surgimento de uma poética particular de um artista. Estes modos de fazer, entendidos aqui como protocolos de criação, apresentam-se múltiplos na contemporaneidade da mesma maneira que refletem a particularidade do processo travado. O presente trabalho pretende discutir sobre a possibilidade do que seria uma poética do encontro, das adversidades, condições e especificidades da ocasião, do meio, pessoas e contextos: uma poética da construção na interferência. Para tal serão apresentados exemplos de artistas contemporâneos, assim como da própria pesquisadora, abordando aspectos relativos às suas práticas e protocolos de criação e as especificidades destes processos em diferente meios.
Palavras-chave: Dança. Protocolos de criação. Processo criativo.
 

ABSTRACT
There are several elements, initially alien to the original artistic proposal development, which may cross and interfere with the creative process and the scenic structure. Such elements, which may or may not have been foreseen, can be determinative on the creation of new methods or even the artist’s poetics and identity. These procedures, multiple in contemporary art, and here addressed as creative protocols, reflect the characteristics of the process. The present work intends to discuss the possibilities of the poetics of the adversity, of different contexts and specificities, analyzing through examples taken from contemporary artists works and those of the author herself, different aspects of their creative protocols and their processes in different environments.
Keywords: Dance. Creative protocols.Creative process.

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SILVA, Flávia Cristiana da. Estado de brincadeira: um mar para se mergulhar. Salvador: Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas; Universidade Federal da Bahia; Érico José Souza de Oliveira, PPGAC UFBA. Mestranda. Atriz e Arte Educadora.
 

RESUMO
Este artigo se propõe a refletir sobre a possível relação entre o estado do brincador do Cavalo Marinho (manifestação popular da Zona da Mata Norte de Pernambuco) e o estado cênico do ator de teatro. No momento da brincadeira do Cavalo Marinho, o brincador não representa, ele se apresenta num estado de alerta, de precisão, numa ampliação de todo o corpo, deixando-se contaminar, dialogar e viver o momento presente, através da experiência real e ao mesmo tempo ficcional. Neste sentido, busca-se o ator no estado de experimentação, de fluidez, com o corpo atento a si, ao outro e ao meio. A intenção é pensar em elementos que possam colaborar para uma prática, que transite ou dialogue entre esses dois universos, suscitando um possível caminho a ser aprofundado e ampliado a partir de novas questões levantadas. Esta pesquisa faz parte do mestrado em Artes Cênicas realizada na UFBA e discute elementos que compõe esse estado de brincadeira.
Palavras-Chave: Cavalo Marinho. Estado Brincante. Estado Cênico.

ABSTRACT
This article intends to reflect on the possible relationship between the state of player from Cavalo Marinho (popular manifestation of the Zona da Mata North of Pernambuco) and the state’s scenic stage actor. At the moment of play of the Cavalo Marinho, the player does not act, he presents himself in a state of alertness, precision, an amplification of the entire body, leaving yourself contaminated and living the present moment, through actual and fictional experience at the same time. Therefore, we searched the actor in the state of experimentation, fluidity, body aware of itself, to each other and the environment. The intention is to consider factors that may contribute to a practice that transit or dialogue between these two universes, posing a possible way to be deepened and expanded through new questions raised. This research is part of the master’s degree in Performing Arts held at UFBA and discusses elements that compose this state of player.
Keywords: Cavalo Marinho, State of player, State Scenic.

 

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WENDELL, Ney. Experiência de mediação teatral no Québec. Salvador: Fundação CAPES, Doutorando do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da UFBA; Orientação da Profª. Drª. Eliene Benício; FAPESB.

RESUMO
Este texto aborda experiências atuais de mediação teatral no estado de Québec no Canadá. São práticas desenvolvidas nas instituições culturais Maison Théâtre em Montréal e no Groupe de Théâtre des Petites Lanternes em Sherbrooke. Estes exemplos de atividades e maneiras de trabalhar com o público formado por crianças e jovens são avaliados como referências de metodologias educativas e artísticas. As avaliações da pesquisa confirmaram os ricos percursos de experiências de formação teatral através de processos de recepção e apropriação de forma pedagógica. A temática central deste texto é a construção dos Cadernos de Espetáculo que são realizados pelas instituições em parceria com as equipes artísticas dos grupos teatrais. Estes cadernos são utilizados pelos professores que trabalham na escola com a formação dos alunos que irão ver as apresentações.
Palavras-chave: Mediação Teatral. Cadernos de Espetáculos. Educação.

RÉSUMÉ
Ce texte parle des expériences actuelles de médiation théâtrale dans la province du Québec au Canada. Ils sont des pratiques développées dans les organismes culturels Maison Théâtre à Montréal et le Groupe de Théâtre des Petites Lanternes à Sherbrooke. Les plusieurs exemples des activités et façons de travailler avec le public des enfants et des jeunes sont évalués comme référés des méthodologies éducatives et artistiques. Les évaluations de la recherche ont confirmé les riches parcours des expériences de formation théâtrale à travers un processus de réception et appropriation de l’oeuvre d’une façon pédagogique. La thématique centrale de ce texte est la construction des Cahiers des Spectacles qui sont réalisés en partenariat par les organismes avec les équipes artistiques des groupes théâtraux. Ces cahiers sont utilisés par les enseignants qui travaillent à l’école dans les préparations des élèves qui vont regardes les présentations.
Mots clés: Médiation Théâtrale. Cahier des Spectacles. Éducation.