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ANDRADE, Letícia (nome artístico); OLIVEIRA, Letícia M. (nome completo). O espectador ficcional nas dramaturgias dos espetáculos brasileiros Medeizonamorta, Hysteria e Vida. Belo Horizonte: Escola de Belas Artes da UFMG; Doutoranda em Artes Cênicas; Bolsista Capes; Professor Orientador Dr. Luiz Otávio Carvalho; Dramaturga, Encenadora e Professora de Teoria Teatral.
 

RESUMO
Este trabalho busca introduzir o conceito de Espectador Ficcional, presente na pesquisa de Doutorado em andamento de Letícia Andrade, intitulada “Estamos trabalhando para você: o papel do espectador nos processos de criação de dramaturgias contemporâneas brasileiras”. O objetivo é apresentar o espectador como um elemento norteador na construção e recepção de espetáculos contemporâneos brasileiros, datados a partir dos anos 2000: Hysteria, 2002, do Grupo XIX de Teatro, de São Paulo, no qual o espectador é representado como confidente das lembranças das mulheres; Medeiazonamorta, 2006, Grupo Teatro Invertido, de Belo Horizonte, no qual o espectador é configurado como testemunha de um crime e convidado de um casamento, a partir das memórias de uma Medéia fragmentada e decadente; Vida, 2010, Companhia Brasileira de Teatro, de Curitiba, no qual identificam-se mecanismos de depoimento e interação íntima dos atores com a plateia, que propõem rupturas, distanciamentos, jogos de improvisação no desenvolvimento da ação cênica.
Palavras-chave: Dramaturgia e Encenação Contemporânea, Espectador Ficcional.

RESUMÉ
Ce travail vise à introduire la notion de spectateur fictif, dans la recherche doctorale en cours de Leticia Andrade, intitulé “Nous travaillons pour vous: le rôle de spectateur dans le processus de création de dramaturgies brésilien contemporain”. L’objectif est de présenter le spectateur comme un élément directeur dans la construction et à la réception dans la mise en scène contemporain brésilienne, datant des années 2000: Hysteria, 2002, Grupo XIX de Teatro, à Sao Paulo, dans laquelle le spectateur est représenté comme confident de la mémoire des femmes; Medeiazonamorta, 2006, de Grupo Teatro Invertido, à Belo Horizonte, en ce qui le spectateur est configuré comme un témoin d’un crime, et a invité à un mariage, de la mémoire d’une Medea fragmenté et décalage ; Vida, 2010, Companhia Brasileira de Teatro, à Curitiba, en ce qui ils se identifient des mécanismes de témoignage et interaction intime des acteurs avec l’audience, qui proposent ruptures, les jeux de l’improvisation dans le développement de scenic action.
Mots clés : Dramaturgie et Mise en scéne, Spectateur Fictif.

 

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ANTUNES, Yaska. Desafios da ativação das relações físico-corporais na cena por atores-aprendizes em montagens teatrais dramáticas. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia; professor adjunto, 40 DE; Encenadora e atriz.

RESUMO
A proposta para a comunicação deste trabalho é compartilhar com os pares as dificuldades encontradas com atores-aprendizes na montagem de um texto considerado mais tradicional por estar inscrito no que se convencionou denominar de teatro dramático. Trata-se da montagem do texto “As bruxas de Salém” de Arthur Miller, com a turma de Estágio Supervisionado em Interpretação/Atuação II, do Curso de Teatro da UFU. As dificuldades com relação ao aparato corpo-vocal começam com a própria dificuldade de compreensão do texto e do trabalho de ator. Os caminhos possíveis encontrados, depois de reflexão e tentativa de solução, apontam para a necessidade de fazer com que os atores rompam com a idéia de que eles têm de “representar”, estimulando-os a conseguir se relacionar antes de tudo com o ator concretamente em cena. Estabelecer primeiramente relação direta com seu interlocutor, ou seja, estimular a intersubjetividade. A retomada de certos princípios básicos desenvolvidos por Stanislavski é o cerne de nossa reflexão neste trabalho.
Palavras-chave: Trabalho de ator. Relação intersubjetiva. Teatro dramático
 

ABSTRACT
The intent for the communication of this paper is to share with the colleagues the difficulties found with actors-learners in a creative process of a text considered to be more traditional for being labeled in which it was stipulated to be “the dramatic theater”. It is the theater creation of the text “The Crucible” ( translated in portuguese as “ As bruxas de Salém” ) – a play written by Arthur Miller, which we worked with the class of Estágio Supervisionado ( supervised internship) in Interpretação/Atuação II ( Interpretation/ Acting II) in the theater course of UFU ( Uberlândia´s Federal University). The difficulties related to body and voice begin with the difficulties regarding the text comprehension itself and the actor’s work. The possible paths which were found, after deep thinking and attempts of solution, aim to the need to help the actors to break through the idea that they should “represent”, stimulating them to be able to relate before anything else with the actor in the scene in a concrete way. To establish first of all direct relation with the audience/interlocutor, that means, stimulate the intersubjectivity. The recovery of some basic principles developed by Stanislavski is the core of our thoughts for this paper.
Keywords: Actor’s work. Intersubjective relation.Dramatic Theater.

 

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ARAÚJO, Carolina Ferreira. Do que são feitos os sonhos: uma reflexão sobre o processo criativo de Padam. Viçosa-MG: Universidade Federal de Viçosa; Or. Profa. Michelle Aparecida Gabrielli. Bacharela e licenciada em Dança – UFV.
 

RESUMO
Dar vazão às necessidades de uma artista foi o que moveu este trabalho. Tendo como estímulo alguns objetos cênicos, criou-se um espetáculo inspirado na vida e obra de Edith Piaf. Para tal, fez-se uma abordagem qualitativa nas quais os métodos utilizados foram o bibliográfico e o autobiográfico. Assim, a partir do relato desta experiência, vivenciada pela própria autora, propõe-se uma reflexão sobre os aspectos ligados à composição, não apenas coreograficamente, mas também sobre inúmeros aspectos ligados à obra cênica.
Palavras-chave: Processo criativo. Dança. Composição.Método autobiográfico.
 

ABSTRACT
Venting the needs of an artist was what drove this work. Having a few props as stimulus, we created a show inspired by the life and work of Edith Piaf. To this end, it was a qualitative approach in which methods used were literature and the autobiographical. Thus, from the report of this experience, experienced by the author herself, it proposes a reflection on aspects related to composition, not only choreographically, but also on numerous aspects of theatrical work.
Keywords: Creative Process. Dance. Composition.Autobiographical method.

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ARAÚJO, Samuel. Pitágoras e Performance: Diálogos entre estudos clássicos e estudos teatrais. Brasília: Universidade de Brasília; Mestrado; Bolsista Vinculado a CAPES, Orientador Marcos Mota. Ator, Produtor e Bailarino.

RESUMO
Há, hoje, um grande desconhecimento sobre pesquisas feitas entre os estudos da Antiguidade Clássica e o teatro, dois campos que vêm mutuamente se nutrindo e possibilitando novos diálogos e descobertas. Apresento nesta comunicação algumas reflexões e propostas de análises que buscam identificar e discutir as interseções entre o discurso filosófico pitagórico e a performance, a fim de articular reflexões sobre novos conceitos de recepção da filosofia contextualizada em ações performativas e processos de criação.
Palavras-chave: Pitágoras. Performance. Filosofia. Recepção.

ABSTRACT
Today, there is a great unfamiliarity on research made between the studies of the Classic Antiquity and the theater, two fields that come mutually nourishing itself and making possible new dialogues and discoveries. I present in this communication some reflections and proposals of analyses that they search to identify and to argue the intersections between the philosophical speech Pythagorean and the performance art, in order to articulate reflections on new concepts of reception of the philosophy contextualized in performative actions and processes of creation.
Keywords: Pythagoras. Performance. Philosophy. Reception.

 

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BEZERRA, Henrique. O gesto na construção do personagem cômico. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Mestrando PPGAC UFBA; Orientador Luiz Marfuz. Professor e ator.
 

RESUMO
Busca-se analisar um possível processo de construção do personagem cômico para a cena teatral por meio do gesto do ator. Para tal, este artigo relaciona algumas das reflexões teóricas do filósofo francês Henri Bergson sendo aplicadas de maneira prática no ofício do intérprete. Utilizando o gesto neste trabalho como ponte entre a teoria bergsoniana e a prática. Por meio dele, materializam-se conceitos, ideias e reflexões acerca do fenômeno risível. Contudo, sem perder de vista a esfera individual do artista que contribui com sua experiência e não torna-se um mero reprodutor de técnicas na tentativa de alcançar um resultado.
Palavras-chave: personagem cômico, Henri Bergson, gesto.
 

ABSTRACT
Seeks to analyze a possible construction process of the comic character to the theatrical scene through the gesture of the actor. To this end, this article list some of the theoretical reflections of the French philosopher Henri Bergson being applied in a practical way in the actor’s work. Using gestures in this work as a bridge between Bergson’s theory and practice. Through him materialize concepts, ideas and thoughts about the phenomenon laughable. However, without losing sight oh the individual sphere of the artist who contributes with his experience and not become a mere reproductive techniques in a attempt to achieve a result.
Keywords: comic character, Henri Bergson, gesture.

 

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BRONDANI, Joice Aglae. Transduções Caleidoscópicas e Imaginações: Transcursos Fluviais de uma Pesquisatriz para o acesso e apropriação das Máscaras dell’arte. Uberlândia: Professor Convidado; Programa de Pós-Graduação em Artes; PRODOC-CAPES; Atriz e Diretora.

RESUMO
O trabalho apresenta os muitos caminhos vislumbrados durante o período do doutorado da pesquisadora, sempre buscando o diálogo entre as culturas populares do Brasil e da Itália. São transcursos delineados por engendramentos de lembranças e imaginações, aliados a afetos que foram acontecendo ao longo de muitos anos. Todas estas afetações entre passado, presente e futuro, encontraram/encontram um espaço de sonho e de poética (imaginário) para se realizar, um espaço que se transforma/metamorfoseia-se em um corpo que atua e se realiza em impulso criativo. Tal impulso criativo permite, então, através de conexões rizomáticas entre passado, presente, futuro e gens imaginais vindouros de uma ancestralidade festiva, o acesso e apropriação da cultura da alteridade (no caso da commedia dell’arte italiana) através dos próprios referenciais culturais (as práticas espetaculares populares brasileiras). Todo o percurso foi realizado entre a Itália e o Brasil, entrando em campo para realizar experimentações das danças e das Máscaras, nos dois países, resultando em uma aula-espetáculo com teor artístico e didático, contemplando a área da pesquisa, da encenação e técnica de ator.
Palavras-Chaves: Imaginário. Commedia dell’Arte. Práticas Espetaculares Populares. Transdução Caleidoscópica.

RÉSUMÉ
Ce travail présente les nombreux chemins parcourus durant le doctorat de l’auteure qui est toujours à la recherche du dialogue entre les cultures populaires du Brésil et de l’Italie. Ce sont des parcours jalonnés par l’engendrement de souvenirs et d’imaginations alliés à des émotions qui se sont déroulées sur plusieurs années. Toutes ces affections entre passé, présent et futur ont trouvé et trouvent place pour se réaliser dans un espace de rêve et de poétique (imaginaire), un espace qui se transforme / se métamorphose en un corps qui agit et se produit dans un élan créateur. Cette impulsion créative permet, au travers de connexions rizhomatiques entre passé, présent, futur et les personnes imaginaires qui viennent d’une ancestralité festive, l’accès et l’appropriation de la culture de l’altérité (ici de la commedia dell’arte italienne) à partir de leurs propres références culturelles (pratiques spectaculaires populaires brésiliennes). L’ensemble du cours a été mené entre l’Italie et le Brésil afin de donner corps à l’expérimentation des danses et des masques dans les deux pays, résultant en une conférence-spectacle ayant un contenu artistique et pédagogique, traverssant le domaine de la recherche, de la mise en scène et de la technique d’acteur.
Mots-clés: Imaginaire. Commedia dell’Arte. Pratiques Spectaculaires Populaires Brésiliennes. Transduction Kaléidoscopiqu

 

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CASTILHO, Jacyan. Corpo expandido no espaço aprisionado: partituras corporais no espetáculo “A Cela”. Salvador (BA):UFBA; Prof. Adjunta. Atriz e encenadora.
 

RESUMO
Este trabalho aborda a metodologia de criação das partituras corpóreo-vocais do espetáculo “A Cela”, produção do Groove Estúdio Teatral, no qual a autora foi encenadora e atuante solista. Partindo do texto-fonte do autor Michel Azama, que denuncia a situação de penúria física e emocional por que passam os indivíduos privados de liberdade, a encenação buscou privilegiar justamente uma linguagem física e vocal, em paradoxal contraponto ao tema, que remete ao processo de redução do espaço de atuação de um indivíduo. Esta opção fez surgir um problema criativo que se tornou a chave da encenação: como reproduzir a falta de liberdade e de movimento – típica das situações de repressão das instituições penais de encarceramento – através justamente da partitura de movimentos criada pelos deslocamentos, gestos e trajetórias da intérprete? A metodologia empregada, que incluiu procedimentos de improvisação, Movimento Genuíno e pesquisa de Esforços segundo Rudolf Laban, será destrinchada neste breve artigo.
Palavras-chave: partitura;movimento;prisão;detenta.
 

ABSTRACT
This paper is concerned on the process of composing drama performance “A Cela” (“The cell”) physical and vocal scores. The show was produced and performed by Groove Theatre Studio, in which the author is manager and only performer. The text from Michel Azama (“Le sas”) focuses on the extremely physical and emotional sorriness of prisoners, meanwhile acting itself was built on throughout physical scores, which means great capacity of movability. So, the great question which emerged from this paradox was how do demonstrate artistically lack of space and lack of action, by the means of physical and vocal movement? Using such contemporary dance procedures as Laban’s Efforts, Genuine Movement and Impro, the methods of creating this composition will be the ones discussed here.
Keywords: score; movement; jail life; prisoner.

 

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CASTRO, Ana Luiza de Magalhães: Anotações Sobre Corpo no Teatro de Peter Brook. Campinas: Universidade Estadual de Campinas – Unicamp. FAPESP; Bolsa de Mestrado; Instituto de Artes; Programa de Pós-graduação em Artes da Cena; orientadora, Profa. Dra.: Suzi Frankl Sperber.
 

RESUMO
A comunicação trata de refletir sobre algumas formulações de Peter Brook com relação ao corpo do ator, baseadas principalmente na articulação entre as noções de vazio, condicionamento, des-condicionamento e criatividade. O diretor propõe o desenvolvimento de um “corpo sensível”, em ressonância com Jerzy Grotowski que fala do “corpo canal”. O texto aponta também algumas relações entre a experiência perceptiva do ator no trabalho a partir do corpo, com as noções de ruína, quiasma e co-funcionamento tratados por Maurice Merleau Ponty.
Palavras-chave: Corpo. Vazio. Percepção. Experiência.
 

RESUMEN
La comunicación trata de reflexionar a cerca de algunas formulaciones de Peter Brook con relación al cuerpo del actor, basadas principalmente en la articulación entre las nociones de vacío, condicionamiento, des-condicionamiento y creatividad. El director propone el desarrollo de un “cuerpo sensible”, en resonancia con Jerzy Grotowski que habla de un “cuerpo canal”. El texto apunta también algunas relaciones entre la experiencia perceptiva del actor en el trabajo a partir del cuerpo, con las nociones de ruina, quiasma e co-funcionamiento tratados por Maurice Merleau Ponty.
Palabras-clave: Cuerpo. Vacío. Percepción. Experiéncia.

 

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COELHO, Maíra Castilhos. O efeito de presença provocado pela sonoridade no espetáculo “Os Cegos”, de Denis Marleau. Porto Alegre: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas – UFRGS; Mestranda; Bolsista Reuni – CAPES; Professora Orientadora Drª. Mirna Spritzer.
 

RESUMO
Na peça ‘Os cegos’, de Maurice Maeterlinck e encenada por Denis Marleau, a sonorização dos atores e as manipulações operadas sobre as vozes não visam produzir efeitos especiais, mas sim harmonizar o desenho sonoro do palco. Há uma articulação entre o sentido, a voz, as formas e o ritmo, e esses elementos surgem para reforçar o texto literário. Desta forma, este artigo pretende analisar a voz poética do espetáculo, que ocupa o espaço e toca o espectador. Como o ator não esta presente fisicamente na cena, somente a projeção de sua imagem, talvez a presença do ator surja através de sua voz. E como o som é a propagação de uma onda mecânica, que se espalha pelo espaço, talvez a voz do ator consiga ultrapassar o veículo mediador e ter presença, uma presença sonora.
Palavras-chave: Teatro. Sonoridade. Presença.
 

ABSTRACT
In the play ‘The Blinds’, by Maurice Maeterlinck and staged by Denis Marleau, the sound of the actors and the manipulations operated on the voices are not intended to produce special effects, but rather seek to harmonize the sound design of the stage. There is a link between the meaning, the voice, the shapes and rhythm, and these elements appear to strengthen the literary text. Thus, this paper intend to analyse the poetic voice of the presentation, which occupies space and touches the viewer. As the actor is not physically present at the scene, only on the projection of its image, perhaps the presence of the actor emerges through her voice. And how sound is the propagation of a mechanical wave, which spreads through space, perhaps the actor’s voice will pass the vehicle mediator and have a presence, a sound presence.
Keywords: Theatre. Loudness. Presence.

 

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COSTA E SILVA, Sara Jobard. Fatores expressivos no espetáculo Véu Carmim, mestranda em Artes Cênicas no PPGAC – UFBA.
 

RESUMO
Este trabalho se propõe a fazer uma análise do processo de montagem do espetáculo Véu Carmim, realizado de fevereiro a junho de 2011, no que se refere à utilização dos fatores expressivos desenvolvidos por Rudolph Laban na construção das qualidades corporais da atriz em cada elemento específico utilizado no espetáculo, identificando de que forma é organizada a utilização desses fatores como direcionamento para a criação cênica e como eles interferem no resultado final do espetáculo. Véu Carmim, espetáculo solo da atriz Sara Jobard, dirigido por Victor Cayres, em cartaz no Teatro Vila Velha, em Salvador, Bahia, nos meses de junho e julho de 2011, conta a história de uma dançarina do ventre que foi violentada e propõe alguns percursos possíveis na sua árdua tarefa de superação, não necessariamente alcançada ao fim do espetáculo. É um jogo-espetáculo-teatral, que foi construído a partir de uma lógica dramatúrgica de game-design, que dá ao espectador a possibilidade de conduzir a personagem para caminhos diversos, previamente ensaiados, a partir de um jogo de sorte, definido por quatro cartas de baralho. Nosso baralho é inspirado no baralho mameluco e adaptado para nosso espetáculo de modo que cada carta corresponde a um elemento usado na cena, a saber: véu, punhal, vela e derbake. Estes elementos são normalmente utilizados na dança do ventre, linguagem que amarra a trilha sonora e a estética do espetáculo. As cartas são escolhidas ao acaso pelo público em três diferentes momentos e a personagem segue a trilha definida pelo elemento sorteado. Para tanto, foram ensaiados quatro possibilidades de começo, onde a personagem acha que vê o agressor na platéia, quatro possibilidades de meio, quando a personagem se entrega a um ritual de limpeza e purificação e quatro finais completamente divergentes, que variam do final feliz, sem explorar o clichê que esse título carrega, ao final trágico. Para colorir o espetáculo e deixar claro ao público que suas escolhas interferiam na trama, foi necessário diferenciar o que seria visto no palco a cada carta sorteada, não só nos aspectos textuais e coreográficos, que também são diferentes, mas na qualidade do movimento da personagem. Portanto, para cada carta do nosso baralho, foi desenvolvido um trabalho de delimitação das qualidades expressivas, especificando: foco, se direto ou indireto; fluxo, que poderia ser contínuo ou contido; tempo, acelerado ou desacelerado e peso, forte ou leve. A combinação destes fatores foi também geradora de novos impulsos, que acabaram por definir a relação da personagem com cada elemento da cena. Esse estudo aprimorou o trabalho da atriz, desenvolvendo qualidades específicas para cada elemento de forma sutil, sem desviar as características da personagem construídas anteriormente.
Palavras-chave: fatores expressivos, construção de personagem, dança do ventre, jogo de sorte, teatro.
 

ABSTRACT
This paper proposes to make an analysis of the assembly process of the spectacle “Véu Carmim”, conducted from February to June 2011, regarding the use of expressive factors developed by Rudolph Laban in the construction of physical qualities of the actress in each particular element used in the play, identifying how it is organized to use these expressive factors as guidance for scenic creating and how they affect the final outcome of the play. Véu Carmim is a solo performance of the actress Sara Jobard, directed by Victor Cayres, staged at Teatro Vila Velha in Salvador, Bahia, in the months of June and July 2011, tells the story of a belly dancer who was raped and proposes some possible paths in her arduous task to overcome, not necessarily attained at the end of the spectacle. It’s a game-show-theater that was built from a dramaturgical logic from game-design, which gives the spectators the opportunity to lead the character to different paths, previously tested, from a game of chance, defined by four cards. Our deck is inspired by the Mamluk deck and adapted to our show so that each playing card corresponds to an element used in the scene, namely: the veil, knife, candle and derbake. These elements are typically used in belly dance, language that leads the music and the aesthetics of the spectacle. The cards are randomly chosen by the public at three different times and the character follows the path defined by the element drawn. Thus, we tested four possible starts, where the character thinks she sees the aggressor in the audience; four possibilities of the medium, when the character engages in a ritual of cleansing and purification and four finals completely differents, ranging from the happy ending, without exploring the cliché that this title bears, to the tragic ending. To color the show and make it clear to the public that their choices interfere in the plot, it was necessary to differentiate what would be seen on stage each card drawn, not only in textual and choreographic aspects, which are also different, but in the quality of movement of the character .Therefore, for each card of our deck, we developed a definition of the expressive qualities, stating: focus, whether direct or indirect; flow, which could be continuous or restrained; time, fast or slow and weight, strong or mild. The combination of these factors was also generating new impulses, which ultimately define the character’s relationship with each element of the scene. This study has enhanced the work of the actress, developing specific qualities for each element in a subtle way, without taking off the characteristics of the character previously built.
Keywords: expressive factors, character building, belly dancing, game of chance, the theater.

 

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CURI, Alice Stefânia. Dramaturgias atoriais em MalvaRosa. Brasília: Universidade de Brasília; professora adjunta. Atriz, diretora, pesquisadora.

RESUMO
Em 2010, a professora Alice Stefânia ministrou a disciplina Interpretação e Montagem, no Departamento de Artes Cênicas da UnB. Após apresentar aos estudantes a obra do autor, diretor e ator Newton Moreno, o grupo optou por trabalhar Agreste (Malva Rosa). O espetáculo é fruto de processo colaborativo e de construção de dramaturgias corporais orientadas por procedimentos do teatro físico, dança-teatro, viewpoints, construção de partitura e matrizes gestuais, etc. Além dessas estratégias, as dimensões dramática, poética e épica do texto foram valorizadas através de trânsito atorial entre o narrativo e o ficcional, a musicalidade da/na cena e a concepção cenográfica movediça e geradora de imagens (por meio de intervenção coreográfica e manipulação de objetos pelos atores).
Palavras-chave: MalvaRosa. Corpo. Dramaturgias de ator.

ABSTRACT
Professor Alice Stefânia taught the discipline Interpretação e Montagem (Interpretation and Mounting), at the Department of Scenic Arts – University of Brasília, Brazil in 2010. After presenting the play Malva Rosa by author, director and actor Newton Moreno to the group of students, the group chose to work with Agreste (Malva Rosa). The show is the result of a collaborative process of constructing body dramaturgies oriented by procedures of the physical theater, theater-dance, viewpoints, construction of music scores and gestural matrices, among others. Besides those strategies, the dramatic, poetic and epic dimensions of the text were valued through the acting transit between the narrative and the fictional, the musicality of the scene and the sinking scenic conception that generates images (through the choreographic intervention and manipulation of objects).
Keywords: MalvaRosa, Body, Actors’ Dramaturgies

 

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DIAS, Natacha. De um para outro: a memória nos sistemas de Stanislavski e Grotowski. São Paulo: Universidade de São Paulo; Mestrado; Prof. Dra. Maria Thais Lima Santos. Atriz.
 

RESUMO
Discorre sobre a presença da memória nas práticas de Stanislavski e Grotowski, como elemento que tangencia aspectos técnicos, estéticos e éticos da construção de seus trabalhos, os quais elegeram ator como eixo principal. Retoma, sinteticamente, algumas conhecidas terminologias por eles cunhadas que se referenciam direta e explicitamente ao conceito em questão, como “Memória das Emoções” e “Corpo-memória”. Indica ainda a complexidade e a dinamicidade que a noção de memória assume em seus trabalhos, adotando diversas facetas e tendo desdobramentos distintos conforme as fases de suas carreiras. Em seguida, busca pistas da presença da memória também em outros operadores e matérias criativas dessas práticas, como no trabalho sobre a Ação Física (ao qual se dedicaram os dois), na noção de vivência (sobre a qual se refere Stanislavski) e nos cantos da tradição afro-caribenha (eixo principal da pesquisa de Grotowski em sua última fase, da Arte Como Veículo).
Palavras-chaves: Stanislavski. Grotowski. Interpretação teatral. Memória.
 

RESUMEN
Trata de la presencia de la memoria en las prácticas de Stanislavski y Grotowski, como un elemento que afecta a la construcción técnica, estética y ética de sus obras, que tiene lo actor como eje. Reproduce de manera concisa algunas terminologías familiares acuñadas por los dos que se refieren directa y explícitamente a lo concepto en cuestión, tales como “memoria de las emociones” y “memoria del cuerpo”. Indica la complejidad y el dinamismo que el concepto de memoria tiene en sus trabajos, incluso la adopción de diversas facetas y desdobramientos en las distintas etapas de sus carreras. Entonces, busca pistas sobre la presencia de la memoria también en otros materiales creativos y operadores de estas prácticas, como en los trabajos sobre la acción física (que ambos se dedicam), la noción de vivência (que habla Stanislavski) y los cantos de tradición afro-caribeñas (eje principal de la investigación de Grotowski en su fase final, del arte como un veículo).
Palabras-clave: Stanislavski, Grotowski. Interpretación teatral. Memoria.

 

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FERREIRA, Cecília. A instalação e o desenvolvimento de imagens propulsoras nos processos de criação dos espetáculos da Companhia de Teatro Engenharia Cênica. Juazeiro do Norte: Universidade Regional do Cariri; professora efetiva. Diretora e Dramaturga.
 

RESUMO
Estudo desenvolvido a partir da minha dissertação intitulada Cena e Jogo: o imaginário na carne (2009, desenvolvida no PPGAC/UFBA, sob a orientação da Professora Doutora Meran Muniz da Costa Vargens). O campo de investigação são os processos de criação dos espetáculos teatrais da Companhia de Teatro Engenharia Cênica. Atualmente, a Companhia está instalada na Região do Cariri Cearense onde desenvolve duas pesquisas simultâneas para a criação de espetáculos. A primeira é realizada no Grupo de Pesquisa Laboratório de Criação e Recepção Cênica, da URCA, com alunos e professores do Curso Licenciatura Plena em Teatro, pautada no Projeto de Pesquisa Da Estante para o Palco, tendo como foco a adaptação cênica da obra A Divina Comédia de Dante Alighieri a partir de improvisação e criação de dramaturgia original. A segunda é empreendida com o Grupo Ninho de Teatro, composto por artistas profissionais da região, tendo como base o estudo cênico da cultura popular. Apesar de serem desenvolvidos em espaços diferentes, ambos têm como matriz para a poiesis a instalação de uma imagem propulsora para o desenvolvimento do processo de construção.
Palavras-chave: Teatro. Criação. Improvisação. Imagens Propulsoras.
 

RÉSUMÉ
Une étude développée de ma thèse intitulée Cena e Jogo: o imaginário na carne (2009, développé en PPGAC / UFBA, sous la direction du professeur Meran Vargens Muniz da Costa). Le champ d’investigation sont les processus de la création théâtrale de Companhia de Teatro Engenharia Cênica. Actuellement est installé dans la région de Ceará Cariri se développe là où deux perquisitions simultanées pour la création de spectacles. La première a lieu au Laboratório de Criação e Recepção Cênica, Universidade Regional do Cariri- URCA, avec les élèves et les enseignants du cours de Licence en plein théâtre, basée à Research Project Du plateau à la scène, avec un accent sur l’adaptation travail scénique de La Divine Comédie de Dante Alighieri de l’improvisation et la création de dramatiques originales. La seconde est entrepris avec leGroupe de Théâtre’s Nest, composé d’artistes professionnels dans la région, basée sur l’étude panoramique de la culture populaire. Bien que développé dans des espaces différents, les deux ont poiesis comme une matrice pour l’installation d’une image pour propulser le développement du processus de construction.
Mots-clés: Théâtre. Création.Improvisation.Propulseurs Images.

 

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FLICK, Milena. O Feminino Grotesco: propostas subversivas em Dorotéia de Nelson Rodrigues. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Mestrado Acadêmico; Hebe Alves. Atriz.
 

RESUMO
Trata-se de um artigo científico que propõe uma reflexão acerca da presença do grotesco em Dorotéia de Nelson Rodrigues, enquanto um fenômeno estético, cuja abordagem, associada às expressões hiperbólicas, exageradas e irônicas das personagens poderia apresentar uma proposta artística de subversão das padronizações que normatizam e definem o feminino dentro das estruturas de poder dominantes, revelando seu caráter absurdo e fantástico. Para defender esta hipótese, a pesquisadora dialoga com a filósofa Judith Butler, que promove discussões acerca do gênero a partir de um viés político e filosófico, e com a professora Mary Russo, que problematiza a relação entre o feminino e o grotesco – dois conceitos apresentados no artigo. Partindo de uma rápida analise da encenação de Dorotéia realizada pelo grupo de teatro Panacéia Delirante (do qual é membro fundadora) sob a direção da professora doutora Hebe Alves, a autora apresenta os caminhos estéticos escolhidos para abordar estes dois conceitos através das propostas subversivas presentes no texto de Nelson.
Palavras-chave: Grotesco. Feminino. Dorotéia. Nelson Rodrigues.
 

RESUMEN
Se trata de un artículo científico que propone una reflexión sobre la presencia de lo grotesco en Dorotéia de Nelson Rodrigues, como un fenómeno estético, cuyo enfoque, combinado con las expresiones hiperbólicas, exageradas e irónicas de sus personajes podría presentar una propuesta de subversión artística de los patrones que regulan y definen lo femenino dentro de las estructuras de poder imperantes, revelando su carácter absurdo y fantástico. Para apoyar esta hipótesis, la investigadora hace un diálogo con la filósofa Judith Butler, quien promueve la discusión sobre el género partiendo de un enfoque político y filosófico, y con las ideas de la maestra Mary Russo que analiza la relación entre los dos conceptos presentados en el articulo. Partiendo de un rápido análisis sobre la puesta en escena de Dorotéia realizada por el grupo de teatro Panacéia Delirante (de lo cual es miembro fundadora) bajo la dirección de la profesora Dra. Hebe Alves, la autora presenta los caminos estéticos elegidos para abordar estos dos conceptos a través de las propuestas subversivas existentes en el texto de Nelson.
Palabras-clave: Grotesco. Feminino. Dorotéia. Nelson Rodrigues.

 

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GASPERI, Marcelo Rocco. Os procedimentos do agrupamento Obscena: A aproximação física entre a cena e o espectador transeunte. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais. Doutorando.Diretor e Professor Teatral.

RESUMO
O presente texto visa analisar duas criações cênicas performáticas do projeto teatral “Às margens do feminino: texturas teatrais da beira”, realizado em 2008 pelo Agrupamento mineiro de pesquisa teatral, denominado Obscena. Tal agrupamento pesquisa a aproximação física entre o espectador transeunte e a cena teatral contemporânea nas ruas de Belo Horizonte (MG). O objetivo foi identificar determinados procedimentos cênicos do Agrupamento em questão que visaram construir diálogos com os espectadores transeuntes. Para este recorte, foram selecionados dois procedimentos teatrais, inseridos no projeto supracitado, atuando diretamente nas ruas centrais de Belo Horizonte. São eles: as performances cênicas “Baby Dolls” e “Classificados”. A análise dos procedimentos foi baseada na observação destes, no levantamento dos registros audiovisuais do Obscena, nas entrevistas com os pesquisadores e nos depoimentos postados no blog sobre os processos de criação artística do Agrupamento. A partir desta análise, chegou-se à conclusão de que o Obscena busca absorver as práticas de estreitamento físico com o espectador transeunte.
Palavras-chave: Sociedade. Agrupamento Obscena. Espectador transeunte. Estreitamento físico. Cena contemporânea

ABSTRACT
The present text aims to analyze two scenic creations performing the theatrical project “On the margins of the feminine: the textures theatrical edge” conducted in 2008 by the Consortium in Minas Gerais theatrical research, called Obscena. Such clustering approach to study physics between the spectator and passerby contemporary theatrical scene in the streets of Belo Horizonte (MG). The objective was to identify certain procedures scenic Grouping concerned that sought to build dialogue with the audience of passers-Belo Horizonte. For this crop, two procedures were selected plays, inserted in the aforementioned project, working directly in the central streets of Belo Horizonte. They are: the scenic performances “Baby Dolls” and “Classifieds”. The analysis of the procedures was based on observation of these, the survey of audiovisual recordings of the obscene, in interviews with investigators, the statements posted on the blog about the processes of artistic creation of the grouping. From this analysis, we reached the conclusion that the search Obscena absorb the physical practice of narrowing the viewer with passerby.
Keywords: Society. Grouping Obscena.Spectator passerby.Closer physical.Contemporary scene.

 

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GATTI, Daniela. Título. Processos Criativos em Dança por Redes de Saberes Campinas: Universidade Estadual de Campinas – UNICAMP; Professora Associada do Departamento de Artes Corporais – IA
 

RESUMO
O presente artigo abordará reflexões sobre processos criativos em dança, que tem como metodologia o exercício dialógico entre o fazer e o refletir, tornando as pesquisas artísticas em Redes de Saberes. Através do diálogo e interligação das diversas áreas de conhecimento tanto no âmbito individual quanto coletivo, esse método permite possíveis aberturas para o artista da dança gerar descobertas, garantindo produtos das inúmeras influências, diretas e indiretas, no percurso prático-teórico. Partir-se-á das proposições de Edgard Morin sobre “Redes de Saberes” e de Ivani Fazenda acerca da “Interdisciplinaridade”, para argumentar a importância dessa complexa atuação em rede nos processos criativos.
Palavras – Chave: Processos Criativos. Dança. Interdisciplinaridade.Redes.
 

ABSTRACT
The present article deals with reflections about creative processes in dance, which has as methodology the dialogical exercise between the do and the reflect upon, transforming artistic researches in Knowledge Nets. By the dialogue and connection of diverse areas of knowledge, both in the individual sphere and the public one, this method allows possible openings for the dance artist to generate discoveries, ensuring products of numerous direct or indirect influences, in the practical-theoretical way. It will start from the proposals of Edgard Morin about “Knowledge Nets” and of Ivani Fazenda about “Interdisciplinarity”; to discuss the importance of this complex net actuation on creative processes.
Keywords: Creative Processes. Dance. Interdisciplinarity.Nets.

 

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GUIMARÃES, Daniela. Teias de um jogo aberto: o pensamento do Vídeo e a Improvisação Cênica em tempo real. Salvador: UFBA; Capes; mestrando; Profa Dra Ivani Santana. Bailarina e coreógrafa.
 

RESUMO
Este artigo está implicado na contínua busca pela multiplicidade de modos de ver, relacionar e criar espaços e tempos no campo da arte improvisacional. Na contemporaneidade, os modos de lidar com o conhecimento e a informação se fazem de maneira prismática, fragmentada e subjetiva. Os mesmos assuntos podem, devem e ganham desdobramentos distintos através de percursos variados. Desta observação e de estudos continuados sobre a Improvisação Cênica em tempo real nascem pistas intersemióticas que pretendem traçar um percurso dramatúrgico nas relações da Improvisação com o audiovisual, o Vídeo em particular. Neste caminho, a Dramaturgia parte dos embates entre corpo e ambiente que, em interação na cena em tempo real, produzem camadas de semioses, termo conceitualizado pelo filósofo americano Pierce como a ação inteligente do signo. Estas camadas correspondem então à ideia de organização das cenas como em uma timeline: programa de edição de imagens. O modo com que o Vídeo lida com a imagem e suas possibilidades de uso apresentam-se, pela metáfora conceitual da timeline, como uma maneira de se pensar na Dramaturgia da Improvisação. Articula com os pesquisadores Edgar Morin, António Damásio, Ivani Santana, Jorge Vieira J.Roubine, Lehmann, Aumont, Debois e Machado e; Paxton, Nelson, Smith, Duck pelos estudos prático-teóricos em Improvisação.
Palavras- chave: Improvisação, Dramaturgia. Corpo. Vídeo, Timeline.
 

ABSTRACT
This article has been implicated in the continuing search for the multiplicity of ways of seeing, relating and creating spaces and times in the field of improvisational art. In contemporary times, ways of dealing with knowledge and information to do so prismatic, fragmented and subjective. The same issues can, should and earn developments through distinct pathways varied. This observation and studies for the real-time Scenic Improvisation born intersemiotic seeking clues to trace a route dramaturgical’s relations with the audiovisual improvisation, the video in particular. In this way, the Drama of the clashes between body and environment, interacting in the scene in real time, producing layers of semiosis, term conceptualized by the American philosopher Pierce as a sign of intelligent action. These layers are then the idea of organizing such scenes on a timeline: image-editing program. The way the video deals with the picture and possibilities of its use are presented, the conceptual metaphor of the timeline as a way of thinking on the Dramatic Improvisation. Articulates with the researchers Edgar Morin, Antonio Damasio, Ivan Santana, Jorge Vieira Roubine J.Lehmann, Aumont, Dubois, Machado and; Paxton, Nelson, Smith, Duck by practical and theoretical studies in improvisation.
Keywords: Improvisation, Playwriting. Body.Video.Timeline.

 

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HENCKES, Leonel. Resíduos em trânsito no treinamento do ator – sobre a atenção dividida e a dupla atenção. Salvador/BA: Universidade Federal da Bahia; Doutorando PPGAC/UFBA; Orientadora Profª Drª Betti Grebler; Ator e diretor.

RESUMO
Este artigo trata da noção de treinamento na arte do ator em diálogo com a obra do encenador polonês Jerzy Grotowki. Estabelece a idéia de desordem como metodologia e parte de experiências vivenciadas por este pesquisador para abordar o treinamento ou exercícios/pretextos para trabalho sobre si mesmo. De uma perspectiva que valoriza a singularidade do atuante em processo, focada nos ajustamentos e transformações possíveis, busca resíduos que possam sugerir ‘janelas poéticas’ para a criação. Dentre estas janelas, elenca-se a ‘atenção dividida e a dupla atenção’ como recorte por meio do qual são abordados diferentes aspectos referentes ao treinamento psicofísico do atuante.
Palavras-chave: atenção, treinamento psicofísico, processo criativo, Jerzy Grotowski

ABSTRACT
This article deals with the concept of training in the art of the actor in dialogue with the work of Polish director Jerzy Grotowki. It establishes the idea of disorder as a methodology and the experiences of this researcher as starting points for addressing the training or exercises / excuses to work on yourself. From a perspective that values the singularity of performer in process, focusing on possible adjustments and transformations, persecuted possible registers which suggest “windows poetic” to create. Among these windows is chosen the ‘dual attention and divided attention’ to work different aspects of psychophysical training of the performer.
Keywords: attention, psychophysical training, creative process, Jerzy Grotowski

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ISAACSSON Marta. Dinâmicas intermediais no processo de criação cênica. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; Professor Associado; Bolsista CNPq/PQ-1D.

RESUMO
Os artistas hoje não hesitam em associar, misturar, sobrepor, justapor o real e o virtual na composição da cena. O presente estudo tem por questão central as interferências da tecnologia de imagem na criação teatral. A pesquisa se desenvolveu através da análise de um conjunto de encenações contemporâneas nacionais e internacionais. No processo de análise foram examinadas as relações estabelecidas entre corpos reais e virtuais e, então, identificados os modelos operacionais recorrentes. Partindo do pressuposto de que a cena teatral reúne, simultaneamente, duas dimensões, a realidade performativa e a realidade ficcional, o estudo discute as possibilidades de instauração de novas tensões entre essas dimensões, em decorrência da natureza dos jogos intermediais construídos no palco por meio do uso de tecnologias de imagem.
Palavras-chave: intermedialidade – teatralidade – performatividade

RÉSUMÉ
Aujourd’hui, les artistes n’hésitent pas à associer, mélanger, superposer, juxtaposer le réel et le virtuel dans la composition de la scène. La question centrale de la présente étude est justement les interférences de la technologie d’image dans la création théâtrale. La recherche a été développée par l’analyse d’un ensemble de mise en scène contemporaines, nationales et internationales. L’analyse a permis de reconnaître les relations établies entre les corps virtuels et réels et, ainsi, d’identifier les modèles de fonctionnement récurrents.
Dans le présupposé selon lequel la scène théâtrale rassemble, à la fois, deux dimensions, la réalité performative et la réalité de la fiction, l’étude discute les nouvelles tensions entre ces dimensions, en raison de la nature des jeux d’intermedialité, construits sur le plateau par l’intervention de technologies d’images.
Mots-clés: intermedialité – theatralité – performativité

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JACOBS, Daiane Dordete Steckert. Voz em Performance – reflexões sobre a voz em trabalhos de Meredith Monk, Laurie Anderson e Vito Acconci. Florianópolis: UDESC – Universidade do Estado de Santa Catarina; professora assistente; UDESC – PPGT – Programa de Pós-Graduação em Teatro; Doutoranda em Teatro; Orientadora Dra. Maria Brígida de Miranda. Atriz, diretora e dramaturga.

RESUMO
Este artigo investiga a exploração da materialidade da voz em performances de Meredith Monk, Laurie Anderson e Vito Acconci, artistas cujos trabalhos transitam por vários segmentos, como performance, vídeo, música, artes visuais e teatro musical. Suas obras apresentam-se no vasto campo da performance art, cujas produções ganham expressividade a partir da década de 1970. Tais experiências trazem referências anteriores à época, como as de Antonin Artaud, que já na década de 1930 preconizava a exploração da materialidade da voz, além da influência direta das vanguardas do início do século XX e das Live Art da segunda metade do mesmo século.
Através de trabalhos destes performers, percebe-se como a voz amplia sua atuação para além da reprodução de enunciados, da relação semântica com o texto/letra musical ou ainda da obediência às escalas e rítmicas ocidentais tradicionais, passando também a ser veículo para explorações fonéticas, construção de paisagens sonoras, intermediação tecnológica da obra e investigação de vocalidades diversas geradoras de sentidos, contribuindo para a instauração de um topos performático para a obra artística.
Palavras-chave: Voz. Performance Art. Meredith Monk. Laurie Anderson. Vito Acconci.

ABSTRACT
This paper investigates the exploration of voice’s materiality in performances of Meredith Monk, Laurie Anderson and Vito Acconci, whose works pass through several segments, like performance, video, music, visual arts and musicaltheatre. Theirs works are located in the vast field of performance art, whose productions gain expression from the 1970s. This experiences bring back references to time, such as Antonin Artaud, that already in the 1930s advocated the exploration of the materiality of the voice, also the direct influence of the early twentieth century’s vanguards and of the Live Art in the second half of that century.
Through the work of these performers, it is perceived as the voice expands its operations beyond the reproduction of utterances, the semantic relation with the text/lyrics music or obedience to the traditional western scales and rhythmic, also going to be a vehicle for holding phonetic, building soundscapes, technological intermediation of the work and research of various generators vocality senses, contributing to the establishment of a performative topos for the artistic work.
Key-words: Voice. Performance Art. Meredith Monk. Laurie Anderson. Vito Acconci.

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KEISERMAN, Nara. Corpespírito. Rio de Janeiro: UNIRIO; professora adjunta. Encenadora e atriz.
 

RESUMO
A experiência pedagógica realizada na disciplina optativa oferecida aos alunos da Escola de Teatro da UNIRIO, Corpo: o que realmente importa? está fundada em princípios e práticas terapêuticas como: Alinhamento Energético ou Fogo Sagrado, trabalho de origem xamânica, que integra o conhecimento oriental, a Psicologia e a Física Quântica (Mônica Oliveira); Leitura Corporal, concebida como a linguagem da emoção inscrita no corpo, conforme Nereida Fontes Vilela; Linguagem Orgânica, uma forma de pensar que possibilita ao praticante o reconhecimento de si mesmo, em atitude de completa amorosidade, método criado por Alex Fausti; Yoga du Son, em que a emissão das vogais, feita com consciência, eleva a frequência vibratória; Yoga Suksma Vyayama, em que as Asanas são feitas seguindo a localização dos chakras, mobilizando as energias ali localizadas com ressonância em todo o Corpo. Mantidas as metodologias advindas da Educação Somática e tendo o Movimento como acesso garantido à sensitividade e como fator de conexão entre os Corpos Físico, Emocional, Mental e Etérico, o que se assenta num sistema de crenças estabelecido, o objetivo é tornar o ator uma presença potente, capaz de gerar entre a cena e o espectador o que Spinoza chama de bom encontro. Pretende-se que o acionamento simultâneo de um estado harmonizado, conectado com a quinta dimensão do Ser, produza uma atuação que se dá como um transe consciente. A pesquisa, iniciada em março deste ano, é ainda incipiente, mas os acontecimentos observados e expostos em depoimentos dos alunos atores encorajam o prosseguimento da busca, em direção ao estabelecimento de uma cena gerada pelo estatuto corporal que envolve os quatro Corpos acima mencionados.
Palavras-chave: Movimento. Corpos Sutis. Leitura Corporal.

ABSTRACT
The pedagogical experiment conducted in elective course offered to students of the School of Theatre UNIRIO, Body:What Really Matters? is founded on principles and therapeutic practices as: Aligning Energy or Holy Fire, inspired on shamanic work, which includes the eastern knowledge, Psychology and Quantum Physics (Moniica Oliveira), Body Reading, conceived as the the language of emotion inscribed on the body as Nereida Fontes Vilela, Organic Language, that enables the practitioner to recognize himself, in a an attitude of loveliness, method created by Alex Fausti; Yoga du Son, iun which emission of vowels made with a conscience, elevates vibrational frequency; Suksma Vyayama Yoga, which mobilizes energies around the chakras, with resonance throughout all the body. Maintaining the methodologies of Somatic Education, and taking Movement as guaranteed access to sensitive or as a factor of connection between the Physical, Emotional, Mental and Etheric Bodies, which is based on an well established belief system, the goal is to make the actor a presence potent, capable of generating between the stage and the audience what Spinoza calls good meeting. The intention is that the simultaneous activation of a harmonized state, connected with the fifth dimension of Being, produce an action that occurs as a conscious trance. The research, started in March this year, is still begining, but the events observed and the statements of actors encourage the continued pursuit towards the establishment of a scene generated by the body status involving the four Bodies mentioned above.
Keywords: Movement. Subtle Bodies.Body Language.

 

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LAZZARETI, Angelene. Subtexto e subpartitura: uma discussão de termos. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas; Capes; Bolsista de Mestrado; Profª Orientadora Mirna Spritzer; Atriz.

RESUMO
O presente trabalho pretende refletir sobre os termos subtexto criado por Constantin Stanislavski, e subpartitura designado a partir dos estudos recentes do ISTA (International School of Theatre Anthropology). Ao provocar tal discussão o trabalho almeja discorrer sobre a possível evolução do termo subtexto para subpartitura suscitada pelos estudos teatrais antropológicos a fim de retirar o termo de um meio literário, partindo do pressuposto que a terminologia do primeiro está ligada mais a noção de texto e ação vocal, enquanto que a do segundo abrange a área maior da partitura física e vocal do ator. A definição geral de ambos os conceitos está na constituição de pontos de apoio pelos quais o ator sustenta sua atuação, e cria um espaço interno na ação que é preenchido por toda sorte de elementos que possam ser estabelecidos para determinar a trajetória de seu papel. É composto dessa forma, um revestimento que se torna pulsante e vivo na medida em que o ator o constrói a partir das relações entre o repertório de seus próprios elementos e os impulsos externos decorrentes da encenação. A pertinência desta discussão encontra-se no ato de elucidar a distinção entre os termos e promover a reflexão sobre esta criação do ator, que encontra-se tão recorrente no fazer teatral ao decorrer do tempo.
Palavras-chave: subtexto; subpartitura; ator;
 

ABSTRACT
This paper intends to discuss the terms subtext created by Constantin Stanislavski, and subscore appointed from recent studies of ISTA (International School of Theatre Anthropology). By provoking this discussion the paper aims to discuss the possible evolution of the term subtext to subscore raised by theater anthropological studies in order to remove the term from a literary medium, assuming that the first terminology is on the notion of text and action vocal, while the second covers the largest area of physical and vocal score of the actor. The general definition of both concepts is the provision of support points for which the actor claims and fills his role, and creates an interior space in the action that is populated by all sorts of elements that may be established to make the inside track of their role . It comprises a coating so that it becomes alive and pulsating to the extent that the actor builds on the relationship between the repertoire of its own elements and impulses arising from the external scenario. The relevance of this discussion lies in the act to clarify the distinction between the terms and promote reflection on this creation of the actor who is so helpful when doing theater over time.
Keywords: subtext; subscore; actor;

 

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LESSA, Sandra. A busca por narradores no cotidiano: uma experiência contemporânea? Campinas: Instituto de Artes; FAPESP; Unicamp, Mestrado, Cassiano Quilici. Artista Corporal.

RESUMO
Ouvir e adentrar em histórias de vida de pessoas do cotidiano pode ser um modo de investigar qualidades do tradicional e do contemporâneo? Pergunta que gera impulsos para uma pesquisa teórica-prática tendo por principal referência teórica a obra de Walter Benjamin. Este atribui ao ato de narrar à capacidade de gerar uma profunda experiência que modifica a relação com o tempo e o espaço. Revela que por meio de uma relação viva com o passado é possível atualizar a memória num movimento que interrompe o presente ao retirar do fundo o que estava submerso e deixar o que já aconteceu emergir novamente de forma viva, rompendo o tempo cronológico. Uma experiência profunda vinculada com a intensidade que dialoga entre tradição, experiência e narração.
As artes contemporâneas muitas vezes também buscam meios de gerar experiências mais profundas, fazendo uso de qualidades que possam gerar tal experiência. Neste ponto de encontro entre tradição e arte reside esta pesquisa que se dedica a intervir no cotidiano criando modos para ouvir histórias de vida de pessoas no cotidiano. Um desafio que ao tecer memórias, compõe uma coleção de histórias de vida, tenta resistir ao tempo imperativo de nossa sociedade e busca compreender a afirmação de Benjamin de que a narração está em vias de extinção. Reviver é algo que pode ter grande intensidade e que permiti um sobrevôo em montanhas azuis, isso me contou Seu Jair ao recordar montanhas de sua infância. Pessoas e histórias que encontrei, ouvi e narrei.
Palavras-chave: História de vida. Narratividade.Experiência.Tradição.Contemporâneo.

ABSTRACT
Listen and enter into the life stories of everyday people can be a way of investigating qualities of traditional and contemporary? Question that generates a pulse for theoretical research and practical with a main theoretical reference the work of Walter Benjamin. This attaches to the act of narrating the capacity to generate a profound experience that changes the relationship with time and space. It reveals that through a living relationship with the past can upgrade the memory in a move that stops this by removing the bottom that was submerged and leave what has happened to emerge again in a lively, breaking the chronological time. A profound experience linked with the intensity that dialogue between tradition, experience and narration.
The contemporary art often also looking for ways to generate the most profound experiences, making use of qualities that can generate such an experience. At this meeting point between tradition and art is this research that is dedicated to creating ways to intervene in everyday life to hear stories of people in everyday life. A challenge to make memories, make up a collection of life stories, try to resist the imperative of our time seeking to understand society and the affirmation of Benjamin that the narration is in danger of extinction. Reviver is something that can have great intensity and to allow a flyby in the Blue Mountains, it told me to remember Your Jair mountains of his childhood. Pessoas e histórias que encontrei, ouvi e narrei. I met people and stories, narrated and heard.
Keywords: Life story. Narrativity.Experience.Tradition.Contemporary.

 

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LIMA, Elaine Cardim. A singularidade vocal na composição do ator. Salvador: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da UFBA; CNPq; bolsista; mestranda; atriz e professora; Linha de pesquisa: Poéticas e Processos de Encenação; Or. Prof.ª Dr.ª Hebe Alves da Silva.

RESUMO:
O artigo tem por objetivo fornecer os elementos de uma reflexão sobre o exercício vocal cênico integrado aos reflexos corpóreos-imagéticos-emocionais do ator, desenvolvidos ao longo do processo de elaboração de um desempenho teatral. A investigação de natureza teórica e prática sobre as potencialidades e apropriação dos princípios da arte do ator, se projeta para além da quebra de automatismos na expressão cênica, versa ainda sobre produção e uso de suas qualidades singulares que seriam originadas por uma matéria não consciente e poderiam apoiá-lo na construção de seu papel. Através de uma trajetória acadêmica e profissional, buscam-se aproximações e distanciamentos deste estudo junto aos métodos sugeridos por Stanislávski, Artaud e Grotowski para a composição cênica. .
Palavras-chave: Voz. Composição do ator. Stanislávski. Artaud. Grotowski.

ABSTRACT:
The article aims to provide the elements of a reflection on the vocal scenic exercise integrated with tangible bodyness-imaging-emtional actor's reflexes, emotional actor, developed during the process of a theatrical performance preparation. Investigation of theoretical and practical nature of the potentialities and appropriation of the actor's art's principles, protrudes beyond the break of the automatisms in the scenic expression, also concerns about the production and use of his unique qualities that would be caused by a substance not knowingly and could support him building his character. Through academic and professional career, it seeks similarities and differences between this study and the methods suggested by Stanislavsky, Artaud and Grotowski.
Keywords: Voice. An actor prepares. Stanislavsky. Artaud. Grotowski.

 

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LÍRIO, Vinícius da Silva. Etnicidades-em-relação e o discurso nativo: o fenômeno transcultural nos laboratórios cênicos de Bença. Salvador: Universidade Federal da Bahia; CAPES; Professor Orientador Érico José Souza de Oliveira; Encenador, ator e professor.
 

RESUMO
Parte integrante da pesquisa de Mestrado do autor, esse é um estudo acerca de dois dos pilares do processo de criação do espetáculo Bença (2010) do Bando de Teatro Olodum: a relações transculturais e o discurso nativo. Para tanto, abordou-se as fontes de pesquisa e elaborações ideológico-discursivas do grupo nos laboratórios cênicos para a encenação citada, articulando-as com um arcabouço teórico-epistemológico acerca do campo transcultural que envolve o Bando. O produto das reflexões aqui suscitadas revela a teatralidade de um grupo cujas criações são frutos de suas experiências e referências cotidianas no campo de cruzamento cultural que é a o território híbrido da brasilidade.
Palavras-chave: Bença. Bando de Teatro Olodum. Discurso Nativo. Transculturalidade.
 

ABSTRACT
Part of the author Master research, this is a study of two pillars of the process of creating the Bando de Teatro Olodum’s spectacle Bença (2010): a transcultural relations and native discourse. For that, an approach was made about the group research sources and ideological-discursive elaborations in scenic laboratories for the spectacle said, linking them with a theoretical-epistemological about cross-cultural field that involves the “Bando”. The product of discussions raised here reveals the theatricality of a group whose creations are the fruit of their experience and references in the territory of Brazilianness, a field of cross-cultural hybrid.
Keywords: Bença. Bando de Teatro Olodum. Native Discourse.Transculturality.

 

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LIMA, S. Marcela. Você desligou sua Webcam? O uso das Mídias no Contexto Cênico. Juazeiro do Norte: URCA. Professora Assistente Efetiva.
 

RESUMO
É sabido que a partir da década de 50 do século XX com o desenvolvimento das novas teorias teatrais e das novas concepções do fazer artístico na dança, se faz necessário o reconhecimento destas linguagens artísticas no contexto das mídias e das novas possibilidades de percepção. Dessa forma, é urgente pensar Teatro/Dança sob o ponto de vista de suas aproximações com a narrativa audiovisual, além disso, pesquisar, discutir e refletir sobre os novos rumos que a estética de nosso tempo está tomando. Este estudo baseia-se nos processos de construção artística do trabalho Você desligou sua Webcam? Do aluno Luka Severo do curso de Licenciatura em Teatro da Universidade Regional do Cariri – URCA, o qual faz parte do grupo de pesquisa Teatro/Dança e Novas Tecnologias coordenado pela Prof.ª Ms. Marcela dos Santos Lima. Você desligou sua Webcam? Questiona os perigos relacionados nas novas relações estabelecidas através da internet e sua interdependência. O aluno-artista utiliza-se de projeções de imagens e da internet em tempo real durante a performance. Este estudo também busca refletir como tais imagens funcionavam como elemento modificador do espaço e das inter-relações entre visualidade, corpo, cena e espectador.
Palavras-chaves: Processos criativos. Visualidade. Corpo.
 

ABSTRACT
It is known that from the 50s of the twentieth century with the development of new theories and new theatrical ideas of artistic dance, it is necessary recognition of these artistic forms in the context of media and new possibilities of perception. Thus, it is urgent to think Theatre / Dance from the point of view of their approaches to narrative audiovisual further research, discuss and reflect on new directions that the aesthetics of our time is going. This study is based on processes of creating artistic work you turned off your webcam? Student Luka Severo’s Degree in Theatre from the University Cariri Regional – URCA, which is part of the research group Theatre / Dance and New Technologies coordinated by Prof. Nd Ms. Marcela Lima dos Santos. You hung up your webcam? Questions related hazards in the new relations established through the Internet and their interdependence. The student-artist makes use of projected images and the Internet in real time during the performance. This study also reflect how these images functioned as modifier element of space and inter-relationships between visual, body, and scene viewer.
Keywords: Creative processes. Visual.Body.

 

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LYRA, Luciana de F. R. P. de. Mitodologia em Artes Cênicas: Diretrizes, pressupostos, princípios e procedimentos para criação. São Paulo-SP: Universidade de São Paulo; Pesquisadora do Projeto Temático NAPEDRA; FAPESP; Supervisor Prof. Dr. John Dawsey. Atriz, Dramaturga e Encenadora.
 

RESUMO
Em doutoramento (UNICAMP), vinculado ao projeto temático do Núcleo de Antropologia, Performance e Drama (USP), a pesquisadora elaborou um complexo para criação cênica, intitulado Mitodologia em Artes Cênicas, utilizando como aportes aspectos da Antropologia da Experiência, estudada pelo antropólogo Victor Turner e da Antropologia do Imaginário, do sociólogo Gilbert Durand. Este complexo foi vivenciado por artistas, sob a orientação da pesquisadora, gerando a dramaturgia e a encenação do espetáculo Guerreiras, como parte de seu doutorado. A Mitodologia em Artes Cênicas lida com forças pessoais que movem o atuante na relação consigo mesmo e com a alteridade, em retroalimentação, procura dar vazão a um Teatro das Profundidades, atingindo camadas da psique pessoal e coletiva, na percepção inequívoca das margens sociais. Este trabalho visa apresentar a Mitodologia em Artes Cênicas, propondo uma mudança epistemológica nas Artes Cênicas, que se distancia de uma transmissão vertical dos saberes para se aproximar de certa Pedagogia Gnóstica, restauradora de uma realidade imarginal.
Palavras-chave: Antropologia da Experiência. Antropologia do Imaginário. Mitodologia em Artes Cênicas.
 

ABSTRACT
In PhD (UNICAMP), under the thematic project of the Center for Anthropology, Drama and Performance (USP), the researcher developed a complex for creating scenic entitled Mythodology in Performing Arts, using as inputs aspects of the Anthropology Experience studied by the anthropologist Victor Turner and Anthropology of the Imaginary, by the sociologist Gilbert Durand. This complex has been experienced by artists under the guidance of the researcher, creating the drama and the staging of the show Warriors, as part of her doctorate. The Mythodology in Performing Arts handles personal forces at work in moving the relationship with yourself and otherness in feedback, seeks to give vent to one of the Depths Theatre, reaching layers of personal and collective psyche, clear perception of the social margins. This paper aims to present Mythodology in Performing Arts, proposing an epistemological change in the Performing Arts, which is a distance of vertical transmission of knowledge to approach certain Gnostic Pedagogy, restorer imarginal a reality.
Keywords: Anthropology of Experience. Anthropology of the Imaginary.Mythodology in Performing Arts.

 

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MACHADO, Maria Ângela de Ambrosis Pinheiro. Body Mind Centering (BMC) e construção do corpo para uma dramaturgia a improvisação. Goiânia: Universidade Federal de Goiás; professor adjunto. Atriz e palhaça.
 

RESUMO
Esta comunicação se propõe a refletir acerca da construção do corpo do ator para desenvolver suas habilidades de improvisação e jogo. Trata-se do relato teórico, prático e reflexivo da autora acerca de seu longo percurso de exercícios e práticas em BMC (School Body Mind Centering, criado por Bonnie Cohen, US), e atualmente, na formação de educador somático por esta escola. Este relato vem associado aos estudos corporais desenvolvidos nos processos de improvisação e movimento relativo à pesquisa da linguagem do palhaço e da construção do corpo cômico do ator. Estas práticas têm sido subsidiadas pela literatura científica das atuais Ciências Cognitivas que trazem a luz uma nova compreensão de corpo. A luz das Ciências Cognitivas é possível uma melhor compreensão da técnica de educação somática trazida pelo BMC e sua relação com a construção de uma dramaturgia do corpo. Este conjunto reflexivo que pretende-se relatar aponta para a intrincada relação presente nos processos criativos envolvendo a concepção de corpo, as metodologias de suas abordagens e a geração de estados criativos e construção estética da linguagem do corpo.
Palavras chave: Body Mind Centering. dramaturgia do corpo. Improvisação.palhaço.
 

ABSTRACT
This paper propose to reflect the body actor constrution for develop his habilities to play and to improvise. It is a teorique, practice and reflection of authoress description about her experience a long time doing exercices and putting into practice on BMC (School Body Mind Centering, by Bonnie Cohen, US), and actually, studying for somatic educator formation. These studies are associate to others pratices knowledge about the body using to conduct improvisation and moviment forward to construct a comic body and to explore the clown language. These bodies practices are being articulated with the scientific literature of Cognitive Sciences whith make available to uderstand the relationship about BMC and the actor body construction for improvisation and for play a clown. This paper can offer a reflexion about the density articulation try body conception, methodology for actor body construction and artistic creation.
Keyword : Body Mind Centering. body construction. Improvisation.clown

 

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MARQUES, Lílith de Moraes. Proposta de mapeamento de Gestos Psicológicos (GPs) para perfis femininos encontrados na dramaturgia de Nelson Rodrigues. Salvador: Universidade Federal da Bahia; mestranda; Hebe Alves. Atriz.

RESUMO
Estudo de personagens femininas da obra de Nelson Rodrigues, apoiado na categorização das peças do dramaturgo e na proposição de Stanley Keleman, no livro Anatomia Emocional, da existência uma resposta às agressões sofridas pelo indivíduo, organizada corporalmente e desenvolvida em sucessivos movimentos, formando o continuum do reflexo de susto. No artigo, encontra-se a reflexão sobre o processo de investigação prática, no qual, Ações Físicas utilizadas pela pesquisadora articulam os elementos do continuum com o conceito de Gesto Psicológico (GP), desenvolvido por Michael Chékhov. A indagação acerca da análise das linhas motoras de cada Gesto Psicológico abordado se desenvolve por meio da verificação da possibilidade de associá-lo à estrutura de caráter das personagens esboçadas e encontra suporte nos pressupostos que orientam a pesquisa de mestrado em curso no Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia.
Palavras-chave: Gesto Psicológico. Nelson Rodrigues. Anatomia Emocional. Ação Física.

RESUMEN:
Estudio de personajes femeninas de la obra de Nelson Rodrigues, apoyado en la categorización de las obras del dramaturgo y en la propuesta de Stanley Keleman, en el libro Anatomía Emocional, donde existe una respuesta a las agresiones sufridas por el individuo, organizada corporalmente y desarrollada en sucesivos movimientos, formando el Continuum del reflejo de sobresalto. En el artículo, se encuentra la reflexión sobre el proceso de investigación practica, en lo que, Acciones Físicas utilizadas por la pesquisidora articulan elementos del Continuum con el concepto de Gesto Psicológico (GP), desarrollado por Michael Chékhov. La indagación acerca del análisis de las líneas motoras de cada Gesto Psicológico abordado se desenvuelve por medio de la verificación de la posibilidad de asociarlo a la estructura de carácter de los personajes esbozados y encuentra suporte en los presupuestos que sitúan la pesquisa de postgrado (Maestría) corriente por el Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia.
Palabras-clave: Gesto Psicológico. Nelson Rodrigues. Anatomía Emocional. Acción Física.

 

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MARTINS, Laédio José.A Análise Ativa e a formação do diretor. Florianópolis: UDESC; Mestre; CAPES; José Ronaldo Faleiro. Diretor e ator.
 

RESUMO
O artigo aborda as transformações operadas no teatro no início do século XX a partir da perspectiva de Konstantin Stanislávski e suas propostas pedagógicas, elaboradas ao longo de uma vida dedicada à arte teatral e ao seu desenvolvimento, sobretudo da condução do processo criativo do ator por meio daquilo que no final de sua vida foi denominado de Método da Análise Ativa. O seu trabalho deve ser entendido como um todo complexo e que se transformou e adaptou ao longo de seus anos de trabalho e que é composto de duas partes distintas, porém indissociáveis: o trabalho interior e o trabalho exterior do ator sobre si mesmo. A assimilação e aquisição dos conhecimentos referentes aos dois aspectos do trabalho do ator sobre si mesmo são observados neste estudo a partir de sua aplicação no Currículo do Curso de Bacharelado em Direção Teatral da Universidade Federal de Santa Maria/RS, instaurado a partir do ano de 1994 e vigente até o ano de 1997 e que reverberou na graduação dos bacharéis em Teatro saídos daquela instituição até o ano de 2005.
Palavras-chave: Análise Ativa; Stanislávski; trabalho de ator.
 

RESÚMEN
El artículo trata de las transformaciones ocurridas en el teatro del siglo XX desde la perspectiva de Konstantin Stanislavski y sus propuestas pedagógicas elaboradas durante toda su vida dedicada al arte teatral y su desarrollo, en particular la condución del proceso creativo del actor a través de lo que al final de su vida fue llamado Método del Análisis Activo. Su trabajo debe ser entendido como um todo complejo y que fue transformado y adaptado a lo largo de sus años de trabajo y se compone de dos partes distintas, pero inseparables: el trabajo interior y exterior del actor sobre sí mismo. La asimilación y adquisición de los conocimientos referentes a los dos aspectos del trabajo del actor sobre sí mismo se observo em este estudio de su aplicación en el currículo del Curso de Bacharelado em Direção Teatral de Universidade Federal de Santa Maria/RS, introducido desde el año 1994 y en vigor hasta el año 1997, que repercutió en las turmas de graduados que saliran de esta instituición hasta el año 2005.
Palavras-clave: Análisis Activo; Stanislavsky; trabajo del actor.

 

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MONTEIRO, Gabriela Lírio Gurgel. Titulo: “Espaços cinéticos, imagens teatrais”. Prof. Adjunto ECO/UFRJ. Pesquisadora CNPQ: “A teatralidade cinematográfica e o uso de novos dispositivos na criação de imagens”(FAPERJ/PIBIC/PIBIAC)

RESUMO
Refletir sobre as relações entre o teatro e o cinema contemporâneos significa ampliar as bases da discussão ancoradas na tentativa de delimitar espaços específicos de representação ocupados por uma ou outra arte. Em um momento de convergência tecnológica, imagens antes restritas a espaços contíguos e demarcados deslocam-se, ampliando zonas fronteiriças, provocando no espectador a impressão de que tais imagens sobrevivem para além do suporte escolhido. Notamos isso em inúmeros espetáculos que fazem uso de trechos de filmes, videoclipes, imagens-documentais, imagens caseiras, fotos, slides, imagens criadas in loco com o uso de retroprojetor, imagens irreconhecíveis, borrões, letterings, entre muitas outras. Este estudo pretende investigar como tais imagens corroboram para refletirmos sobre novas dramaturgias que se caracterizam por delinear vias de escape, compondo lugares de passagem híbridos, flutuantes.
Há de se pensar o destino das nouvelles images, a que se propõe Raymond Bellour (2002). Imagens que aparecem e desaparecem, sem deixar vestígios, que existem somente na articulação/conexão com outras tantas imagens e que, juntas, compõem espaços estratégicos, porosos e, de certo modo, independentes daquilo que, inicialmente, foi pensado como destino possível para elas. Imagens imprevisíveis porque em sua mobilidade, na composição com outras, em redes, avançam indefinidamente.
PALAVRAS-CHAVE: Teatro. Cinema. Imagem

ABSTRACT
Reflecting on the relationship between theater and contemporary cinema means to broaden the base of the discussion anchored in an attempt to define specific spaces occupied by each art. At a time of technological convergence, images previously restricted to contiguous and demarcated spaces are moving, expanding border areas, causing the viewer the impression that such images survive beyond the support chosen. We note that in many shows that make use of film clips, video clips, documentary images, home images, photos, slides, images created in situ with the use of overhead projector, unrecognizable images, blurs, letterings, among others. This study aims to investigate how such images corroborate for thinking about a new drama that is characterized by outlining avenues of escape, forming hybrid and floating passageways.
One has to think about the future of ‘nouvelles images’, which proposes Bellour Raymond (2002). Images that appear and disappear without trace, that only exist in the joint / connection with other images and so many that together make up strategic spaces, porous and, in a sense, independent of what initially was thought possible as a destination for them. Images unpredictable because of its mobility advance indefinitely in composition with others in networks, advance indefinitely.
KEYWORDS: Theatre. Cinema. Image

 

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MONTENEGRO, Mayra. O ator que canta um conto – a utilização de parâmetros musicais na voz do ator. Natal: Universidade Federal do Rio Grande do Norte; estudante de mestrado; bolsista demanda social CAPES. Atriz e cantora.
 

RESUMO
A arte do ator não está em o quê ele diz, mas em como ele diz. É necessário, portanto, o saber dizer, rechear as palavras de todas as possibilidades e atrativos que as transformem em ação, gesto vivo e intenção clara. O dizer no teatro, sendo uma vocalidade poética, está mais próxima do canto do que da fala cotidiana. Assim, é importante que o ator conheça os parâmetros que regem o canto para aprimorar o seu trabalho vocal. O presente artigo relata sucintamente uma pesquisa de mestrado em andamento, um caminho que está sendo percorrido, uma experiência unindo teoria e prática, movida pelo desejo de buscar uma voz que se realiza como movimento vivo e transformador. A atriz/pesquisadora investiga formas de utilizar parâmetros musicais como ferramentas para o trabalho vocal do ator em uma encenação e sugere uma notação específica com marcações rítmicas, melódicas e expressivas, símbolos que lhe são úteis para “visualizar” o som e registrar partituras vocais construídas em um processo criativo. Há também o relato das experiências pedagógicas durante esse processo, nas quais a atriz/pesquisadora explora estratégias pedagógicas para ensinar a apropriação de parâmetros da música na criação do trabalho vocal do ator.
Palavras-chave: Voz. Ator. Parâmetros musicais.
 

ABSTRACT
The art of the actor is not about what he says, but how he says. It is therefore necessary to know how to say, to fill the words with all possibilities and seductions that transform them into action, live gesture and clear intention. To say in theater, being a poetic vocality, is closer to singing than everyday speech. Thus it is important for the actor to know the parameters that rule singing in order to improve his vocal work. This paper reports briefly a master research in progress, a path that is being walked, an experience connecting theory and practice, moved by the desire to pursue a voice that is realized as living and transforming movement. The actress/researcher investigates ways to utilize musical parameters as tools for the vocal work of the actor in a play and suggests an specific notation with rhythmic, melodic and expressive appointments, symbols that are useful to “visualize” the sound and register vocals scores built during a creative process. There is also the report of pedagogical experiences, in which the actress/researcher explore pedagogical strategies to teach the appropriation of musical parameters in creating the vocal work of the actor.
Keywords: Voice. Actor.Musical parameters.

 

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MENEZES, Felícia de Castro. De Margarida à Cabocla – uma trilha de canções, técnicas, palhaço e memória. Salvador: Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia; CNPQ; bolsista de mestrado; Profª Drª Meran Vargens. Atriz e palhaça.

RESUMO
Através de fragmentos de diários elaborados durante dez anos do processo criativo do espetáculo solo “Rosário”, o presente artigo persegue, sob a luz da crítica genética, revelar a construção da figura “Cabocla”. Configurada enquanto um dos esboços de personagem que regem a obra em questão, a “Cabocla” teve inspiração na Mestra Margarida, mestra de Guerreiro do Juazeiro do Norte- CE, e em seu vasto repertório de canções. Investigando rastros que envolvem uma pesquisa vocal-criativa e a vivência continuada de manifestações populares e da arte do palhaço, intenciona-se evidenciar os veios da memória que levaram à corporeidade física e vocal desta figura. A arqueologia do processo desvenda como estas vias subterrâneas possibilitaram o encontro de procedimentos criativos tão diversos, tornando-se um caminho singular para a cena.
Palavras-chave: crítica genética. processo criativo. manifestações populares. corporeidade. palhaço.
 

RÉSUMÉ
À partir de fragments des journaux écrits pendant dix ans de processus de création de l’espectacle “Rosário”, cet articlepoursuit, selon la critique génétique, révéler la construction de la figure “Cabocla”. Créé en tant que un des brouillons de personnage qui conduisent l’oeuvre en question, la “Cabocla” a été inspirée par Mestra Margarida, une maitre de Guerreiro originéé en Juazeiro do Norte – CE, et par son vaste répertoire de chançons. En investigant des traces qui impliquent une recherche vocale-creative et l’expérience continuéé des manifestations da la culture populaire et del’art du clown, il y a l’intention de mettre en évidence les chemains de la mémoire qui ont conduit à la corporéité physique et vocale de cette figure. L’archéologie du processus révèle comment ces voies souterraines ont permis le rassemblement de processus de création aussi diférents, qui ont composé un chemin singulier de la scène.
Mots-clés: critique génétique. processus de création. manifestations da la culture populaire . corporéité. clown.

 

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MATIAS, Lígia Borges. “Projeto Conexão Brasil-França: possibilidades de encontros da criação à recepção”. São Paulo: Université Paul-Valéry Montpellier 3; Master 2; Philippe Goudard; atriz.

RESUMO
No segundo semestre de 2010, a companhia paulistana Teatro da Travessia, da qual a pesquisadora é uma das fundadoras e participa enquanto atriz, foi agraciada com o Edital Bolsa Funarte de Residência em Artes. A iniciativa do grupo propôs que fosse realizado um intercâmbio de procedimentos de criação cênica narrativa e burlesca, o contato com as literaturas francesa e brasileira e a divulgação de espetáculos teatrais de ambas as nacionalidades nos dois países. O Brasil foi representado pela própria companhia e pelo Instituto de Artes da Universidade Estadual, e a França pelo artista e doutor em teatro burlesco, Philippe Goudard, bem como pela Université Paul-Valéry Montpellier III. Assim, o presente artigo relata a etapa francesa desta experiência e discute quais e como se deram os momentos de imbricação das linguagens pesquisadas ao longo da criação do novo espetáculo, Colloque international sur l’Amour, bem como reflete de que maneira essa junção possibilitou a descoberta de caminhos para reduzir as fronteiras de comunicação entre atores e público. Bem como a reunião científica à qual se destina, tem como cerne: a criação de vínculos e procedimentos para a elaboração de um novo espetáculo; o acontecimento teatral resultante da relação no momento presente representação; e a pesquisa de textos, linguagens e recursos de comunicação.
Palavras-chave: intercâmbio franco-brasileiro. Teatro da Travessia. teatro burlesco. teatro narrativo. interação.
 

RÉSUMÉ
Au cours du second semestre de 2010, la compagnie Teatro da Travessia, de laquelle la chercheuse est membre fondatrice et également actrice, a été lauréate de la Bourse Funarte de Résidence en Arts pour. L’initiative de la troupe a été de réaliser un échange de procédures de créations scéniques narrative et burlesque; un contact entre les littératures française et brésilienne, et une diffusion de spectacles théâtraux des deux nationalités. Le Brésil a été représenté par la troupe elle-même et aussi par l’Institut d’Arts de l’Universidade Estadual Paulista, pendant que la France a été personnifiée par l’entremise de l’artiste et docteur en théâtre burlesque, Philippe Goudard, et de l’Université Paul-Valéry Montpellier III. Cet article retrace la période française de cette expérience et analyse quelles ont étés et comment se sont développées les approches entre les langages recherchés pour la création du nouveau spectacle, Colloque international sur l’Amour. Il propose aussi la réflexion sur comment la liaison entre ces procédés a aidé à la découverte des chemins pour atténuer les frontières entre acteurs et public. De la même manière que la réunion scientifique à laquelle cet article se destine, ce texte a comme axes principaux: la création de liens et de moyens de dévéloppement d’un nouveau spectacle; l’événement théâtral, résultat des relations pendant la représentation, et la recherche de textes, langages et ressources de communication.
Mots clés: échange culturel. Teatro da Travessia. théâtre burlesque. théâtre narratif. relation directe avec le public.

 

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MARFUZ, Luiz. O visível e o não-visível no palco beckettiano. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Professor-Adjunto; Encenador e Dramaturgo.
 

RESUMO
A relação do teatro de Samuel Beckett com as artes plásticas amplia o exame de possibilidades da topografia visual da cena e aproxima o artista irlandês da arte não-figurativa, especialmente da pintura. Beckett afirma que, em muitas de suas peças, a imagem é a concepção central. Não sem propósito, ele escolhe o palco italiano para suas encenações; mas, longe de representar subserviência à tradição teatral ilusionista, Beckett apodera-se dele para construir espaço único, esculpido por cores, formas, ritmos, movimentos, sons e silêncios e dar-lhe dupla função: pelo que mostra e pelo que oculta, como se as personagens estivessem aprisionadas numa pintura da qual não podem escapar; sair das linhas divisórias da caixa cênica é desaparecer. É nele que as espacialidades se alojam, confrangendo-se entre dois extremos: o lugar-visível, – onde as personagens se movimentam ou se imobilizam – e o lugar-invisível, o off-stage, separado por uma moldura que debrua a cena. No palco beckettiano, romper a moldura é confrontar o desconhecido, o informe, o não-criado. Estas reflexões integram a tese do de doutorado do autor: “O teatro de Beckett: poética da implosão e estratégias de encenação”, PPGAC-UFBA, 2007.
Palavras-chave: Beckett; Encenação; Espaço; Dramaturgia
 

RESUMEN
La relación del teatro de Samuel Beckett con las artes plásticas amplía la posibilidad de evaluar la topografía visual de la escena e aproxima al artista irlandés del arte no figurativo, en especial de la pintura. Beckett afirma que, en muchas de sus piezas, la imagen es la concepción central. No es un hecho fortuito el de escoger el teatro a la italiana para sus representaciones, pues, lejos de rendir pleitesía a la tradición teatral ilusionista, Beckett se apodera de este tipo de escenario para construir un espacio único, esculpido por colores, formas, ritmos, movimientos, sonidos y silencios, otorgándole una doble función: a través de lo que muestra y lo que oculta, como si los personajes fuesen prisioneros de una pintura de la que no pueden escapar; salir las líneas divisorias de la caja escénica es desaparecer. Es en él donde las espacialidades se encuentran, tanteándose entre dos extremos: el lugar-visible, – donde los personajes se mueven o se paralizan – y el lugar no-visible, el off-stage, separado por una moldura que ornamenta la escena. En el escenario beckettiano, romper la moldura es enfrentar lo desconocido, lo informe, lo no creado. Estas reflexiones integran la tesis de doctorado: “O teatro de Beckett: poética da implosão e estratégias de encenação”, PPGAC-UFBA, 2007.
Palabras clave:Beckett; Puesta en escena; Espacio; Dramaturgia

 

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PESSOA, Desirée Gomes da Veiga. Polifonia e construção de obras de arte coletivas. Porto Alegre: PPGAC/UFRGS (Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal do Rio Grande do Sul); mestranda; bolsista REUNI; orientanda da Professora-Doutora Marta Isaacsson de Souza e Silva. Encenadora e atriz.
 

RESUMO
A relação entre os sujeitos que integram um coletivo teatral é Um forte elemento de composição da obra do grupo. Assim, a questão central do presente estudo é a forma como as ações individuais dos criadores conseguem se harmonizar no âmbito coletivo. A pesquisa foi realizada através de observação participante do processo de criação do espetáculo Primeiro Amor (2010), junto ao grupo Neelic – Núcleo de Estudos e Experimentação da Linguagem Cênica, de Porto Alegre. A partir do pensamento de Mikhail Bakhtin, sobretudo da reflexão acerca de seu conceito de polifonia, a comunicação discute os procedimentos do grupo observado, postos em relação à proposta bakhtiniana de existência entre o geral e o particular, a vida e a arte, uma reação de interconstituição que não privilegia nenhum destes termos, mas os integra na produção de atos e de obras de arte.
Palavras-chave: Polifonia. Ato ético. Grupo de teatro.
 

RESUMEN
La relación entre los sujetos que forman parte de un colectivo teatral es un fuerte elemento de la composición de la obra del grupo. Por lo tanto, la cuestión central de este estudio es cómo las acciones de los artistas son capaces de armonizar en lo colectivo. La investigación se llevó a cabo a través de la observación participante del proceso de creación de la serie Primeiro Amor (2010), con el grupo Neelic – Núcleo de Estudos e Experimentação da Linguagem Cênica, Porto Alegre. Desde el pensamiento de Mijail Bajtín, sobre todo el reflejo de su concepto de la polifonía, el estudio analiza los procedimientos del grupo, los mensajes sobre la propuesta bajtiniana existencia entre lo general y lo particular, la vida y el arte, una reacción interconstituição no favorecer a ninguno de estos términos, sino que integra en la producción de acciones y obras de arte.
Palabras clave: Polifonia. Acto ético. Grupo de teatro.

 

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RAMOS, Enamar. Processo de criação de um corpo cênico para o ator contemporâneo. Rio de Janeiro:Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro UNIRIO; professor adjunto

RESUMO
Este artigo é o resultado parcial de uma pesquisa sobre o trabalho corporal do ator contemporâneo solicitado a uma grande movimentação cênica durante sua atuação. As linguagens da dança e do teatro cada vez mais se aproximam provocando uma transformação no que cada uma delas conhece. Nessa aproximação, a assimilação de técnicas de outras áreas é inevitável, além da necessidade de novas construções e de um corpo preparado para qualquer exigência. Descreve a prática utilizada durante as aulas de Dança e Alongamento do Curso de Bacharelado em Teatro – habilitação Interpretação – da Escola de Teatro do Centro de Letras e Artes da UNIRIO.
Palavras-chave: corpo e voz. teatro musicado. musical. dança e teatro

ABSTRACT
This article is part of the result of a research on the corporeal work of the contemporary actor, who is frequently asked to move during his acting. The languages of dance and theatre are becoming increasingly closer, entailing a transformation of the elements that compose either discipline. In this process, the assimilation of techniques from other areas is inevitable, a part from the necessity of new constructions and of a body that is prepared for any demand. The article describes the practice developed during the Dance and Stretching course of the Undergraduate Program in Acting at the Theatre School of the Arts and Literature Centre of UNIRIO.
Keyword – dance theatre; body and voice; dance; theatre

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RIBEIRO, Cibele. A dança pós-dramática do Judson Dance Theater. Natal : Universidade Federal do Rio Grande do Norte; Mestranda em Artes Cênicas; Orientação: Profa. Dra. Karenine de Oliveira Porpino. Bailarina, preparadora corporal e diretora artística.

RESUMO
O Judson Dance Theater estabelece um marco e uma zona de indiscernibilidade na história da dança. Formado por artistas de diversas formações e atuações que não só a dança, este grupo tem ainda outras características marcantes: constituiu um coletivo de dança independente sem a figura de um diretor, evidenciando a ideia de um intérprete criador, além de ser influenciado por considerações não-convencionais sobre composição musical resignificadas na composição coreográfica. Seus integrantes alargaram as fronteiras da dança e a reterritorializaram como ponte, juntura, zona de indiscernibilidade, noções tão caras aos filósofos Gilles Deleuze e Felix Guattari, provocando interações entre informações e formações que raramente interagiam, explicitando uma noção de dramaturgia do corpo. Tais características fazem recordar ainda o conceito de “teatro pós-dramático” sustentado por Hans-Thies Lehmann, para quem o teatro deve ser configurado não pela temporalidade histórico-filosófica trazida pela noção de “teatro pós-moderno”, mas por suas próprias particularidades criativas – uma vez que esse fazer artístico não nega a modernidade, mas fecunda e explode questões trazidas pela modernidade.
Palavras-chave: Dança pós-moderna. Teatro pós-dramático. Processos criativos. Zona de indiscernibilidade.

RESUMEN
El Judson Dance Theater establece un marco y una zona de indicernibilidad en la historia de la danza. Formado por artistas de distintas formaciones y actuaciones que no sólo la danza, este grupo aún tiene otras marcantes características: constituyó un colectivo de danza independiente sin la figura de un director, mostrando la idea de un intérprete creador, además de ser influenciado por consideraciones no convencionales sobre composición musical resinificadas en la composición coreográfica. Sus integrantes ampliando las fronteras de la danza y la reterritorializaram como puente, unión, zona de indicernibilidade, nociones tan queridas a los filósofos Gilles Deleuze y Félix Guattari, provocando interacciones entre informaciones y formaciones que raramente hacían interacción, explicitando una idea dramaturgia del cuerpo. Esas características hacen todavía acordar el concepto de “teatro posdramático” sustentado por Hans-Thies Lehmann, para quién el teatro debe ser configurado no por la temporalidad histórico-filosófica interpuesta por la idea de “teatro posmoderno”, sino por sus propias particularidades creativas – una vez que ese hacer artístico no nega la modernidad, pero fecunda y explode cuestiones traídas por la modernidad.
Palabras-chave: Danza posmoderna. Teatro posdramático. Processos creativos. Zona de indicernibilidade.

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SACHS, Cláudia M. Considerações sobre o trabalho do ator contemporâneo sob a ótica do Teatro Pós-Dramático e do Teatro Performativo. Florianópolis: UDESC; Doutorado; Edélcio Mostaço; Capes. Atriz.

RESUMO
Teatro Pós-dramático é um termo polêmico cuja aceitação não é um consenso entre pesquisadores e artistas cênicos. Segundo o professor Lehmann, esse conceito “guarda-chuva” foi criado para ajudar as pessoas a falarem de sua experiência contemporânea. Portanto, é utilizado aqui para pensar sobre a atuação no teatro contemporâneo. A partir de alguns dos parâmetros apresentados por Lehmann em seu livro de mesmo título e de alguns aspectos dos estudos do Teatro Performativo de Fèral visa discutir questões sobre o trabalho do ator contemporâneo, no que tange expectativas sobre a atuação e possibilidades para sua preparação.
Palavras chave: atuação – preparação – pós-dramático – performativo

ABSTRACT
Post-dramatic theater is a polemic term, its acceptance is not a consensus among researchers and artists. This “umbrella” concept was created by professor Lehmann to help people talk about their contemporary experience. Therefore, it’s used here to think about acting in the contemporary theater. Considering some parameters presented by Lehmann in his book of the same title as well as some aspects of the Performative Theater Studies of Fèral, the article aims at discussing the work of the contemporary actor, regarding expectations on acting and possibilities for his/her preparation.
Key-words: acting – preparation – post-dramatic – performative

 

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SALLES, Nara. andruchak, Marcos. santana, Gilmar. figaredo, rubén. Freitas, wallace. almodovar e kahlo: estéticaS constituinteS PARA processos criativos. Natal: Universidade Federal do Rio Grande do Norte. Professora Adjunto IV; Encenadora e Dançarina; Professor Adjunto; Artista Visual e Muralista; Professor Adjunto, Sociólogo; Professor Visitante; Dramaturgo e Músico; Graduando em Teatro e Bolsista de Iniciação Científica PIBIC/UFRN

RESUMO
O projeto de pesquisa encontra-se em andamento e sua principal característica é ser altamente integrado prevendo várias ações de pesquisa e extensão visando desenvolver uma pesquisa multi-linguagem em arte contemporânea, investigando e realizando uma análise pictórica das obras de Frida Kahlo e o estudo estético poético das obras de Pedro Almodóvar, objetivando a construção de uma estética constituinte para processos criativos na encenação, fundamentada na teoria de Antonin Artaud (1997), nas teorias do teatro pós-dramático de Lehmann (2007) na noção de Processos Colaborativos e nos estudos de Viewpoints de Bogart (2005); enfocando uma montagem cênica e desvendando os processos criativos colaborativos neste contexto. A pesquisa pretende proporcionar um aprofundamento teórico prático, sob a ótica da arte contemporânea, das obras dos artistas apontados, assim como no campo estético da poética do espetáculo e técnico na execução de uma montagem cênica, evidenciando os processos criativos propostos para a luz, cor, cenografia, figurino, coreografia enfocando as seguintes dimensões: 1 – interpretação teatral, atuação, trabalho corpóreo/vocal do ator/atriz, 2 – texto, dramaturgia, 3 – música (sonoplastia), 4 – roupa (figurino), 5 – iluminação e 6 – cenário.
Palavras-chave: Encenação. Processos Criativos Colaborativos. Pedro Amodovar. Frida Khalo.

RÉSUMÉ
Le projet de recherche est en cours et sa principale caractéristique est d’être la prestation de plusieurs hautement intégré les activités de recherche et de vulgarisation visant à développer une recherche multi-langage, en art contemporain, enquêter eteffectuer une analyse des œuvres picturales de Frida Kahlo et poétique étude esthétique les œuvres de Pedro Almodovar, qui vise à construire un élément esthétique à des processus créatifs dans la mise en scène, basée sur la théorie des Antonin Artaud (1997), dans les théories de la post-dramatique du théâtre de Lehmann (2007) la notion de processus collaboratifs et des études View Points de Bogart (2005), en se concentrant sur une monture scénique et la découverte créativedes processus collaboratifs dans ce contexte. La recherche vise à fournir un, plus profond théoriques et pratiques dans la perspective de l’art contemporain, des oeuvres des artistes mentionnés, ainsi que dans le spectacle esthétique de la mise en œuvre poétique et techniques d’un paysage de montage, mettant en évidence lesprocessus créatifs proposés pour la lumière, la couleur , la scénographie, les costumes, la chorégraphie, en se concentrant sur les dimensions suivantes: 1 -l’interprétation théâtrale, la performance, le corps de travail / voix acteur / actrice, 2 – le texte, le théâtre, 3 – la musique (sound design), 4 – vêtements (costumes), 5 – l’éclairage et 6 – scénario.
Mots-clés: Staging. Les processus de collaboration créative.Pedro Amodovar. Frida Kahlo.

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SANTOS, Manhã Chagas. O corpo no jogo da improvisação teatral. Salvador: PPGAC UFBA; Mestrado; Capes; Orientadora: Prof.ª Dr.ª Suzana Martins. Atriz e prof. subs- Ufba.

RESUMO
Esta pesquisa apresenta uma investigação acerca da improvisação como método criativo do ator. Tem como objeto o improviso com enfoque no corpo, no movimento, na ação física. A partir da experiência com jogos de improvisação propostos por Keith Johnstone, da comicidade do corpo desenvolvida em formação de Clown com o LUME (Grupo Interdisciplinar de Pesquisa do Ator/UNICAMP) e jogos criados pela autora em experiências diversas de condução e também como atriz ao longo de 20 anos, propõe-se uma reflexão sobre possíveis regras para o improviso corporal que dá origem a cenas que prescindem da palavra. Além das regras, são também investigadas as habilidades desenvolvidas pelo ator no jogo do improviso, assim como as relações estabelecidas entre o corpo e os outros corpos, o espaço, o tempo, a musicalidade e a comicidade da cena. A pesquisa tem como intuito elencar jogos, regras e caminhos possíveis para atores que desejem encontrar na improvisação uma via de desenvolvimento de potenciais expressivos, tendo em vista que o ator pode e deve propor e criar dramaturgias em muitos processos criativos na atualidade. Esta investigação poderá também servir de guia para a condução de processos criativos que se utilizem da improvisação como provocador, assim como incentivo e instrumento de desconstrução da ideia de que a improvisação teatral é para poucos corajosos e inventivos atores.
Palavras-chave: Improvisação. Corpo. Princípios.

ABSTRACT
This research work presents an investigation about the improvisation as an actor’s creative method, taking as object the impromptu with a body, movement and physics’ action focus. Starting of the experiences with Keith Johnstone’s improvisation games, the comic body developed on the LUME’s (Actor’s Interdisciplinary Research Group / UNICAMP) formation, games created by the author in diverse conduction experiences and 20 years’ experience as an actress, it proposes a reflection about possible rules for the corporal improvisation that origins no-talking scenes. Beyond the rules, the abilities developed by the actor in the improvisation game are investigated too, as the relations established between different bodies, the space, the time, the musicality and the scene’s comic. The research has the intention of make a games’, rules’ and possible ways’ for actors that desire to find on the improvisation a develop expressive potentials path survey, considering that the actor can purpose directions and create dramaturgies on various nowadays creative processes. This investigation will serve as a creative process conduction guide, when it’s uses the improvisation as provocation, as incentive and instrument for the deconstruction of the idea that improvisation is for a few courage and inventive actors.
Keywords: Improvisation. Body. Principles.

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SCHIOCCHET, Michele Louise. Site what? Reflexões a respeito da arte site-specific. Florianopolis: UDESC; Doutorado; bolsista CAPES; Orientadora Beatriz Angela Cabral.
RESUMO
Este artigo focaliza processos artísticos em espaços urbanos, ditos alternativos. O estudo concentra-se no uso do termo site-specific, contextualizando-o historicamente. Nesta análise são citadas diversas acepções atribuídas a este termo durante as quase quatro décadas de seu surgimento, gerando além de uma polissemia, uma série de termos alternativos que buscam redefinir possíveis relações entre obra x site. A abordagem parte deste quadro geral para a análise de algumas teorias relacionadas ao espaço urbano e a seu uso cotidiano, servindo-se de conceitos como os de produção do espaço, terceiro espaço e espaços de fluxos encontrados nas obras de Henri Lefebvre, Michel de Certeau, Edward Soja e Manuel de Castells. Em seqüência relacionam-se tais princípios, avaliando de que maneira uma mudança na compreensão da idéia de espaço poderia ter alterado a arte site-specific. Levam-se em consideração os diversos níveis de inter-relação obra x site, buscando avaliar não somente a relação da obra com um espaço geográfico, mas também com espaços e entre espaços sociais, conceituais e suas varias intersecções. O estudo pretende apontar como o uso de determinadas terminologias pode denotar intencionalidades específicas, inerentes a um comportamento politico e/ou estético também especifico; questionando que tipo de propósitos poderia ter a arte site-specific e de que maneira este embate obra x site poderia ser simbiótico.
Palavras-chave: Site-specific. Espaços alternativos. Performance.Quotidianidade.Interdisciplinaridade.
ABSTRACT
This article researches the creation of performances and art works in urban spaces, known as alternative. Contextualising it historically the study points to several variations on the use of the term site-specific, generating not just a polysemy, but also alternative terms which tried to redefine the relationship site x work, throughout almost four decades of its origins. Using some concepts such as: the production of the space, the third space and the spaces of the flows from: Henri Lefebvre, Michel de Certeau , Edward Soja e Manuel de Castells, the study reflects about how the changes on the perception of the space could have influenced on the way the artwork interacts with the urban spaces. Understanding the space not just as geographic, it is possible to consider spaces and in between spaces such as social spaces and conceptual spaces as well as its overlapping and intersections. The paper finally investigates how the use of specific terms could accuse intentions, related to also specific politic and aesthetic behaviours; questioning what sort of purposes could have a site-specific art and in which way the confrontation work x site could be symbiotic.
Keywords: Site-specificity. Alternative Spaces.Performance.Everyday live.Cross-disciplinary.

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SILVA, Daniel Furtado S. Terceiro sinal: irrupção do real e performatividade. Pelotas: UFPEL; Professor Assistente. UFMG; Doutorando; Professor Orientador: Antônio Hildebrando. Encenador, ator e iluminador.
 

RESUMO
Em palestra realizada no VI Congresso da Abrace, Josette Féral discutiu questões relacionadas ao limite da arte, a não exclusão entre real e ficção e o equilíbrio e complementaridade entre esses dois princípios que caracterizam parte da produção teatral contemporânea. Nesta, podemos encontrar várias tentativas de escapar da representação, trazendo o real e o evento sem mediações. Encontramos na peça Terceiro Sinal, texto de Otávio Frias Filho, um permanente jogo entre a ficção e a realidade, já que ela expõe em cena a experiência vivida pelo autor quando atuou na peça Boca de Ouro, de Nelson Rodrigues, na encenação do Teatro Oficina em 2000. Proponho nesse artigo uma reflexão sobre o tensionamento entre o universo ficcional proposto pela situação de representação que o espetáculo institui e a realidade dos fatos apresentados em cena, com constantes referências a pessoas e fatos ocorridos e seu surgimento em cena na forma de imagens virtuais. O ato de colocar a ficção face a face com o real implica em uma diminuição da distância entre eles, a performatividade da ação encenada levando a uma quebra do “contrato de ficção” estabelecido com o espectador, que tem o seu senso de percepção entre real e ficcional constantemente abalado, levando a uma mudança no próprio registro da percepção.
Palavras-chave: performatividade, real, contrato de ficção.

ABSTRACT
In lecture accomplished in VI Congresso da Abrace, Josette Féral discussed subjects related to the limit of the art, the non exclusion between real and fiction and the balance and complementarity among those two principles that characterize part of the contemporary theatrical production. In this we can find several attempts of escaping of the representation, bringing the Real and the event without mediations. We found in the play Terceiro Sinal, Otávio Frias Filho text’, a permanent game between fiction and reality, since he exposes in scene the experience lived by him when he act in Nelson Rodrigues’ “Boca de Ouro” in Teatro Oficina staged in 2000. I propose in this paper a reflection on the stressing between the fictional universe proposed by the stage situation that the play institutes and the reality of the facts presented in scene, with constant references to people and happened facts and your appearance in scene in the form of virtual images. The act of placing the fiction face the face with the Real implicates in a decrease of the distance between them, the performatividade of the staged action causing a break of the “fiction contract” established with the spectator, that constantly has his perception sense between Real and fictional shaky, bringing a change in the own registration of the perception.
Keywords: performatividade, real, fiction contract.

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SILVA, Eberth Guimarães da: As canções seresteiras como criadoras de um clima cênico. Belo Horizonte: Escola de Belas Artes da UFMG; Mestrando em Artes Cênicas pelo Programa de Pós-Graduação em Artes; Orientador: Maurílio Andrade Rocha.

RESUMO
Esse artigo pretende revelar os primeiros estudos realizados sobre a utilização da música no processo de criação do projeto “Residência teatral no bairro Lagoinha: Um estudo sobre dramaturgia da improvisação a partir dos princípios cênicos das máscaras tradicionais brasileiras.” Nesse trabalho mascarados passam a residir, literalmente, em uma casa alugada em um bairro tradicional da cidade e, de acordo com a vivência cotidiana nesse bairro, começam a contar a história do lugar, revelando traços peculiares e fatos históricos relevantes. O foco do estudo desse artigo é o processo de incorporação de canções pertencentes ao cancioneiro popular urbano brasileiro, que datam, em média, da década de 1950, dentro do processo criativo do projeto. A principal motivação do estudo deve-se ao fato da identificação histórica que o contato com essas canções provocava nos atores. Por se tratar de um trabalho onde o aspecto histórico é de fundamental relevância para a criação, essas canções cumpriram o primeiro processo de historicização, instigando o diretor musical do projeto a pesquisar e trazer mais canções que partilhassem desse clima seresteiro para o espetáculo a ser criado. Ainda será discutido o aspecto emotivo presente nessas canções que, em sua maioria, apresentam em textos que tratam de perdas e desencontros amorosos e saudosismo de pessoas e lugares passados. Como referencial teórico serão utilizados estudos que articulam som e cena como os de Roberto Gill Camargo.
Palavras-chave: Criação teatral. Música. Canção. Seresta

ABSTRACT
This article aims to reveal the first studies on the use of music in the process of creating the project “Residência teatral no bairro Lagoinha: Um estudo sobre dramaturgia da improvisação a partir dos princípios cênicos das máscaras tradicionais brasileiras.” Where masked are to reside, literally, in a rented house in a neighborhood of the town and, according to the daily life in the neighborhood, they begin to tell the story of the place, showing peculiar features and relevant historical facts. The focus of this paper is to study the incorporation of songs belonging to the Brazilian urban folk songs that date back on average of the 1950s, within the creative process of the project. The project have an important historical aspect, and these songs are part of the historicizing process, prompting the music director of the project to research and bring more songs, which shared this serenade climate for the scenes to be created. As theoretical studies will be used to articulate sound and scene as the Roberto Gill Camargo.
Keywords: Theatral creation. Music.Song.Serenade

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SILVA, H. A. (Hebe Alves da Silva).. O Implícito e o explícito na construção do achado. Salvador: Universidade Federal da Bahia. Professora Adjunta 1. Diretora teatral e atriz.

RESUMO:
Na construção do espetáculo, as leis da composição artística são tomadas em sua totalidade ou subvertidas em alguns de seus aspectos. A prática teatral na Escola de Teatro da UFBA é uma confirmação da ideia segundo a qual o espaço de elucidação das relações entre “saber” e “fazer” artísticos é a Universidade. Nela, estudantes do Bacharelado em Interpretação Teatral assimilam uma dinâmica de atuação cênica por meio da apropriação de conceitos e princípios intrínsecos ao fazer teatral, através da realização de montagens didáticas. Assim, seqüências textuais ou cênicas, constituídas de uma sucessão de instantâneos, são articuladas, resultando na elaboração de uma nova cena. É quando o conhecimento implícito cede lugar ao explícito e eles descobrem que o achado é, também, uma construção.
Palavras-chave: Escola de Teatro da UFBA. Interpretação teatral. Espetáculo.

RÉSUMÉ
Dans la construction du spectacle, les lois de la composition artistique sont prises en totalité ou subverties dans certains aspects. La pratique de l’art dramatique à l’École de Théâtre UFBA est une confirmation de l’idée que l’espace d’élucidation de la relation entre “connaissance” et “faire” artistiques est l’Université. Dans cette institution, les étudiants du premier cycle en interprétation théâtrale assimilent la dynamique du jeu scénique à travers l’appropriation des concepts et des principes inhérents au faire théâtral, par la réalisation de mises en scène didactiques. Ainsi, les séquences textuelles ou scéniques, composées d’une succession d’instantanés, sont articulées, ce qui entraîne le développement d’une nouvelle scène. C’est alors que la connaissance implicite cède la place à l’explicite et ils découvrent que la découverte est aussi une construction.
Mots-clés: École de théâtre à UFBA. Spectacle. Interprétation théâtrale.

 

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SOUZA, Raquel Castro de. A Música e o ator meierholdiano: esboçando um conceito de ação musical. Belo Horizonte: Programa de Pós-Graduação em Artes – EBA/UFMG; mestranda; Or. Prof. Dr. Maurílio Andrade Rocha. Teatro Universitário/UFMG; professora substituta de Interpretação Teatral e Teoria do Teatro.

RESUMO
O artigo busca apontar a relação entre a ação do ator no teatro de V. Meierhold e a utilização de uma matriz extra-teatral específica: a Música. Destacam-se alguns princípios fundamentais nos processos de construção da ação a partir de elementos e parâmetros musicais no teatro meierholdiano. Partindo da profunda reflexão que Meierhold realiza sobre a encenação da ópera, através dos escritos de Appia, de Craig, depois de Fuchs, de Wagner e de Hagemann, busca-se compreender as especificidades da ópera e mais amplamente do teatro da convenção, para a criação de um teatro onde a música seria concebida como substância da ação, como uma corrente que acompanha os deslocamentos do ator sobre o espaço cênico e os momentos estáticos de seu jogo. Assim, esse estudo pretende esboçar um conceito de ação musical a partir do trabalho do ator no teatro de Meierhold, considerando a ampliação das possibilidades de utilização de matrizes geradoras de ações propostas por esse encenador.
Palavras-chave: Interação Música-Teatro. Ação. Vsévolod Meierhold.

RÉSUMÉ
L’article cherche à identifier la relation entre l’action de l’acteur de V. Meierhold et l’utilisation d’une base extra-théâtral: la Musique. Faits saillants de certains principes fondamentaux dans le processus de construction d’action à partir de éléments et paramètres musicales dans le théâtre de Meierhold. A partir de la réflexion profonde qui Meierhold effectue sur la production d’opéra, à travers les écrits d’Appia, Craig, après Fuchs, Wagner et Hagemann, nous cherchons à comprendre les spécificités du théâtre d’opéra et plus largement du théâtre de la convention pour la création d’un théâtre où la musique a été conçue comme la substance de l’action, comme un courant qui accompagne les mouvements de l’acteur sur l’espace scénique et les moments statiques de leur jeu. Ainsi, cette étude vise à élaborer un concept d’action musicale à partir du travail de l’acteur de Meierhold, envisagent d’élargement de les possibilités d’utilisation des bases qui génèrent des actions proposées par ce directeur.
Mots-clés: Interaction Music-Théâtre. Action. Vsévolod Meierhold.

 

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VALADARES, João Paulo. O Ator Antes da Cena: Procedimentos de Criação através da Linha de Ação Física em Grotowski. Belo Horizonte: UFMG; CNPq; Mestrando; Luis Otávio Carvalho; Ator, Diretor e Dramaturgo.
 

RESUMO
Essa pesquisa se propõe o estudo dos processos de criação registrados por Jerzy Grotowski e seus colaboradores do Teatro-Laboratório. Para Grotowski a atuação é um ato solene de auto-conhecimento coletivo. Para se articular como tal é necessário uma “ação total”. Esse fenômeno se expressa quando o ator repete sua partitura e através dela se desnuda, acessando seus impulsos interiores. Nesse momento o espectador sabe que encontrou um fenômeno autêntico e a irradiação do espetáculo se deriva dos opostos: objetivo – subjetivo, partitura – ato. O trabalho do ator está centrado no paradoxo entre espontaneidade e disciplina, trabalhando com a idéia de subjetivação de ações objetivas, o cerne da ação física.
Palavras-chave: Processo de Criação. Ação Física. Organicidade.Partitura.
 

ABSTRACT
This research aims to study the processes of creation recorded by Jerzy Grotowski and his collaborators at the Laboratory-Theatre. For the Grotowski acting is a solemn act of collective self-knowledge. To articulate how this requires a “full action”. This phenomenon is expressed when the actor repeats his score and through this naked, accessing their inner impulses. At this point the viewer knows he has found a genuine phenomenon and irradiation of the show comes from two opposites: objective – subjective score – the act. The actor’s work focuses on the paradox between spontaneity and discipline, working with the idea of subjectivity of objective actions, the core of physical action.
Keywords: Creation Process. Physical Action.Organicity.