Dramaturgia, tradição e contemporaneidade  

ALCOFRA, Gabriela M. F. T. – O rosto na dança, um olhar sobre expressividade e expressão na dança contemporânea. Campinas: Unicamp; estudante; FAPESP; bolsista de mestrado nível I.

RESUMO

Este artigo tem como foco a análise da expressão do rosto na dança contemporânea no Brasil. Apresenta como objetivo investigar a diferença entre expressividade e expressão, analisando a relação entre rosto e corpo em movimento na elaboração de uma dramaturgia em dança. Para isso, leva em consideração o contexto sócio-político da criação da obra, em uma metodologia histórico comparativa entre o movimento artístico da Judson Church na década de 1970 nos EUA e a corrente expressionista alemã da mesma época, relacionando-os com obras e reflexões atuais.

Palavras-chave: dança, expressividade, expressão, rosto ABSTRACT

This article focuses on the analysis of the expression of the face in contemporary dance in Brazil. Aims to investigate the difference between expressionism and expression analyzing the relationship between face and body moving in dance dramaturgy. To do so, takes into account the socio-political context of the creation of the work, in a historical comparative methodology between the artistic movement of the Judson Church in the 1970 in the U.S.A. and German expressionism current from the same period in relation to current works and reflections.

Keywords: dance, expression, expression, face

ALVIM, Valeska Ribeiro; BATISTA, A. C. C., OLIVEIRA, A. P. A. Subpartitura Corporal do Processo de O Santo e a Porca. Rio Branco: Universidade Federal do Acre. Valeska Ribeiro Alvim. Universidade Federal do Acre; Docente dedicação exclusiva.

RESUMO
O presente artigo propõe-se a descrever o processo de criação do Grupo Universitário Nois da Casa para o espetáculo “O Santo e a Porca” de autoria de Ariano Suassuna, a partir do conceito de subpartitura criado por Patrice Pavis. O grupo faz parte do projeto de pesquisa e extensão da Universidade Federal do Acre, cujo principal objetivo é fomentar a produção de Artes Cênicas em Rio Branco/ACRE e sua difusão para o público da cidade, propor ações que potencialize a valorização dessa área de conhecimento, com diálogos e conexões dos fazeres artísticos, para além da produção de um produto, numa continuidade e expansão de atividades, acessibilidades e instrumentalização.

Palavras – chave: Subpartitura: Dramaturgia: Universidade
ABSTRACT
This article aims to describe the process of creating the University Group Nois da Casa for the show "O santo e a Porca" authored by Ariano Suassuna, from the sub-partition concept created by Patrice Pavis. The group is part of the research and extension project of the Federal University of Acre, whose main goal is to promote the production of Dramatic Art in Rio Branco / ACRE and its dissemination to the public within the city, proposing actions that potentiate the value of this knowledge area with dialogues and connections of artistic doings, besides producing a product, in a continuity and expansion of activities, accessibility and instrumentalization.

Keywords: Sub-partition: Playwright: University

ARY, Rafael. Processo Colaborativo como Procedimento de Formação na SP Escola de Teatro. Campinas: Universidade Estadual de Campinas. Pós-graduação em Artes da Cena; Doutorado; Mario Alberto de Santana. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo; Bolsa de Doutorado. Dramaturgo e Ator.

Dramaturgia: Processo Colaborativo: Aprendizagem

A partir da década de 1990, houve o surgimento e fortalecimento de diversos coletivos de criação teatral no Brasil. As experimentações colaborativas de criação que estes coletivos empreenderam produziram um arcabouço de diretrizes de grande potencial pedagógico. Esses processos colaborativos, como foram chamados, fomentaram o aprimoramento, de forma contínua, nas últimas duas décadas, de dramaturgos com características específicas. Essa especificidade pode ser compreendida por meio da análise dos procedimentos de criação utilizados durante os ensaios e durante os diversos trabalhos, que, em alguns casos, conformaram uma poética. A grande ocorrência de processos denominados colaborativos revelou uma demanda por formação de dramaturgos e um cabedal de diretrizes pedagógicas que necessitava de direcionamento. Dessa forma, como resposta a uma carência histórica por formação em dramaturgia, foi criado o primeiro curso técnico de dramaturgia do país, localizado na SP Escola de Teatro. Suas diretrizes pedagógicas e procedimentos de ensino estão dispostos de forma a contemplar aquilo que chamo de ética colaborativa.

Dramaturgy: Collaborative Process: Learning

From the 1990s, there was the emergence and strengthening of several theater groups in Brazil. These groups have produced guidelines of great pedagogical potential, by working in collaborative process. Many playwrights worked in this specific way. The high occurrence of collaborative processes has revealed a demand for formation of playwrights. Thus was created the first technical course on dramaturgy of the country, located in SP School of Theatre. The pedagogical guidelines and teaching procedures of this school are arranged to contemplate what I call the collaborative ethics.

BAUER BRÖNSTRUP, Camila. Traços das vanguardas históricas na dramaturgia contemporânea. Porto Alegre: UFRGS. UFRGS; professora adjunta.


RESUMO
Esta pesquisa analisa as inovações e transformações dramatúrgicas ocorridas no começo do século XX com o surgimento das vanguardas históricas, enfatizando as modificações discursivas e estruturais que os próprios conceitos de drama e de teatro sofreram, impulsionadas por acontecimentos históricos, artísticos e sociais. Estudamos, por meio de uma pesquisa em sócio-semiologia textual e mecanismos narrativos, a presença de estruturas e elementos performativos incluídos no teatro daquele contexto e ainda presentes na dramaturgia contemporânea – tais como fragmentação, aleatoriedade, ruptura fabular, despersonificação do sujeito, atemporalização, lacuna semântica, entre outros – renovados por transformações estéticas e contextuais.
PALAVRAS-CHAVE: vanguardas históricas; dramaturgia contemporânea; mecanismos narrativos; semiologia textual.

RESUMÉE
Cette recherche analyse les innovations et les transformations dramaturgiques produites au début du XXe siècle avec l'émergence des avant-gardes historiques, en remarquant les modifications discursives et structurelles que les concepts mêmes de drame et de théâtre ont souffert, motivées par les événements historiques, artistiques et sociaux. Nous étudions, à travers une recherche de socio-sémiotique textuelle et des mécanismes narratifs, la présence de structures et d’éléments performatifs inclus dans le théâtre de ce contexte là et encore présents dans la dramaturgie contemporaine - comme la fragmentation, l'aléatoire, la dissolution de la fable, la perte de la personnification du sujet, l’atemporalité, les vides sémantiques, parmi d’autres - renouvelés pour les changements contextuels et esthétiques.
MOTS-CLÉS : avant-gardes historiques ; dramaturgie contemporaine ; mécanismes narratifs; sémiotique textuelle.

BESSA, Andrei (Andrei Bessa Siqueira Campos). Dramaturgia não escrita: operar o conceito de rizoma na leitura da obra cênica Projeto Achados & Perdidos. Fortaleza: Universidade Federal do Ceará; Mestrando. Encenador, dramaturgo e ator.

RESUMO

O estudo se propõe entender a construção dramatúrgica da obra cênica Projeto Achados & Perdidos através do conceito de rizoma. Observando o processo de montagem como uma construção cartográfica, o rizoma transcende a metodologia e passa a operar na dramaturgia. O projeto aborda as vivências pessoais dos artistas que o integra, porém a memória se estetiza no seu fazer dramatúrgico não registrado. Manter o caráter de não fixação torna-se o combustível para efetivar a possibilidade de operar o rizoma na efemeridade cênica. Tensiona-se as linhas de desterritorialização sempre que a dramaturgia se reinventa, a cada apresentação. Com todas as possibilidades de conexões para o fruidor, a cartografia também passa a ser experimentada pelos espectadores. Dessa forma, construir seu próprio mapa é tarefa dos artistas e do público, o caráter metamórfico torna a obra reversível e suscetível a receber mudanças constantemente. O Projeto Achados & Perdidos está começando sua trajetória de apresentações, com dois meses de temporada, de forma que o estudo ainda percorrerá os atravessamentos das futuras apresentações e não se configura como concluído.

Palavras-chave: Dramaturgia. Rizoma. Projeto Achados & Perdidos.

ABSTRACT

The present study aims to understand the dramaturgical construction of the scenic work Projeto Achados & Perdidos through the concept of rhizome. By observing the production process as a cartographic construction, rhizome transcends the methodology and ends up operating on the dramaturgy itself. The project contemplates personal experiences of its component artists; however the memory is aestheticized in its non-registered dramaturgical work. Keeping the characteristic of non-fixation becomes fuel in order to actualize the possibility of operating the rhizome on the scenic frailty. The deterritorialization lines are always tensioned once the dramaturgy reinvents itself, at each performance. With all the possibilities for connections presented to the spectator, the cartography is also experienced by the audience. In this context, building one’s own map is a task for the artists and the audience, the metamorphic feature becomes a reversible work, which is likely to constantly receive changes. Projeto Achados & Perdidos is starting its performances schedule, for two months this season, in a way that this study is yet to go through future presentations and it is not be considered as finished.

Keywords: Dramaturgy. Rhizome. Projeto Achados & Perdidos.

CARRICO, André. Didi, o mendigo renunciador. Campinas: Unicamp. Doutorado em Artes; Neyde de Castro Veneziano Monteiro. Ator e pesquisador.

Comédia Popular: Circo: Palhaço.

Criado em 1960 pelo cômico Renato Aragão, Didi é um ícone da cultura popular de massa. Re-significando um conjunto de procedimentos preexistentes, legou à cena cômica nacional um repertório de 69 bordões e 29 lazzi. Nordestino e mal tratado, esperto e independente, rei da facécia e do improviso, Didi pode ser definido como o modelo que o antropólogo Roberto Damatta (1991) denomina de renunciador - personagem que promete ao povo um universo social alternativo ao abdicar de prestígio e riqueza. Segundo o ensaísta, esse tipo recusa a vida social, habitando os interstícios da sociedade e escolhendo a mediação das injustiças sociais através da vingança justificada. O destino de andarilho de Didi incorpora a utopia de um homem que almeja ser livre. A vagabundagem e a energia na luta pela justiça são características ambivalentes que completam a persona do trapalhão e reforçam sua graça como tipo midiático emblemático. Aos 53 anos, o mendigo renunciador sobreviveu aos Trapalhões e segue a despertar interesse e identificação em diferentes gerações e faixas etárias, ao encarnar os assuntos e as quimeras do público popular.

Comédie Populaire: Cirque: Clown.

Créée en 1960 par le comédien Renato Aragão, Didi est un icône de la culture populaire de masse. Il a re-signifié un ensemble de procédures préexistantes et légué à la scène comique nationale un répertoire de 69 tirades et 29 lazzi. Migrateur et maltraité, malin et indépendant, roi de la facétie et de l'improvisation, Didi peut être définie comme le modèle que l'anthropologue Roberto Damatta (1991) appelle le renonciateur - personnage qui promet un univers social alternatif en rennonçant au prestige et à la richesse . Selon l'essayiste, il refuse la vie sociale, en habitant les interstices de la société et en choisissant la médiation des injustices sociales à travers la vengeance justifiée. Le destin de vagabond Didi intègre l'utopie d'un homme qui aspire à être libre. La vagabondage et l'énergie dans le combat pour la justice sont des éléments ambivalents qui complète le personnage maladroit et renforce sa grâce en tant que type emblématique. Avec 53 ans, le mendiant renonciateur a survécu au group Os Trapalhões et continue a susciter l'intérêt et l'identification de différentes générations et groupes d'âge, en incarnant les sujets et les chimères du public populaire.

CARVALHO, Adélia Aparecida da Silva. O mito de Medeia na dramaturgia brasileira: um diálogo dos tempos. Belo Horizonte: Programa de Pós-Graduação em Letras: Estudos Literários – UFMG; Mestra; Dramaturga; Encenadora e Atriz.

RESUMO

Embora mantendo um núcleo de identidade comum, o mito tem um caráter universal e atemporal que permite a inserção de questões relacionadas a atualidade. Inspirada em um mito grego a peça Medeia, de Eurípides (431 a. C.) reflete as modificações que a comunidade mediterrânea sofria, dando novos contornos tanto a imagem da personagem central, como a diversos aspectos da trama. Graças a essa abertura do mito, seguindo os rastros de Eurípedes, vários dramaturgos irão retornar a essa fonte para suas criações. Na dramaturgia brasileira pode-se identificar na obra de importantes autores que se apropriaram do mito de Medeia, o reflexo das mudanças sofridas, ao longo dos tempos, em diversos aspectos (cultural, econômico e político) da sociedade brasileira. Selecionamos para essa análise os textos: Anjo negro, de Nelson Rodrigues(1946); Além do rio, de Agostinho Olavo(1957); Medeia: uma tragédia brasileira, de Oduvaldo Vianna Filho(1973); Gota d’água, de Chico Buarque e Paulo Pontes(1975); O diário de Medéia, de Guiomar de Grammont(1991), e Des-Medeia, de Denise Stoklos(1995). Observa-se nessa análise, a potência da dramaturgia em construir, através das modificações imprimidas nas reescrituras do mito, um paralelo com as mudanças na sociedade de cada tempo.

Palavras-chave: Medeia. Teatro brasileiro. Apropriação.

RESUMEN

Mientras se mantiene un núcleo de identidad común, el mito tiene caractér universal y atemporal que permite la inclusión de las cuestiones relacionadas con el presente. Inspirado en el mito griego de la obra Medea de Eurípides (431 a. C.) refleja los cambios que sufrió la comunidad mediterránea, dando nueva forma a la vez la imagen del personaje central, ya que muchos aspectos de la trama. A través de esta apertura del mito, siguiendo las huellas de Eurípides varios dramaturgos volverá a la fuente de sus creaciones. En el drama brasileño puede identificasr de la obra de autores importantes que se apropió del mito de Medeia, refleja cambios experimentados, con el tiempo, en diversos aspectos (culturales, económicos y políticos) por la sociedad brasileña. Seleccionado para este análisis de textos: Anjo negro, de Nelson Rodrigues(1946); Além do rio, de Agostinho Olavo(1957); Medeia: uma tragédia brasileira, de Oduvaldo Vianna Filho(1973); Gota d’água, de Chico Buarque e Paulo Pontes(1975); O diário de Medéia, de Guiomar de Grammont(1991), e Des-Medeia, de Denise Stoklos(1995). Se observa en este análisis, el poder del teatro para construir, a través de las modificaciones impresas en la reescritura del mito, un paralelo con los cambios en la sociedad a la vez.

Palabras clave: Medeia. El teatro brasileño. Apropiacíon.

FERREIRA, Carlos Roberto. HOMEM DO BARRANCO: Pesquisa e dramaturgia na cena ribeirinha. Cuiabá - MT: UFMT - Universidade Federal de Mato Grosso. Mestrando do Programa de Pós-graduação em Estudos de Cultura Contemporânea – ECCO; Ator e Dramaturgo; Orientadora Profa. Dra. Maria Thereza de Oliveira Azevedo.
RESUMO
HOMEM DO BARRANCO: Pesquisa e dramaturgia na cena ribeirinha é resultado de uma pesquisa-ação realizada na Comunidade de São Gonçalo Beira Rio em Cuiabá – MT, nos anos de 1993 e 1994, que tem o barro como força de modelamento da cerâmica e da vida da Comunidade. Desta surgiu a escrita dramática da peça Homem do Barranco, que esteve em cartaz no período de 1995 a 2000. O poema dramático dialoga com os livros bíblicos de Gênesis e de Jó, além dos depoimentos de vários ceramistas da Comunidade, em especial da Senhora Joana Maria da Silva, benzedeira, ceramista e liderança comunitária.
A Comunidade de São Gonçalo Beira Rio vive à margem direita do rio Cuiabá, desde 1719; um aglomerado ribeirinho distante 10 quilômetros do centro urbano da cidade, com aproximadamente 350 moradores, distribuídos em 75 famílias. Por várias décadas sobreviveram à custa do barro, da cerâmica, do rio e do peixe, por meio das festas de santos, da dança do siriri, da dança de São Gonçalo e do cururu. Esse conjunto de expressões e manifestações culturais oferece conteúdo substancial para colocar na cena contemporânea o poema dramático Homem do Barranco, cuja poesia nasceu da nossa necessidade de ver os atos e as situações da vida humana representada por personagens que relatem os fatos e expressem os intentos mediante breves ou longos discursos.
O personagem Homem do Barranco divide espaço na narrativa com três personagens femininas: uma lavadeira que conta história da enchente de 1974; uma ceramista, inspirada na figura da Senhora Joana Maria da Silva que revela a labuta com o barro e a cerâmica e a personagem Mãe Oxum, que expressa a força mítica que o sincretismo opera sobre a Comunidade.
Palavras-chave: Pesquisa. Homem do Barranco. Comunidade. Poema Dramático.
FERREIRA, Roberto Carlos. MAN WADI: Research and dramaturgy in riverside scene. Cuiabá - MT: UFMT - Federal University of Mato Grosso. Master Program of Graduate Studies in Contemporary Culture - ECCO, actor and playwright; Advisor Professor. Dr. Maria Thereza de Oliveira Azevedo.
 

JUNIOR, Antonio Carlos de Oliveira. Reivindicações de Coralidade em ‘Sete Crianças Judias’ de Caryl Churchill. Florianópolis: UDESC – CEART - PPGT; bolsista CAPES [tipo: demanda social]; mestrando em artes cênicas, orientado pelo prof. dr. Stephan Baumgartel.

RESUMO

Seven Jewish Children de Caryl Churchill é um curto texto teatral que provocou muito barulho ao seu redor. Escrito na primeira semana de 2009 como uma espécie de resposta artística à ofensiva israelense em território palestino em 27 de dezembro de 2008, teve sua estreia no Royal Court Theathre imediatamente após em fevereiro de 2009. O texto apresenta 7 cenas curtas ambientadas em 7 períodos históricos distintos do povo judeu. Embora tais recortes não possam ser precisamente determinados, o texto parte de um momento de perseguição maciça ao povo judeu, passa pela criação do estado de Israel e por diversos conflitos decorrentes com o povo palestino. Nenhuma criança aparece em cena e a tensão gira sempre em torno de uma decisão: o que contar e o que não contar às crianças? Do ou dos enunciadores sabemos apenas que são adultos, próximos do círculo de relações da criança e que não se repetem. Trata-se, portanto, de sete cenas independentes, o que reforça seu aspecto polifônico. O discurso é construído, de maneira quase minimalista, a partir de um dispositivo antitético: to tell or not to tell. É possível perceber dois eixos de leitura: o intra-ficcional, restringindo a tensão da decisão ao plano ficcional, e o extra-ficcional, que desloca a decisão para a comunidade da plateia. Entretanto, estes eixos são estruturas internas à obra e operam simultaneamente em um jogo de deslizamentos entre o eu e o outro, entre o indivíduo e a comunidade. O texto em si é parte de uma ação maior, política e artística, que envolveu além da escrita em si, disponibilização do texto para downloads e para montagens, desde que realizada uma coleta em nome da MAP – Medical Aid for Palestinians. O trabalho despertou críticas ferozes quanto à um suposto antissemitismo da autora. O presente estudo pretende questionar tal acusação ao analisar os dispositivos textuais da obra à luz da noção de coralidade difratada na contemporaneidade segundo Cristophe Triau e da relação de interdependência entre autonomia do indivíduo e do coletivo proposta por Cornelius Castoriadis. Tais conceitos passam necessariamente pela avaliação da relação eu-outro, indivíduo-comunidade, construída, expressa e provocada pela peça, e manifestam-se em nosso tempo apenas como o seu negativo, um fantasma, uma reivindicação. A obra de Churchill reivindica uma coralidade específica ao re-despertar o coletivo pelo âgon, não mais no eixo intra-ficcional da obra, mas em um microcosmo da polis contemporânea, a plateia de uma apresentação teatral. A ampla e rápida repercussão alcançada lança ainda uma questão: o teatro ainda é capaz de responder às questões emergenciais do seu tempo?

Palavras-chave: dramaturgia. contemporâneo. coralidade. Churchill.

KOPELMAN, Isa Etel; NAVARRO, Grácia Maria; SOBRINHO, Gilberto Alexandre

teatro; dramaturgia; mito; contemporaneidade; documentário.

EXÚ é uma peça teatral, fruto da investigação de estruturas dramatúrgicas oriundas da teatralidade na oralidade popular do Brasil. A peça conjuga na sua dramaturgia cênica, atuação de atores, imagens de vídeo e letras de música para falar sobre Exú, entidade religiosa, que veio ao Brasil no patrimônio cultural dos africanos que chegaram como escravos, no período da colonização. Os procedimentos metodológicos para a construção dessa dramaturgia foram selecionados com o objetivo de abordar esse orixá do ponto de vista dos atores e da relação com Campinas, a partir do legado dos negros deixado na cidade e inscrito na ocupação do seu território urbano. Para abarcar esse contexto, simultaneamente atemporal, pois relacionado ao tempo do mito, e contemporâneo, circunscrito no contexto dos atores e da cidade de Campinas, aliamos à linguagem teatral a linguagem do filme documentário.

Keywords: theater, drama, myth, contemporary, documentary.

Exú is a play, the result of the investigation coming from dramaturgical structures of theatricality in popular orality Brazil. The piece combines the scenic his dramaturgy, performance of actors, video images and letters music to talk about Exú, religious entity, who came to Brazil in the cultural heritage of Africans who arrived as slaves during the colonization period. The methodological procedures for the construction of this drama were selected with the aim of addressing this deity from the standpoint of the actors and the relationship with Campinas, from the legacy of blacks left the city and enrolled in the occupation of their urban territory. To encompass this context, simultaneously timeless, as related to time of myth and contemporary circumscribed in the context of the actors and the city of Campinas, we combine the theatrical language the language of documentary film.

LANA, Wanderson Alex Moreira de. O entre lugar e a dramaturgia trágica para infância e juventude do Teatro Faces. Cuiabá – MT: Universidade Federal de Mato Grosso, Mestrado em Estudos de Cultura Contemporânea. Orientadora Maria Thereza Azevedo. Ator, Diretor e Dramaturgo.

A Dramaturgia para infância e juventude produzida pelos dramaturgos da Companhia de Teatro Faces apresenta a tragédia como proposta para trabalhar os diversos assuntos presentes no universo infantil e juvenil privilegiado a perda, a decepção e a morte. Utilizando-se do imaginário indígena, da mestiçagem e das histórias e “causos” disseminadas pelo forte movimento migratório na região centro-oeste, a dramaturgia do Teatro Faces, companhia do interior de Mato Grosso, traz a discussão do termo entre lugar que aqui será estudado através da análise de Denilson Lopes em sua obra No Coração do Mundo(2012). Parto assim, para a análise do texto “O menino e o céu”(2009) premiado espetáculo da Companhia Teatro Faces – Myriam Muniz 2011, Seleção Amazônia das Artes 2012 – que discorre sobre a morte na infância em diálogo com LOPES (2012), utilizando-me também dos estudos de GRUZINSKI e sobre a Mestiçagem em O pensamento mestiço (2001); e APPADURAI com Dimensões Culturais da Globalização (2004) evidenciando a busca por uma desterritorialização na dramaturgia para infância e juventude.

Palavras-chave: dramaturgia, tragédia, infância e juventude

MACEDO Vanessa. Modos de existir da dança na contemporaneidade - o que a dramaturgia pode revelar. São Paulo: ECA-USP; bolsista da CAPES; Doutoranda; Orientadora: Sayonara Pereira. Coreógrafa, diretora e intérprete da Cia Fragmento de Dança.

RESUMO:
Este artigo é parte da pesquisa desenvolvida sobre dramaturgia, no cenário da dança independente contemporânea, situada no Brasil. Considera os conceitos da crítica de processo, no intuito de não analisar somente a obra, mas o artista criador e o seu percurso criativo. A partir de entrevistas realizadas com artistas e pesquisadores brasileiros, discute as práticas atuais e faz uma análise entre dramaturgia e presença cênica, dialogando com o pensamento de diferentes autores contemporâneos, entre eles, Hans Ulrich Gumbrecht.
Palavras -chaves: Dança. Dramaturgia. Contemporaneidade. Presença.

ABSTRACT
This paper is a part of the research about dramaturgy, developed on Brazilian’s independent contemporary dance scene. It Considers the concepts of critical process in order to analyze not only the work, but the artist and his creative process. From interviews with researchers e brazilian’s artists, it discusses the current practices and analyzes dramaturgy and stage presence, dialoguing with the thought of different contemporary authors, among them Hans Ulrich Gumbrecht.
Keywords: Dance. Dramaturgy.Contemporaneity.Presence.

MARTINS, Annie. As opressões sociais e arte como questionamento: breve reflexão sobre o teatro pós-dramático como ferramenta política. Manaus: Universidade do Estado do Amazonas. Professora Assistente do curso de graduação em Teatro. Mestranda em Teatro.

RESUMO
O presente trabalho propõe considerações sobre a possibilidade do teatro pós-dramático com ferramenta política no contexto das opressões sociais as quais tiveram um marco importante na composição cênica a partir de Bertolt Brecht, em um período específico de violência e terror que foram marcantes na Segunda Guerra Mundial, cuja ideologia nazista vigorava na Alemanha. Este trabalho também tem o objetivo de refletir sobre os mecanismos de opressão do julgamento do gosto artístico a partir da distinção social, considerando algumas contribuições teóricas sobre os processos de hibridação cultural segundo Nestor Garcia Canclini (2008), portanto, problematizando-se como considerar legítimos os processos de aquisição cultural pelos indivíduos, pois pode haver dois estados fundamentais, o estado de guerra ou o estado de hibridação, em uma contínua relação de conflitos e cumplicidades. Neste aspecto, o teatro pós-dramático e político em acordo com os estudos feitos por Hans-Thies Lehmann em suas obras Teatro Pós-Dramático e A Escritura Política no Texto Teatral potencializam as discussões sobre o teatro ser uma alternativa de comunicação crítica ao vivo e real para mudanças sociais no presente imediato ou no futuro mais próximo possível.
Palavras-chave: Opressão social. Hibridação Cultural. Teatro Político e Pós-Dramático.

ABSTRACT
This paper proposes consideration of the possibility of post-dramatic theater with political tool in the context of social oppressions which had an important milestone in scenic composition from Bertolt Brecht, in a specific period of violence and terror that were outstanding at War World, whose ideology prevailed in Nazi Germany. This work also aims to reflect on the mechanisms of oppression trial of artistic taste from the social distinction, considering some theoretical contributions on the processes of cultural hybridization second Nestor Garcia Canclini (2008), thus questioning as legitimate to consider the processes of cultural acquisition by individuals, they may be two ground states, the state of war or state of hybridization, in a continuous relationship conflict and complicity. In this aspect, the post-dramatic theater and political agreement with the studies by Hans-Thies Lehmann in his Post-Dramatic Theatre works and Politics in Scripture Text Theatrical potentiate discussions about theater as an alternative to critical communications and live real social change in the immediate present or possible in the nearest future.
Keywords: Social Oppression. Cultural hybridization. Political Theatre and Post-Dramatic.

MASSA, Clóvis Dias. A queda da casa de Atreu nos palcos gaúchos: relações entre tradição e modernidade na montagem de Agamenon em Porto Alegre nos anos 70. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul; professor Adjunto.

RESUMO

O trabalho aborda a montagem do espetáculo Agamenon, de Ésquilo, produzida pelo Departamento de Arte Dramática da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, em 1971, em Porto Alegre, e o modo como o diretor carioca Luiz Paulo Vasconcellos renovou o tratamento de textos clássicos ao propor uma concepção cênica revolucionária para a dramaturgia grega. A investigação resgata o contexto artístico e a maneira como a montagem se diferencia de outros espetáculos do período baseados em textos clássicos. A proposta insólita do diretor - fundamentada na aproximação com a cultura popular, por meio da semelhança da composição das personagens da tragédia com orixás do Candomblé, e na renovação da disposição da plateia, através da reformulação do auditório Tasso Corrêa, do Instituto de Artes, ao inserir o espectador no espaço de atuação - é pioneira desse tipo de experiência. Por meio de relatos de artistas e espectadores da encenação, o estudo retoma os princípios de sua escritura dramatúrgica, examina como o acontecimento teatral foi recebido pelo público e analisa o modo como a encenação se relacionou com a tradição da dramaturgia e a modernidade artística de então, o que resultou na criação de um espetáculo insólito e autêntico em vários aspectos.

Palavras-chave: Agamenon. Teatro portoalegrense. Dramaturgia. Modernidade teatral.

RÉSUMÉ

Il s'agit de la mise en scène d'Agamemnon d'Eschyle, produit par le Département d'Art Dramatique à l'Université Fédérale du Rio Grande do Sul, en 1971, à Porto Alegre, et la façon dont le directeur carioca Luiz Paulo Vasconcellos a renouvelé le traitement de textes classiques en proposant une conception scénique révolutionnaire par rapport au théâtre grec. La recherche reconstitue le contexte artistique et comment la mise en scène est différente parmi d'autres spectacles de la période aussi fondés sur textes classiques. La proposition insolite du metteur en scène - faite sur l'approche de la culture populaire, par la similarité de la composition des personnages de la tragédie inspiré sur divinités du Candomblé, et le renouvellement de la disposition de l'auditoire Tasso Corrêa de l'Institut des Arts, à mettre le spectateur dans l'espace de représentation, est une expérience pionnière en ce genre. À partir des témoignages sur les artistes et les spectateurs de la mise en scène, l'étude expose les principes de sa écriture dramaturgique, examine comment l'événement théâtral a été reçu par le public et analyse la façon dont le spectacle a été liée à la tradition du théâtre et de la modernité artistique d'alors, ce qui a permis la création d'un spectacle authentique et insolite à plusieurs égards.

Mots-clés: Agamemnon. Théâtre à Porto Alegre. Dramaturgie. Modernité théâtral

MATOS, Enjolras de Oliveira. O tema da morte na obra de Nelson Rodrigues. Salvador: Universidade Federal da Bahia. UFBA; mestrado em artes cênicas; Cássia Dolores Lopes. CNPq; bolsista mestrado. Diretor teatral; professor; ator; contador de histórias; pesquisador musical.

RESUMO
Este artigo aborda o tema da morte nas memórias do autor e como esse influenciou sua dramaturgia; é o resultado parcial do projeto de pesquisa no mestrado do Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas da UFBA. Relaciona algumas memórias da história de vida de Nelson Rodrigues, desde a infância até o fim dos seus dias, que influenciaram na sua criação artística. Delineia-se uma leitura sobre a tragédia da morte na vida do autor e como essa se tornou fonte de inspiração e enriquecimento para sua obra. Esboça-se como o autor enxergava a morte como ritual reverenciado na cidade do Rio de Janeiro, diante da passagem de um cortejo fúnebre, e o comportamento humano referente a essa passagem. Analisa-se como o dramaturgo define o seu projeto teatral diante das perdas vividas.

PALAVRAS-CHAVE: morte: memória: dramaturgia: criação artística: tragédia.


ABSTRACT

This article tackles the theme of death in the memories of the author and how this influenced his dramaturgy, is the partial result of the research project in the Master's Program Graduate in Arts Federal University of Bahia. Lists some memories of the life story of Nelson Rodrigues, from childhood to the end of his days, that influenced his artistic creation. Outlines a reading on the tragedy of death in the author's life and how this became a source of inspiration and enrichment for their work. Delineate how the author saw death as ritual revered in the city of Rio de Janeiro, before the passage of a funeral procession, and human behavior related to this passage. Analyzes how the playwright sets his theater project on the losses experienced.
KEYWORDS: death: memory: drama: artistic creation: tragedy

MENDES, Edilberto. Dramaturgia como operação fantasmática: ficcionalização da seca e subjetivação política no trabalho da Cia. teatral Engenheiros da Arte. Natal: Universidade Federal do Rio Grande do Norte; Mestrando do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; Professor Orientador Dr. Alex Beigui de Paiva Cavalcante.

RESUMO
O artigo aqui proposto é parte de uma pesquisa que investiga a produção dramatúrgica como operação fantasmática. Mais especificamente, se interessa pelas formas como a releitura e reescrita cênica de fatos históricos produz / põe em funcionamento regimes de percepção e sensibilidade / estruturas de sentimento que atuam na configuração e reconfiguração de identidades culturais. O campo empírico escolhido para essa reflexão é o trabalho do grupo teatral Cia. Engenheiros da Arte, de Senador Pompeu, Ceará, na encenação anual da peça Campo de Concentração de 32, de Valdecy Alves, que atualiza a memória social referente à experiência histórica da seca de 1932. Aplica-se as noções de “fantasma”, de Giorgio Agamben, e de “figura”, em Erich Auerbach, para recuperar a emergência, ao final do século XIX, de um empreendimento estético pelo qual o sofrimento da seca se transfigura numa imagem / fantasma – o retirante – que agencia o sentimento de compaixão, tornando-o um modelo de ação social, de subjetivação política. A pesquisa efetua uma leitura das reaparições dessa figura na produção dramatúrgica contemporânea, dos modos como ela metamorfoseia-se e move-se, influenciando e organizando concepções e ações sobre si mesmo e o outro.

Palavras-chave: Dramaturgia. Fantasma. Figura. Identidade. Subjetivação.

ABSTRACT
The article presented here is part of a research that investigates playwriting as a phantasmagoria. More specifically, it is interested in the ways in which the rereading and rewriting of historical facts for the stage produces schemes of perception and sensitivity / structures of feeling that operate in the configuration and reconfiguration of cultural identities. The empirical field chosen for this analysis is the work of the theater group Cia. Engenheiros da Arte, in Senador Pompeu, Ceará, staging the play Campo de Concentração de 32, by Valdecy Alves, that updates the social memory concerning the historical experience of drought in 1932. We apply Giorgio Agamben´s notion of "phantasma", and Erich Auerbach´s "figure" to speculate about the emergence, at the end of the nineteenth century, of an aesthetic work through which human suffering during droughts is transformed into an image / phantasma - the “retirante” – that evoques the feeling of compassion, making it a model of social action and political subjectivity. The research makes a reading of the reappearances of this figure in contemporary dramaturgical production, the ways it is metamorphosed and moves, influencing and organizing ideas and actions about oneself and the “other”.

Keywords: Playwriting. Phantasmagoria. Figure. Identity. Subjectivity.

NAVARRO, Grácia Maria; KOPELMAN, Isa; SOBRINHO, Gilberto Alexandre. Exú: Da investigação da teatralidade na oralidade popular brasileira à tecedura dramatúrgica contemporânea. Campinas: UNICAMP; Docentes.

teatro; dramaturgia; mito; contemporaneidade; documentário

EXÚ é uma peça teatral, fruto da investigação de estruturas dramatúrgicas oriundas da teatralidade na oralidade popular do Brasil. A peça conjuga na sua dramaturgia cênica, atuação de atores, imagens de vídeo e letras de música para falar sobre Exú, entidade religiosa, que veio ao Brasil no patrimônio cultural dos africanos que chegaram como escravos, no período da colonização. Os procedimentos metodológicos para a construção dessa dramaturgia foram selecionados com o objetivo de abordar esse orixá do ponto de vista dos atores e da relação com Campinas, a partir do legado dos negros deixado na cidade e inscrito na ocupação do seu território urbano. Para abarcar esse contexto, simultaneamente atemporal, pois relacionado ao tempo do mito, e contemporâneo, circunscrito no contexto dos atores e da cidade de Campinas, aliamos à linguagem teatral a linguagem do filme documentário. O resultado é uma peça interventiva com uma dramaturgia autônoma em iluminação e sonorização para ser apresentada em espaços alternativos do cotidiano de regiões metropolitanas de Campinas e de outras cidades, o local da apresentação, no contexto da cidade, é parte da tecedura dramatúrgica da peça.

theater, drama, myth, contemporary, documentary

Exú is a theatrical play. It is the result of a process of investigation coming from dramaturgical structures of theatricality in Brazilian popular orality. The play combines in its staging the performance of the actors, video images and Brazilian songbook about Exú. He is a religious divinity, who came from Africa to Brazil, by the slaves, during the colonization period, composing, then, among other forms, an intense and strong cultural heritage. The methodological procedures for the construction of this drama were selected with the aim of addressing this deity from the standpoint of the actors and the relationship with Campinas, from the legacy of blacks left the city and enrolled in the occupation of their urban territory. To encompass this context, simultaneously timeless, as related to time of myth, and contemporary circumscribed in the context of the actors and the city of Campinas, we combine the theatrical language with the language of the documentary film. The result is a piece with an interventional dramaturgy unattended in lighting and sound to be presented in alternative spaces of metropolitan regions of Campinas and other cities, the place is a part of the piece.

OLIVEIRA, Hayaldo Copque Fraga de. Que dramaturgia estamos discutindo?: análise da questão nos trabalhos disponíveis dos dois últimos encontros do GT Dramaturgia, Tradição e Contemporaneidade. Salvador: PPGAC-UFBA; CAPES; Doutorando; Professora Orientadora: Catarina Sant’Anna. Professor e dramaturgo.

RESUMO
O presente artigo analisa os diversos usos e compreensões do termo dramaturgia nos trabalhos apresentados nos dois últimos encontros do GT Dramaturgia, Tradição e Contemporaneidade (VI Reunião Científica e VII Congresso, ambos em Porto Alegre) e disponíveis no Memória ABRACE Digital. Longe de querer julgar a qualidade de tais trabalhos, o objetivo da referida análise é observar, com as devidas ressalvas por se tratar de um corpus repleto de especificidades, por quais caminhos os pesquisadores da dramaturgia vem enveredando. Para tal, será preciso ressaltar quais os focos de abordagem mais recorrentes nos estudos, de que forma se associam, ou não, os elementos da tradição e da contemporaneidade e quais as diferentes noções de dramaturgia empregadas, em que elas se fundamentam e de que forma podem se relacionar.
Palavras-chave: Dramaturgia. GT Dramaturgia, Tradição e Contemporaneidade. Conceitos.

OLIVEIRA, Hayaldo Copque Fraga de. Which dramaturgy are we talking about?: analysis of the issue of jobs available in the last two meetings of the GT Dramaturgy, Tradition and Contemporaneity. Salvador: PPGAC-UFBA; CAPES; Doutorando; Professora Orientadora: Catarina Sant'Anna. Teacher and playwright.

ABSTRACT
This article analyzes the various uses and meanings of the term dramaturgy in the works presented in the last two meetings of the GT Dramaturgy, Tradition and Contemporaneity (VI Scientific Meeting and VII Congress, both at the city of Porto Alegre) and availables in Memória ABRACE Digital. Far from wanting to judge the quality of such works, the goal of this analysis is to observe, with caveats because it is a corpus full of specifics, the different ways that researchers use to explain dramaturgy. This will need to point out which approach most recurrent outbreaks of the studies, how they associate or not the elements of tradition and contemporaneity and what the different notions of dramaturgy employed, in which they are based and how can relate.
Keywords: Dramaturgy. GT Dramaturgy, Tradition and Contemporaneity. Concepts.

PINTO JR, Braz. O DRAMA POÉTICO DE JOÃO CABRAL DE MELO NETO CRIA SEUS PRECURSORES. Dourados: UFGD; professor assistente.
RESUMO

Nesse trabalho apresentamos a poesia de João Cabral de Melo Neto inserida em um processo de revisão da tradição literária e dramática de língua inglesa. Demonstramos como o drama poético Morte e vida severina pode ser inserido em um diálogo intertextual com o poema Os homens ocos de T.S. Eliot, a novela O coração das trevas de Joseph Conrad ou o Hamlet de Shakespeare. Desde sua estréia no palco em 1965, Morte e vida severina vem sendo considerado um clássico do teatro brasileiro, não apenas pela inserção no universo estético e sociológico do retirante nordestino, mas também pelos elementos tradicionais presentes na obra, com destaque para o caráter alegórico de sua estrutura. Cabral estabelece, no “auto de natal pernambucano”, um diálogo não somente com as fontes ibéricas, mas com a tradição poética de contextos anglófonos. Sua obra, composta sempre de forma equilibrada e coerente, mescla tanto elementos populares e clássicos quanto gêneros diferentes como poesia e teatro, e permite múltiplas leituras e interpretações. Os processos criativos de Cabral, calcados na dinâmica da apropriação textual, um procedimento complexo, dialógico e multidirecional, e a revisão crítica de sua obra, são temas da nossa análise, orientada pela perspectiva da estética da recepção, que resulta na leitura comparada de O coração das trevas, Os homens ocos e Morte e vida Severina e nos possibilita estabelecer alguns pontos de convergência ou intertextualidades tanto no que diz respeito à “alegoria do rio” (Congo/Capibaribe) quanto à escolha semântica.
Palavras-chave: Dramaturgia. Intertextualidade. João Cabral de Melo Neto. T.S. Eliot. Joseph Conrad.

ABSTRACT
João Cabral de Melo Neto’s poetic drama, may be read as an intertextual dialog with anglo american tradition. Since its theatrical première in 1965, the verse drama Morte e vida severina (Death and Life of a Severino) has achieved classical status in Brazilian theatre, specially because of its allegoric structure. João Cabral de Melo Neto establishes, in the “auto de natal pernambucano” (Nativity Auto of Pernambuco), a dialogue not only with the Iberian sources, but also with poetic traditions of Anglophone contexts. His work, which shows a concern for poetics and the disciplined use of language, permits multiple readings and interpretations. The creative processes of Cabral, which include the dynamics of textual appropriation, a complex, dialogical and multilevelled procedure, and the critical revision of his work are part of the thematic strands of our analysis which strives to establish, from a reader-response perspective, a dialogue between Heart of Darkness, The Hollow Men and Morte e vida Severina, that concerns “the river allegory” (Congo/Capibaribe) and semantic choices.
Dramaturgy. Intertextuality. João Cabral de Melo Neto. T.S. Eliot. Joseph Conrad.

RÊGO, Rafael Almeida Pereira do. As Funções do Coro em ‘Flores D’América’. Salvador: Programa de Pós-Graduação

RESUMO

O trabalho apresenta, inicialmente, a visão de alguns teóricos sobre o conceito e funções dramatúrgis do coro, elemento originário da Tragédia Grega. Com esta exposição objetiva-se criar instrumentos para a realização de uma análise da funcionalidade dos coros existentes no texto dramático ‘Flores D’América’(1998) de João Denys Araújo Leite. Este trabalho é parte da pesquisa de mestrado desenvolvida dentro do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas – UFBA, sob orientação da Prof. Dra. Catarina Sant’Anna.

Palavras-chave: dramaturgia. coro. João Denys.

ABSTRACT

This work initially presents the understanding of the point of view of few theoreticians about the concept and dramatic function of the Chorus, an original element of the Greek Tragedy. The purpose of the study is to, through the research and findings, introduce new tools that help analyze the functionality of the chorus present in “Flores D’America” (1998) by João Denys Araújo Leite. This essay is part of the dissertation that will be submitted in support for a Master’s Degree developed by the Performing Arts Graduate Program from Federal University of Bahia – UFBA, under the guidance of professor doctor Catarina Sant’Anna.

Keywords: dramaturgy. chorus. João Denys.

RIBEIRO, Martha. Pirandello Contemporâneo: o teatro performativo dos Seis Personagens. Niterói: Universidade Federal Fluminense; Professora Adjunta. Diretora Teatral.

Pirandello Contemporâneo. Seis Personagens. Cena Contemporânea. Performatividade.

Há mais de 10 anos esta pesquisadora vem se debruçando na obra do escritor Luigi Pirandello, seja ela dramatúrgica, teórica, literária, epistolar ou mesmo cênica. O projeto Pirandello Contemporâneo, que se desenvolve hoje na UFF, no âmbito do PPGCA, se dá por via de laboratórios práticos, onde o atuante/performer é convocado a trabalhar sobre suas reminiscências, impulsos e desejos íntimos, buscando na ação, movimentos autobiográficos e de autorrepresentação.O mergulho nos Seis personagens a partir da performatividade pode parecer à primeira vista um paradoxo, já que o autor está vinculado a um horizonte criativo no qual o personagem possui uma força extraordinária. No entanto, em seus últimos textos, a distância entre ator e personagem se encurtou, num processo de dupla incorporação ator-personagem, progressivo e radical; o que sugere uma nova perspectiva de entendimento do texto cênico pirandelliano, que aponta para a dissolução do personagem e do ator na ideia de Performer. É a partir desta via que investigamos a arte de Pirandello hoje, aproximando-a das conquistas contemporâneas da arte da performance. A pesquisa pode ser visitada no site www.pirandellocontemporaneo.uff.br

Contemporary Pirandello. Six Characters. Contemporary Scene. Performativity.

For over 10 years this researcher has been focusing on the vast work of Luigi Pirandello, whether dramaturgical, theoretical, literary, epistolary or even scenic. The Pirandello Contemporaneo Project, developed on the University Federal Fluminense, under PPGCA, occurs via labs, where the doer / performer is instigated to work on his reminiscences, intimate impulses and desires, seeking at the moment of the action autobiographical and self-representation movements. The dip in the Six characters from the performativity may at first seem a paradox, since the author is bound to a creative horizon in which the character has an extraordinary force. However, in his later texts, the distance between actor and character is shortened throughout a process of double incorporation actor-character. Progressive and radical, this process suggests a new perspective for understanding the Pirandello’s scenic texts, pointing to the dissolution of character and actor on the idea of the Performer. It is from this pathway that we investigate the art of Pirandello today, approaching the achievements of contemporary performance art. The research project can be visited by www.pirandellocontemporaneo.uff.br

RODRIGUES, Éder. A pluralidade escritural no processo dramatúrgico do espetáculo “… e peça que nos perdoe”. Porto Velho: Universidade Federal de Rondônia; Professor do Curso de Teatro. Encenador e dramaturgo.

dramaturgia. processos. teatro contemporâneo

Os processos de criação pautados na concepção e construção coletiva do espetáculo têm expandido as discussões sobre as fronteiras entre as funções teatrais, principalmente no campo dramatúrgico, onde novos processuais e formatos reelaboram as matizes da escrita de textos para o palco. Neste contexto, pesquisas desenvolvidas por grupos teatrais da atualidade revelam linhagens particulares de estudo e desenvolvimento da dramaturgia ao apontar óticas específicas de se pensar a esfera do tempo, do espaço e do texto na conjuntura cênica, pluridimensionando os conceitos de dramaturgia e suas asserções. A práxis dramatúrgica potencializa os modos com os quais opera quando se verte ao diálogo interartes, quando se contamina dos diversos elementos propensos ou não à teatralidade e, sobretudo, quando parte de uma pulsão escritural que interrelaciona a sala de ensaio com os princípios ideológicos do projeto artístico. Este artigo parte de uma reflexão sobre o processo de construção do espetáculo “…e peça que nos perdoe” criado a partir da reunião de artistas de distintas áreas para compartilhar experimentações a cerca do universo fúnebre e suas ressonâncias estéticas.

dramaturgy. processes. contemporary theater

The creation processes guided the collective construction of the play have expanded discussions about the boundaries between theater roles, mainly in the field dramaturgical, where new procedures and formats rework the writing texts for the stage. In this context, research carried out by theater groups of the present study reveal particular lineages and development of dramaturgy specific to the optical point of thinking about the realm of time, space and text in the scenic environment, pluridimensionando the concepts of dramaturgy and its assertions. The dramaturgical praxis enhances the ways in which it operates when it pours dialogue interart when it contaminates the various elements or not prone to theatricality and especially when part of a drive entry that interrelates the testing room with the principles ideological artistic project. This article is a reflection on the process of building the play "... e peça que nos perdoe" created from the meeting of artists from different fields to share trials about the universe and its funereal aesthetic resonances.

SANT’ANNA, Catarina. O canibalismo como metáfora no teatro de Michel Vinaver. Salvador, Universidade Federal da Bahia; Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas-PPGAC; Profa Dra Associada 4; Proex-Capes.

RESUMO

Este trabalho faz parte de uma pesquisa pós-doutoral no Instituto de Estudos Teatrais (Université Sorbonne, Paris 3), denominada Espaço, História e Imaginário no teatro de Michel Vinaver, e cujas fontes referenciais provêm notadamente dos arquivos IMEC-Abadia de Ardenas-França. Trata-se de uma análise interdisciplinar do processo de criação de Michel Vinaver (1927) em seu texto dramático L’Ordinaire (O Trivial; segundo nossa tradução, a sair em português), escrita em 1981 a partir de um fait divers de 1972; foi publicada em 1982, estreada em Paris em 1983, e entrou para o repertório da Comédie-Française em 2009. Para por em relevo o imaginário político-social de fundo antropológico deste dramaturgo que se torna também diretor teatral desde então.

Palavras-chave: Dramaturgia. Fait divers. Processo de criação. Canibalismo


RÈSUMÈ


Ce travail fait partie d’une recherche post-doctorale à l’Institut d’Études Théâtrales (Université Sorbonne, Paris 3) et nommée Espace, Histoire et Imaginaire dans le théâtre de Michel Vinaver, et dont les sources référencielles proviennent notamment des archives IMEC-Abbaye d’Ardennes-France. Il s’agit d’une analyse interdisciplinaire du processus de création de Michel Vinaver (1927) dans son texte dramatique L’Ordinaire (O Trivial; selon notre traduction, à sortir, pour le portugais), écrite en 1981 à partir d’un fait divers de 1972, publiée en 1982 et créé à Paris en 1983, et entrée au répertoire de la Comédie-Française en 2009. Pour mettre en relief l’imaginaire social-politique sur fond anthropologique de ce dramaturge devenu aussi metteur-en-scène depuis alors.

Mots-clés: Dramaturgie. Fait divers. Processus de création. Cannibalisme.

SANTANA, Mario. “Nelson Rodrigues, uma dramaturgia impregnada de teatralidade”. Campinas:Unicamp; Professor efetivo; Diretor e dramaturgo.


Atualmente, devido a grande variedade de manifestações consideradas como eventos de teatro, pensar o que seja teatralidade transformou-se em tarefa complexa e polêmica. Mas pensar o que seja teatralidade quando o objeto de estudo são as composições dramatúrgicas de um autor como Nelson Rodrigues, transforma-se em tarefa instigante e prazerosa em virtude do alto teor expressivo que o termo adquire nas mesmas. Nelson forjou uma dramaturgia intensamente teatral, porque lúdica, explícita e contaminada por expedientes cênicos. Este artigo abordará alguns dos procedimentos, recorrentes ou pontuais, presentes na sua escrita para o palco, e que podem ser considerados como recursos potencializadores da teatralidade para a criação da cena.

SILVA, Débora. Causalidades decrouxianas e o desenvolvimento de fábulas contemporâneas. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Professora Substituta da Escola de Teatro; atriz, dramaturga e mímica.
RESUMO
O presente trabalho propõe a investigação de dispositivos causais oriundos da Mímica Corporal Dramática de Etienne Decroux, como eixos de sustentação e desenvolvimento de escrituras dramáticas contemporâneas. A reflexão surge de indagações acerca dos modos de elaboração de fábulas dramáticas alinhadas às tendências sócio-políticas do presente. A autora parte da noção de ação, tomando-a como unidade nuclear da narrativa dramática, e dos possíveis caminhos que modelam o trajeto de constituição da fábula. O termo fábula é tomado neste contexto, na acepção de narrativa dramática que ordena e dá sentido ao drama, este último compreendido a partir da perspectiva rapsódica de Sarrazac e da definição grega para o termo. Discutem-se o fluxo causal aristotélico e as causalidades decrouxianas que incluem ordenações lineares-sucessivas, simultâneas, fragmentadas e multíplices – nas quais eventos simultâneos, descontínuos, transversais e ramificados podem ocorrer. A autora associa ainda esses fluxos causais à lógica social posta em curso desde a modernidade, a partir do pensamento de Lyotard, e a roteiros cinematográficos e textos teatrais, no intuito de capturar seus caminhos e efeitos. Por fim, o texto reflete sobre uma multiplicidade de vozes e tramas, característicos do contemporâneo, numa forma dramática denominada drama decrouxiano.
Palavras-Chaves: causalidades, mímica corporal dramática, contemporaneidade, drama.
ABSTRACT

This paper presents an investigation of the causality devices taken from Etienne Decroux’s corporeal mime as the basis for the development of contemporary dramaturgy structures. The reflection comes from questions about the elaboration of dramatic fables aligned with the sociopolitical tendencies of contemporary times. The author takes the idea of action as the core of dramatic narrative and the possible ways that define and shape their development within the fables. The term fable is studied within such context, seen as the dramatic narrative that orders and gives sense to drama, which in its turn is understood from Pierre Sarrazac’s rhapsodic perspective and the Greek word and its definition. The causality is discussed according to Aristotle and related to the decrouxian causalities which include simultaneous, fragmented and multiple flows, that create crossing simultaneous events. The author associates those types of causality flow to the social logics that modern times have brought about, based on Lyotard’s philosophy, and give examples of film scripts and theatre plays, in order to understand its organizations and effects. Finally, the text reflects on the a multiplicity of voices and plots in a dramatic form named the decrouxian drama.
Key words: causality, Etienne Decroux’s corporeal mime, contemporaneity, drama.

VILLAÇA, Iara. Radionovelas e século XXI: A escuta como proposta para este milênio. Salvador: Universidade Federal da Bahia; mestrado; Antonia Pereira Bezerra. Atriz e dramaturga.

O presente artigo inspira-se no texto de Ítalo Calvino “Seis Propostas para um novo milênio” e baseia-se na experiência do projeto “Nova Rádio Caleidoscópio”, de realização de radionovelas no século XXI, para propor uma reflexão sobre a oralidade na arte da atualidade como exercício da escuta no mundo. Para tanto, discute as ideias de Mirna Spritzer (2005), cuja pesquisa de doutoramento propôs o uso da radionovela como instrumento pedagógico para o ator; Armindo Bião (1999) e sua discussão sobre a matriz cultural da oralidade; Anne Uberfeld (2005), que utiliza a referencia de Brecht para discutir a ideia de obra de arte como espaço propositivo de um modo de estar no mundo; e a noção de “experiência” proposta por Larossa Bondía (2001).

Palavras-chave: radionovela. Escuta. oralidade.

This article draws on text from Italo Calvino "Six Proposals for a new millennium" and is based on the experience of the project " Nova Rádio Caleidoscópio ", and the realization of radio drama in the XXI century, to propose a reflection about orality in arts today as an exercise of listening in the world. The discussion centers on the ideas of Mirna Spritzer (2005), whose doctoral research proposed the use of radio drama as an educational tool for the actor; Armindo Bião (1999) and his discussion of the cultural matrix of orality; Anne Uberfeld (2005), that uses the reference to Brecht to discuss the idea of the artwork as propositional space of a way of being in the world; and the notion of "experience" proposed by Larossa Bondia (2001).

Keywords: radio drama. Listening. orality.