GT Estudos da Performance – Anais da VI Reunião Científica da ABRACE

 

————————————————————-
AMORIM, Sara Passabon. Prática performativa do caxambu: um espaço de múltiplas experiências. Rio de Janeiro: UNIRIO; bolsista: CAPES, doutorado; Professor orientador: Dr. José Luiz Ligiero; Diretora/Encenadora de Teatro.
RESUMO
Ao discutir sobre o Caxambu, busca-se demonstrar que essa prática denota uma experiência ampla e diversificada do indivíduo e do coletivo. Centralizado na construção e elaboração das performances, este texto é desenvolvido por meio do conhecimento da dança do Caxambu identificada em comunidades de Afro-Brasileiros no sul do Espírito Santo. Com o diálogo entre o performativo e o antropológico, é possível dar outra importância à presença da cultura africana, no Brasil. Um processo histórico e cultural desde a época da escravidão (re) significado, que permite intensificar novos diálogos de apreensão dessa prática performativa. Atualmente, os elementos da cultura Afro são identificados, reconhecidos, apreendidos, consagrados. Por meio de seus dispositivos em redes de criações e construções, tanto do ato político quanto social, artístico e estético, os africanos influenciaram a cultura brasileira, de forma intensa e original. Partindo dessa perspectiva, o artigo é uma proposta de reflexão da relação entre os seus atuantes/participantes e o espaço: um lugar de múltiplas experiências, apontando questões que aproximam e distinguem essa manifestação como uma “dialética de fluxo”, (re) significando os dispositivos da tradição africana; o inseparável trio – “dançar-cantar-batucar”. Diante da ideia de espectáculo/manifestação, o caxambu também é analisado aqui como é compartilhado o seu conjunto de valores e hábitos, tanto sociais e comportamentais como artísticos e estéticos. Assim pretende-se afirmar/demonstrar que essa prática artística e cultural é um espaço de múltiplas experiências que desconhece limites, amplia a roda de atuação, estabelece e reafirma o espírito da sociabilidade do individuo e do coletivo; desvelas tramas num processo de fazer/construir o lúdico, o estético, entre sentimento/pensamento contemporâneo e forma tradicional; restauram comportamento, pedaços de memórias de gestos de movimentos; abre-se ao jogo da criação cênica, em condições de interdependência e interatividade com os elementos constitutivos como a fogueira, o tambor, o mestre, o terreiro/espaço de atuação, o público. Este estudo destaca uma experiência cultural, em que estão presentes os comportamentos duplamente exercidos ou comportamentos restaurados conforme Shecnher, que em solos brasileiros, sobretudo perante o contexto das comunidades busca a visibilidade negra em âmbito municipal, estadual e até nacional.
Palavras chaves: Manifestação popular. Encontros e experiências. Espetacular, Performance afro-brasileira.
 

ABSTRACT
When discussing the Caxambu, it is shown that this practice denotes a broad and diverse experience of the individual and the collective. Centered in the construction and elaboration of the performance, this text is developed through the knowledge of dance of Caxambu identified in Afro-Brazilian communities in the south of the Espírito Santo. Through dialogue between the performative and anthropology, it is possible to give another importance to the presence of african culture in Brazil. A historical process and culture since the days of slavery (re) meaning, which allows intensify new dialogues of apprehension of performative practice. Currently, elements of african culture are identified, recognized, seized, consecrated. Through its network devices of creations and constructions, both the political act as social, artistic and aesthetic, the african influenced brazilian culture, so intense and original. From this perspective, the article is a proposal reflection of the relationship between its actors/participants and space: a place of multiple experiences, pointing out questions that approach and distinguish this manifestation as a “dialectic of flow”, (re) meaning the devices in the african tradition; the inseparable trio – “Sing-dance-drumming.” Faced with the idea of spectacle/manifestation, caxambu is also analyzed here as it shared its suite of values and habits, both social and behavioral sciences as arts and aesthetic. So intended to say/show that this artistic and cultural practice is a space of multiple experiments that knows no bounds, widen the wheel of action, establishes and reaffirms the sociability spirit of individual and collective; reveal plots in a process of making/building the playful, the aesthetic, between feeling/thinking contemporary and traditional shape; restore behavior, memories pieces of gestures movements; opens the game of the scenic creation, under conditions of interdependence and interaction with the elements as fire, the drum, the master, the yard/work space, the public. This study highlights a cultural experience, which are present the behaviors doubly exercised or behaviors restored according Shecnher, that in brazilian soils, especially against the context of community search the black visibility on municipal, state and even national.
Keywords: Popular manifestation. Meeting and experiences.Spectacular. Afro-brazilian performance.

 

————————————————————-

BIANCALANA, Gisela Reis. O aspecto improvisacional nas performances populares de trova galponeira riograndense. Santa Maria: UFSM; professora adjunta; departamento de artes cênicas/CAL; PPGART.
 

RESUMO
Este trabalho procura fazer uma reflexão sobre a improvisação inerente às performances de trova galponeira. A trova galponeira é uma manifestação típica da cultura popular gaúcha e consiste de um jogo poético cantado em forma de desafio estabelecido entre dois ou mais trovadores. As performances são aqui definidas pelo momento em que um ou mais corpos mostram-se para outros. O procedimento metodológico aplicado na pesquisa desenvolveu-se por duas vias. Primeiro pela observação, nos principais festivais de trova galponeira do Rio Grande do Sul, durante os anos de 2007 a 2009. Segundo, através de entrevistas aplicadas aos praticantes abordando o aspecto improvisacional da trova. A prática da trova é uma escolha, segundo os performers, e é motivada pelo desejo de fazer que deve ser acompanhado do domínio de saberes provenientes do trabalho técnico sério e comprometido necessários ao cumprimento de qualquer ofício. As performances de trova possuem um tom mágico pela polêmica que gira em torno da existência de um talento ou dom, e, ainda, por sua atuação instantânea. Com este tom mágico vem uma forte expectativa, tanto nos performers quanto no público, provocada pelo risco da imprevisibilidade, excitante para todos os presentes. Se por um lado, para os trovadores, o improviso é um dom oferecido somente a alguns, por outro lado, existem diversas propostas de trabalho sistematizadas, especialmente em ambientes de ensino formais, que buscam desenvolver a habilidade para o improviso. Observou-se que este aspecto improvisacional está, antes de tudo, alicerçado nos processos técnico-formativos informais aos quais estão submetidos os trovadores e que vão instrumentalizar o desejo de fazer. Este desejo alimenta o motor para fazer fluir o conhecimento adquirido e que impulsiona sua atividade performativa. A habilidade para o improviso também está aliada aos sucessos obtidos durante sua vida performativa e que nutrem a atitude de lançar-se ao desafio. Desta forma, acredita-se na potência do desejo enquanto elemento motivador de qualquer intenção humana de ser um componente ativo da cultura. Neste contexto, o desejo funciona como impulso estimulador dos processos improvisacionais de produção do conhecimento performativo na trova gaúcha. Este desejo, elemento difícil de ser captado, desvendado e explicado é claramente percebido nas performances culturais de trova gaúcha. Sendo assim, supridas as exigências formativas para o cumprimento do ofício, a paixão e o prazer movem o desejo de ser/mostrar-se, promovendo a entrega generosa e dedicada à cultura representada. O desejo, por sua vez, alimentado pelos sucessos e/ou fracassos, acompanhado pelos estímulos ou pelo desencorajar dos seus pares, é capaz de alavancar o desenvolvimento da competência almejada para o improviso.
Palavras-chave: Performance. Cultura Popular. Improvisação.
 

Abstract
This work aims make a reflection about the trova galponeira performances inherent improvisation. The trova galponeira is a typical manifestation of the gaúcho popular culture and consists in a challenge between two trovadores in a form of a singing poetic game. Performances are defined here as the moment when one or more bodies shows themselves to the others. The methodological proceedings applied in this research were developed in two ways. First by means of observation of the trova galaponeira main festivals at Rio Grande do Sul state between the 2007 and 2009. And second, by means of interviews with the participants about the trova improvisational aspects. The trova’s practice is a choice, as said by the performers, and its motivation is the desire of doing, which might be accompanied by the knowledge of how to do the serious and accomplished technical work necessary for the achievement of any craft. The trova’s performances possess a magical tone because the controversy that turn around the existence of a talent or gift, and, still, for its instantaneous playing. This magical atmosphere provokes high expectations in the performers and assistance, especially because the risk presented by the unexpected, which excites all the participants. If for the trovadores the improvise capacity is a gift given to few people, otherwise, specially at the formal teaching institutions, there is different systematic working proposes that aims to develop the improvisation capacity. It was seem that the improvisational aspect is, at first, founded in not formal technical-formative processes which the trovadores are submitted and that qualifies the desire to do. This desire lets acquired knowledge flows and stimulate your performative activities. The improvisation ability is also allied with the successes gotten during your performative life and nourishes the attitude to launch out at challenge. In this way, it’s believed that the power coming from the desire is an element capable to put in motion all human intention of being an active component of the culture. In this context, the desire is like an impulse that stimulate the improvisational processes related to the performative knowledge production in the trova gaúcha. This desire, difficult element to being caught, disclosed and explained is clearly noticed in the cultural performances of trova gaúcha. In this way, supplied the formative requirements of the craft, your desire move the passion and the pleasure to shows themselves, promoting a generous and dedicated offer of themselves to the represented culture. The desire, in turn, nourished by the successes and/or failures, followed by the stimulations or discouragement from its pairs, is capable to impulse the development of the competence for the improvisation.
Key-words: Performance. Popular Culture.Improvisation.

 

————————————————————-
BRITO, Maria Cristina. O Jogo do duplo entre sentido e forma na performance do ator na cena da crueldade. RJ: UNIRIO, Professor Associado I
 

Resumo
A pesquisa “O ator no teatro da crueldade” vem sendo desenvolvida na Escola de Teatro da Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO) e busca investigar a função do ator no teatro metafísico proposto por Antonin Artaud. O último trabalho prático realizado nesse sentido, o espetáculo “O amor e a donzela no teatro da crueldade da Demanda do Santo Graal”, pretende a atualização de uma novela de cavalaria medieval segundo a poética da crueldade “O teatro e seu duplo”. Nessa perspectiva, a encenação foi concebida como um jogo de duplo estruturado como um fenômeno de intersubjetividade. Desse modo, o espaço da cena se ergue como um duplo de um espaço primordial. Nesse espaço a encenação é um ritual que também se estrutura como um jogo de duplo. Nesse jogo acontece o rito da descoberta e dos impasses do sentimento amoroso. O ator como um duplo do personagem ritualiza seu trabalho através do diálogo simbólico entre os possíveis sentidos do texto e as distintas possibilidades da forma na criação da partitura no espaço. A pesquisa trata assim da encenação do duplo como fenômeno de intersubjetividade onde está presente a descoberta da relação entre o sentido do verbo e as distintas possibilidades da forma no espaço ritualístico da crueldade.
Palavras-Chave: ator; sentido e forma; cena da crueldade; Antonin Artaud
 

Summary:
The research “The actor in the theater of the cruelty” has been developed at Theatre School of the Federal University of the State of Rio de Janeiro and it investigates the role of the actor in the metaphysical theatre proposed by Antonin Artaud. The last practical work in this direction, the play ” The love and the maiden in the theater of cruelty of the quest for the Holy Grail”, aims to update a novel of medieval chivalry according to the poetics of the cruelty “The theatre and its double.” From this perspective, the play has been conceived as a set of double structured as a phenomenon of intersubjectivity. Thus, the space of the scene stands as a double of a prime space. In the staging area a ritual is structured as a double play. In this play the rite of the impasses of the loving feelings happens. The actor as a dual character ritualizes symbolic dialogue between the possible meanings of the text and the different possibilities of how to create the score in space. The research deals with the staging of the double as a phenomenon of intersubjectivity in which is present the discovery of the relationship between the meaning of the verb and the different possibilities of the ritual in the space of cruelty .
Keywords: actor; meaning and form; scene of the cruelty; Antonin Artaud

 

————————————————————-

FERNANDES, Mariana. “Eu não estou aí”: o jogo paradoxal entre a cena e o espectador em Rainer, Bel, Monnier e Mantero.Rio de Janeiro: Universidade Federal Fluminense; PPGCA, Doutoranda em Letras, artes e contemporaneidade pela PUC-Rio. Orientadora: Prof. Doutora Ana Paula Veiga Kiffer. CARVALHO, Eliane.; mestranda Professor Orientador: Beatriz Cerbino. Bailarina e coreógrafa.
 

Resumo
O presente trabalho investiga a interação entre o espectador e a cena nas obras dos coreógrafos Yvonne Rainer, Jérôme Bel, Mathilde Monnier e Vera Mantero que em diálogo permanente com o território artístico da performance problematizam a relação estabelecida entre a dança, o movimento e a estrutura espetacular.
Os artistas citados criam a partir de um espaço paradoxal. Ao mesmo tempo que criticam o caráter fetichizante e alienante do espetáculo, não abandonam completamente a sua estrutura. Esse paradoxo cria um espaço híbrido, produzindo estratégias de produção de sentido que se enderecem ao espectador sem fechar-se no território totalizante da significação.
Nesse sentido, o movimento dançado estabelece ligações não convencionais com a palavra literária e com o pensamento, distorcendo e alargando os limites do que entendemos por dança.
Como transformar esse não-lugar em um espaço de criação de sentidos que escapam à lógica da significação é a principal questão do nosso trabalho.
Palavras-chave: corpo .movimento .espectador . performance
 

Abstract
The present work analyses the interactions between the spectator and the scene in the works of the choreographs Yvonne Rainer, Jerome Bel, Mathilde Monnier and Vera Mantero, in wich the relationship established between dance, movement and spectacular structure is problematized. These artists create from a paradoxical space: at the same time that they criticize the fetichist and alienating status of the spectacle they don’t abandon this structure. This paradox creates and hibrid space, producing strategies of production of sense that adresses to the spectator without enclosing in the territory of signification. In this sense new links between a movement of dance, the literary word and critical thought is established, distorting and enlarging the limits of what we understand by dance.
Key–words: body .movement .spectator .performance

  

————————————————————-
LIGIÉRO, Zeca. Como pode o estudo das performances contribuir para uma diversidade cultural no futuro? Rio de Janeiro: UNIRIO. Professor Associado III, diretor de teatro e autor.
 

Resumo:
Este estudo aponta para a discussão da importância da prática de performance como um comportamento ou como uma forma de arte que são realizados para garantir a diversidade cultural em um mundo não-hegemônico, cada vez mais globalizado, com uma estética só para todo o planeta como disse Augusto Boal em seu livro Estética do Oprimido. Nosso objetivo é explorar os Estudos da Performance como um processo de compreensão do intérprete em relação a si mesmo e em relação às fontes de antigas tradições de sua família e da sua comunidade como uma forma de restaurar o comportamento amado por muitos grupos étnicos e culturas que estão em conflito aberto com o neoliberalismo e a mercantilização da arte e seus derivados. Uma última questão: “A rede de centros de estudo será capaz de promover a investigação e a criação de várias formas de arte da resistência expressa na dança, artes visuais, vídeo, teatro, contação de histórias, folguedos e arte popular? No futuro, para os espectadores será possível assistir a um corpo suado e o som acústico de sua voz apenas em documentários antigos do passado? “
Palavras chave:Performance – Política – Estética
 

Resumen:
¿Cómo puede el estudio del rendimiento de contribuir a la diversidad cultural en el futuro?Este estudio pone a la discusión de la importancia de la práctica de la performance como un comportamiento o como una forma de arte que son hechos para garantizar la diversidad cultural en un mundo no-hegemónico cada vez descubre más globalizado, con una estética unica para todo el planeta como apuntó Augusto Boal en su libro Estética de los Oprimidos . Nuestro objetivo es explorar los estudios de performance como un proceso de conocimiento del artista intérprete o ejecutante en relación consigo mismo y en relación a las fuentes de las tradiciones ancestrales de su familia y la comunidad como una manera de restaurar los comportamientos tan queridos por muchas etnias y culturas que están en conflicto abierto con la el neoliberalismo y la mercantilización del arte y sus derivados. Una ultima questión: “Una red de centros de estudio de actuaciones será capaz de fomentar la investigación y la creación de varias formas de arte de la resistencia expresada en la danza, las artes visuales, video, teatro, narración de cuentos, comparsas y arte escénico popular? Y en el futuro, para el espectador so será possible mirar un cuerpo sudoroso y el sonido de la voz acustica en los documentales de edad del pasado?”
Palabras- clave: Performance – Política – Estética

 

————————————————————-
LYRA, Luciana de F. R. P. de. Artetnografia: Do conceito in constructo às experiências performáticas. São Paulo-SP: Universidade de São Paulo; Pesquisadora do Projeto Temático NAPEDRA; FAPESP; Pós-doutoranda; Supervisor Prof. Dr. John Dawsey. Atriz, Dramaturga e Encenadora.
 

Resumo
Em investigação de doutorado (UNICAMP/2011), vinculada ao projeto temático do Núcleo de Antropologia, Performance e Drama (NAPEDRA/USP), a pesquisadora elaborou o conceito de ARTETNOGRAFIA, que se associa, intrinsecamente, a estratégias antropológicas contemporâneas de atuação em campo, configurando-se como prática realizada por artistas cênicos ao se deslocarem aos locais onde vivem aqueles que intentam pesquisar, para que nesta interação polifônica e subjetiva possa fomentar a criação da cena performática. O presente trabalho visa abordar a ARTENOGRAFIA, pela perspectiva da interelação entre seu conceito ainda em processo de construção e duas performances, às quais brotaram de experiências artetnográficas, orientadas e dirigidas pela pesquisadora, entre 2007 e 2011. Do contato com a comunidade de Tejucupapo, lugarejo da zona da Mata Norte de Pernambuco, eclodiu o espetáculo Guerreiras(2009) e, da vivência junto à comunidade da Ilha de Deus, às margens do manguezal urbano em Recife, vem sendo desenvolvido o espetáculo Homens e Caranguejos(2011). A trança Artetnográfica urdida entre artistas e comunidades, desvelou Antropologia como Teatro, não uma Antropologia como reflexão acerca do Teatro, mas Antropologia no Teatro. Sendo assim, a teoria não manifesta apologia ao conceito puro, mas liga-se à prática de maneira lúdica.
Palavras-chave: Antropologia da Experiência. Performance.Artetnografia.
 

Abstract
In doctoral research (UNICAMP/2011), linked to the thematic project of the Center for Anthropology, Drama and Performance (NAPEDRA / USP), the researcher developed the concept of ARTETHNOGRAPHY, which is associated, intrinsically, the strategies of contemporary anthropological practice in the field , Configured as a practice performed by scenic artists to move to places where live those who try to search, so that this interaction polyphonic subjective and can foster the creation of performative scene. This paper aims to address the ARTETHNOGRAPHY, from the perspective of interrelation between the concept is still under construction and two performances, which sprang from artethnographycs experiences, guided and directed by the researcher, between 2007 and 2011. Contact with the community Tejucupapo, hamlet of Zona da Mata Norte of Pernambuco, broke the show ‘Warriors’ (2009) and, of living in the community of the Island of God, on the banks of urban mangroves in Recife, has been developing the show ‘Men and Crabs’ (2011). The woven braid Artethnographyc between artists and communities, unveiled as Anthropology Theatre, not a reflection on anthropology as the Theatre, but at the Theatre Anthropology. Thus, the theory does not express apology to the pure concept, but it connects to the practice in a playful manner.
Keywords: Anthropology of Experience. Performance. Artethnography.

 

————————————————————-
MAROCCO, Inês Alcaraz . Abordagem do jogo como criação de formas plásticas no espaço. Porto Alegre: UFRGS; prof Adjunto 4-DE; diretora teatral.
 

RESUMO
Neste trabalho pretende-se refletir sobre a influência de um sistema de treinamento na criação artística através da técnica do jogo e da improvisação . Esse sistema de treinamento foi desenvolvido a partir de técnicas corporais da lide do campeiro gaúcho com o objetivo de desenvolver a presença física do ator/dançarino.Com esse fim, foram criadas nove partituras de movimentos estilizadas baseadas nas atividades da lide. Essas partituras possibilitam ao ator desenvolver a consciência de si no espaço, de mover-se com o máximo de economia e eficácia. Trata-se de uma abordagem formal do movimento cênico, contendo os princípios da presença física, onde prioriza-se o desenho que o ator faz no espaço através dos seus movimentos. Assim, com o corpo treinado e organizado o ator /dançarino torna-se produtor de ficções a partir de seu próprio trabalho plástico, imagético.
De posse do sistema de treinamento, os alunos/atores foram instrumentalizados nesse estilo de teatro . Após, selecionou-se alguns contos do autor do RGS Sérgio Faraco. Depois da leitura e discussão dos aspectos considerados importantes de cada conto, organizou-se através da técnica do jogo e da improvisação, a transposição para a cena da atmosfera da história . Como conclusão parcial, percebe-se que o domínio das partituras de movimentos do sistema de treinamento ensina a olhar os outros e a si mesmo no espaço, e a desenvolver a consciência do mecanismo de seus corpos. Este domínio fisico libera a imaginação possibilitando uma disponibilidade fisica maior no espaço de jogo, oportunizando a realização de formas plásticas na criação dos climas e atmosferas, assim como dos estados e situações em que se encontram os personagens .
Palavras –chave: Sistema de treinamento. História em quadrinhos. Jogo. Teatro imagético.
 

Abstract
In this work one intends to reflect on the influence of a training system on the artistic creation through the technique of playing and improvisation. This training system was developed from corporal techniques from the daily work of the pampas gaucho with the objective of developing the physical presence of the actor/dancer. With this purpose, nine movement scores were created based on the activities of the daily work. These movement scores enabled the actor to develop self-consciousness on their surroundings, to move themselves with maximum economy and effectiveness. It’s a formal approach of the scenic movement, containing the principles of physical presence, where one prioritizes the design the actor makes on the space through their movements. Thus, with the body trained and organized, the actor/dancer becomes producer of fictions off their own plastic, imaging work. While having the training system, the students/actors were instrumented in this style of Theater. After, were selected some short stories by the Rio Grande do Sul writer Sérgio Faraco. After the reading and discussion on the aspects considered important in each story, through the technique of playing and improvisation, the story’s atmosphere’s transposition to the scene was organized. As a partial conclusion, it is notable that the mastering of the movement scores from the training system teaches the actor/dancer to see the others and themselves, and to develop the consciousness of the mechanism of their bodies. This physical mastering liberates the imagination, allowing a greater physical availability in the playing set, nurturing the realization of plastic shapes in the creation of ambiances and atmospheres, as well as the states and situations in which the characters are found.
Keywords: Training System. Comic. Playing. Imaging Theater.

 

————————————————————-
MORAIS, Líria de A. Criando roteiros em tempo real: relatos de uma residência no corpo que dança. Salvador: Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas – Universidade Federal da Bahia; Doutorado; Ivani Santana. Artista, professora e pesquisadora em dança.
 

Resumo:
Esse artigo parte de um relato de experiência referente à residência artística denominada “Residência sem roteiro” – na qual um encontro de artistas convergiu para reflexões e práticas de experimento artístico acerca da composição em tempo real. Esse encontro ocorreu em Salvador –Bahia entre os artistas Paula Manaker (Argentina), Angie Potier (França), o Grupo Radar 1 (Salvador-Bahia-Brasil) e o Coletivo Construções Compartilhadas (Salvador-Bahia-Brasil), coordenado pelo Grupo Três Marias (Salvador-Bahia-Brasil). As pessoas participantes se propuseram a se encontrar sem roteiro previamente organizado para o exercício de criação no decorrer do convívio no ambiente de um Casarão – A Casa Preta – artistas de formas de arte distintas se auto-organizaram a cada dia, com relatos diários formatando idéias sobre composição artística. Nesse sentido, numa perspectiva da dança, esse texto apresenta questões acerca do registro e do processo criativo que se dá em tempo real. Há o interesse em discutir um tipo de disponibilidade do corpo que dança na percepção do espaço-tempo presente como motivos de criação. Perguntas foram elaboradas a partir dessa experiência numa tentativa de vislumbrar pistas de como compartilhar materiais de criação de um corpo que improvisa e cria em tempo real, atualizando as ações implicadas numa composição que se refaz a cada dia.
Palavras-chave: residência artística, composição, tempo real, relato, experimento.
 

Abstract

This paper presents an experience report on the artist residency called “Home unscripted” – in which a gathering of artists converged on reflection and practice of artistic experiment on the composition in real time. This meeting took place in Salvador, Bahia among artists Paula Manaker (Argentina), Angie Potier (France), the Radar 1 Group (Salvador-Bahia-Brazil) and the Collective Constructions Shared (Salvador-Bahia-Brazil), coordinated by the Three Marias Goup (Salvador-Bahia-Brazil). Those participants were proposed to meet without pre-arranged script for building exercise during the convivial environment of a Mansion – The Black House – artists of different art forms self-organized each day, with daily reports formatting ideas on artistic composition. In this sense, the dance perspective, this text poses questions regarding the registration and the creative process that occurs in real time. There is interest in discussing a type of availability of the dancing body in the perception of this space-time as breeding grounds. Questions were drawn from this experience in an attempt to discern clues about how to share materials to create a body that improvises and creates in real time, updating the actions involved in a composition which is renewed every day.
Keywords: living art, composition, real time reporting, experiment.

 

————————————————————-
SILVA, Renata de Lima Silva. Mandinga da rua: a construção de um corpo poeticamente crítico. Goiânia: UFG; professora adjunta.
 

Resumo
O artigo “Corpo que ginga” refere a uma discussão introdutória sobre a preparação corporal em dança contemporânea a partir da capoeira, partindo da hipótese de que na cultura popular se encontra um valioso reservatório de princípios técnicos e poéticos que podem ser utilizados como mola propulsora para o processo de criação em dança, valorando traços de uma “identificação” cultural brasileira.
A partir de um breve panorama histórico da manifestação assinalasse algumas questões que dão pistas para compreender a dramaturgia do corpo na capoeira, tais como: a mimese do corpo-animal, a malandragem e o jogo.
Por fim, apresenta-se alguns elementos constituintes da prática da capoeira introduzido em uma dinâmica de preparação corporal voltada para o desenvolvimento do domínio do próprio movimento.
Palavras-chaves: Corpo. Dança. Capoeira.
 

Abstract
The present article refers to an investigation of the corporal preparation creative process sensibilized by the Brazilian popular culture, more specifically to the construction of the cenic body, supported by the that capoeira offers. having for thematic content the hip hop movement. The research has been guided by the hypothesis that in the popular culture can be found a valuable reservatory of symbologies and technical resources, which can be transposed to the scenic dance valuing traces of cultural identity. The realization of this investigation pointed at a methodology of application of the resources originated at the popular culture on the creative work in contemporary dance, falling upon a reflection about the creation and teaching of Brazilian contemporary dance.
Keywords: Body. Dance.Capoeira.

 

————————————————————-
TERRA, Mariana. Aspectos performativos do iluminador na cena contemporênea. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Mestrado; Ivani Santana. Iluminadora, atriz e performer.
 

Resumo:
O presente artigo trata dos aspectos performativos do iluminador na cena contemporânea, inserido no campo da performance. Esse é um dos pontos chave encontrado na pesquisa da autora no mestrado acadêmico em Artes Cênicas na UFBA, sob orientação da Prof. Dra. Ivani Santana e abrigada pelo GP Poéticas Tecnológicas: corpo, imagem. Sob um novo prisma, o iluminador passa a ser entendido como aquele profissional das áreas cênicas que atua na articulação entre a iluminação e a obra numa estreita relação de co-criação. Ele está em cena manipulando as tecnologias da luz (dentro do evento no momento em que acontece), disponível a dar e receber estímulos, contaminar e ser contaminado pelos vários elementos presentes no ambiente, e tem a iluminação como sua linguagem para comunicação. Sua função portanto deixa de ser um serviço técnico, e ele passa a ser considerado um agente que também está compondo para criação de semântica e significado. Nesse sentido o iluminador é aquele que ao mesmo tempo cria, manipula, executa e comunica (-se através da) iluminação. A luz portanto é compreendida como algo que acontece através do corpo, numa relação sinestésica e artesanal. O processo ocorrido entre o corpo do iluminador e os equipamentos é aproximado com o aspecto embodied das informações no trânsito indivíduo-ambiente. Esse termo é abordado em profundidade pela pesquisadora Ivani Santana (2006) em seu livro Dança na Cultura Digital, onde o corpo humano é entendido como um sistema integrado capaz de relacionar-se com o meio e co-evoluir numa troca constante de informação. A noção de performance é identificada a uma prática poética de fronteira entre as mais diversas linguagens artísticas, interdisciplinar, híbrida, que busca escapar de definições e rotulações. Segundo Richard Schechner e Marvin Carlson em The Performance Studies Reader (org. BIAL, Henry. 2004) a performance é uma função ao vivo relacionada com espaço e tempo, caracterizada quando algo está acontecendo naquele instante, naquele local. Neste texto procura-se responder algumas questões pertinentes, como: Que corpo é esse do iluminador que agora está sendo visto? O que é essa performatividade, esse deixar ver o corpo e a elaboração da luz? O que há de novo? O que muda no ambiente cênico da performance, em relação aos demais artistas e à obra? Na medida em que as relações cênicas contemporâneas se complexificam, em especial no que diz respeito à performance, faz-se urgente pensar as questões da iluminação a partir dos mesmos princípios para que se possam estabelecer pontos de diálogo comuns. As novas possibilidades de relação do iluminador na performance é ponto chave para entender sua atividade, função e responsabilidade dentro desse universo.
Palavras-chave: Iluminação. Iluminador. Corpo. Performatividade. Embodiment.
 

Abstract:
This article discusses the performative aspects of the lighting designer on the contemporary scene, within the field of performance. This is one of the key points found in the author’s research in the academic Master in Performing Arts at UFBA, under the guidance of Prof. Dr. Ivani Santana and sheltered by GP Poéticas Tecnológicas: corpo, imagem. In a new way of view, the lighting designer is understood as the professional of the scenic areas that operates in the link between lighting and the artwork in a close relationship of co-creation. He is on stage manipulating the technologies of light (in the event when it happens), available to give and receive stimuli, contaminate and be contaminated by several elements in the environment, and has the lights as language for communication. His function therefore is no longer a technical service, and he is regarded as an agent who is also composing for the creation of semantics and meaning. In this sense the lighting designer is one that simultaneously creates, manipulates, executes and communicates (through the) lighting. The light is therefore understood as something that happens through the body, a relationship deeply synaesthetic and craftsmanship. The process occurred between the body of the lighting designer and the machines is approximated with the aspect of the information embodied in the transit of individual-environment. This term is discussed in depth by the researcher Ivani Santana (2006) in her book Dança na Cultura Digital, where the human body is understood as an integrated system able to relate to the environment and co-evolve in a constant exchange of information. The notion of performance is identified as a poetic practice frontier between various artistic languages, interdisciplinary, hybrid, seeking escape from definitions and labels. According to Richard Schechner and Marvin Carlson in The Performance Studies Reader (ed. BIAL, Henry. 2004) performance is a function related to the living space and time, characterized when something is happening at that moment at that location. This text seeks to answer some pertinent questions as: What is the light designer’s body that is now being seen? What is this performativity, that let see the body and the manipulation of light? What’s new? What changes in the environment of the scenic performance in relation to other artists and work? Insofar as contemporary scenic relations become complex, especially with regard to performance, it is urgent to consider the issues of lighting from the same principles to establish points of common dialog. The new possibilities of relationship between the lighting designer on performance is the key to understand his activity, function and responsibility within this universe.
Keywords: Lighting. Lighting designer.Body.Performativity.Embodiment.

 

————————————————————-
ZENICOLA, Denise. DANÇAS E DRAMATURGIAS. Rio de Janeiro: Universidade Federal Fluminense; Professora Adjunta I. Pesquisa Faperj. Diretora e Coreógrafa.
 

Resumo
A proposta deste artigo é estender um olhar sobre a arte performativa da relação dança teatro na cena contemporânea. Como resultado analítico percebe-se a presença das noções de dança e dramaturgia construída na ação do corpo do bailarino/ator em sua relação cinestésica e cênica.
Palavras Chave: Dança Teatro, Corpo e Dramaturgia.
 

Summary:
The proposal of this article is to extend a look on the performativa art of the relation dances theater in the contemporary scene. As analytical result perceives itself presence of the notions of dance and dramaturgia constructed in the action of the body of the dancer/actor in its kinaesthetic and scenic relation.
Keywords: Dances Theater, Body and Playwriting.